Un concert spécial Noël est un événement à la fois interpelant et original. Y aller, par extension, est une réaction enfantine : je l’avoue.

Sur scène tout est kitsch : du rouge et du blanc, un grand sapin, des gros cadeaux. Et un premier titre qui place l’ambiance, « Noël tombe souvent bien mal ».

L’envie de Florent Marchet en ce 15 décembre, « jour de Noël selon le calendrier courchevellien », était d’offrir un spectacle sans comparaison. Un instant de magie simple et sincère à l’occasion des fêtes de fin d’année.

Pourtant, la machine semble tourner un peu en rond au bout du troisième titre. Les chœurs caricaturaux font rire, le style décalé de Marchet offre des perspectives nouvelles sur ce qu’est Noël. Mais pourtant, quelque chose manque. Vient « Courchevel », titre équilibré et collant bien à l’ambiance volontairement truculente de ce concert.

Puis vient la fille du Père Noël. Grande et travestie avec ces ongles rouges, son visage blanchi et ces talons hauts. Nicolas Martel, l’homme qui joue ce rôle est danseur, acteur et musicien. C’est lui qui danse avec Monica Bellucci dans le dernier Philippe Garel. Sorte de Bardem à la française, il possède toutefois ce côté félin et féminin qui lui permet d’être juste en androgyne.

Tout bascule alors. La justesse de l’acteur, sa gravité et sa dimension transgressive donne une image de Noël vraiment truculente. Les titres de Florent Marchet et de son Santa Claus Orchestra s’enchaînent comme des guirlandes de surprises. Un poème, une chanson triste et anecdotique, puis la reprise de « Vive le vent ».

L’univers créé atteint son double objectif : offrir un moment de partage aux spectateurs présents et créer une vision de la fête de Noël différente de l’habituelle.

Le dernier titre, lui, appelle un bémol. Chanson pleine d’engagement, de sauts, de sincérité sans retenue, il pousse au constat que l’ensemble de ce concert unique aurait pu être plus festif. En plus du don, ce concert aurait aussi pu être une osmose.

Un seul petit regret… mais bon, il est un peu osé de se plaindre de ses cadeaux de Noël !

Noël à Courchevel ? :

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En toge beige et pieds nus. Une bouteille en verre emplie d’un liquide clair et saumâtre : du jus de citron ? Un univers bobo, gitanisant et décalé. Des ombres chinoises sur le rideau blanc en fond de scène ; la source de lumière, ampoule descendant du plafond par un fil, juste devant ses mains.

Camille est un personnage.

Un personnage auquel j’ai du mal à accrocher d’ailleurs. Un manque de sincérité, une distance entre ethos et logos, une fausse modestie… un je-ne-sais-quoi qui dérange.

Pourtant, derrière le personnage, il y a l’artiste. Et au-delà de la monstration scénique, il y a la création. Et à ce petit jeu, Camille n’a pas beaucoup de concurrence dans le monde de la chanson française.

Dès les premiers titres se développe un univers intimiste assez particulier. Car il y a chez Camille le sens du partage et le goût de la poésie. Trois multi-instrumentistes lui font office d’accompagnateurs. Et elle, qui se démultiplie par la voix.

J’ai été touché par l’abandon offert par Camille dans Ilo Veyou. Et elle a savamment su transmettre les mêmes émotions en live que dans son dernier album. De la même manière, par vagues séquencées au sein de cette ambiance intime, elle lâche des bribes de foutraque (« La France » avec une valse de deux spectatrices sur scène), de chamanisme (« My man is married but not to me ») et de luxure (« Pleasure »).

Et puis, de façon assez surprenante, elle sort de scène au bout d’une heure. Le rappel bat son plein. Camille revient.

Et le personnage n’est plus le même : robe noire et ambiance nettement plus fougueuse. Camille part à l’attaque d’une quinzaine de ces anciens titres, et se lâche pendant plus d’une heure encore ! On passe de « Cats and dogs » à « Paris », de « Ta douleur » à « Mon petit vieux ». Le tout se finit dans une osmose avec le public : tout le monde chante sur « Na Na Na », chanson où chaque couplet est la déclinaison mélodique d’une consonne.

Au Café de la Danse, Camille a joué six soirs. Hier était le dernier. Et tous étaient complets.

Camille elle aussi semble avoir trouvé une certaine complétude dans sa carrière. On oublie très vite ce personnage qui fait tiquer au profit de l’artiste qui se donne, se dévoile et fait rêver.

Crédit photo : Frédéric Dugit et « Pirlouiiiit« 

Plus ampoulé ? :

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Il y a dans le profil enfantin de la jeune Québécoise une part de fantastique. Comme si, au lieu du terrier, cette petite Alice était tombée dans une pop immémoriale et s’était réveillée au Pays des Orfèvres.

Il arrive que celui qui regarde le monde en critique se laisse surprendre par la beauté simple et sincère d’un acte de création. Ces moments sont rares et chers et il faut savoir les reconnaître pour en jouir pleinement.

Jeudi soir au Bataclan, la frêle pianiste blonde a su m’envoûter.

Dès son entrée sur scène, elle contredisait mes attentes. Blonde, son dernier opus, est une petite douceur pop aux mélodies bien faites. Rien de plus. Pourtant, en arrivant accompagnée de quatre grands jeunes hommes, Cœur de Pirate sautait d’entrée dans un univers parallèle, nettement plus rock. Une basse, une guitare, un clavier, une batterie. Et elle au chant et au piano.

Les premières mesures, déjà, firent tanguer la salle. La jeune fille partant tête baissée à l’abordage de ses propres titres.

Résolument rock, les instrumentations donnaient aux titres de Cœur de Pirate une dimension nouvelle : plus chaloupée, plus instinctive et, à mes yeux, plus sincère.

Avec brio, le cinquième titre se faisait interlude au piano. Puis le sixième repartit sur une ligne mélodique plus franche et appuyée. Quelques passages country, un titre en anglais, et un autre plus lent à la sensualité proche d’un tango. Et puis deux titres au violon en fin de concert.

Tous les enchaînements de ce set étaient savamment orchestrés : des transitions sans faute et sans temps-mort, et une scénographie calée au millimètre.

La magie de ce live, sans doute, vient aussi des éclairages. Rarement j’ai vu aussi belle mise en valeur d’un(e) artiste et de son univers. Des éclairages jaunes et chauds qui illuminaient le visage de la chanteuse lorsqu’elle s’asseyait au piano, aux quadrilatères roses qui se mouvaient sur un rideau blanc en fond de scène, en passant par des guirlandes d’ampoules rondes et blanches et des rosaces ambrées parsemées de bleu : tout dans les éclairages faisait écho à ce qui se passait sur scène.

Cœur de Pirate, elle, très nature, sympa, presque fraîche, retrouvait son accent québécois à chaque prise de parole. Heureuse d’être à Paris, ayant envie de faire danser son public, elle se lança dans une myriade de rappels, majoritairement au piano solo.

Le show se finit par des larmes. Des larmes de joie naissant d’une chair de poule. Celle de la prise de conscience, par les applaudissements plus que redoublés, d’avoir offert une partie de soi le temps d’un concert.

Plus près de ma blonde :

• le nouvel album de Cœur de Pirate sur spotify et grooveshark
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Avant tout ne pas vieillir. Même si le texte dit le contraire.

Revenant dans le paysage musical avec un album solo, Didier Wampas ne lâche pas pour autant le punk-rock une fois sur scène. Accompagné de deux guitares, une basse, un clavier et une batterie, le set qu’il proposait en ce lundi 5 décembre au Bataclan ne s’éloignait pas vraiment de l’esprit de la troupe Wampas au complet.

Et, en parlant de complet, c’est avec un costume en tweed à carreaux que le déjanté Didier se ramène sur le devant de la scène avec un premier titre en mode « gros rock qui envoie la sauce ».

Ce fut d’ailleurs la ligne directrice du concert. Quelques ballades vinrent ponctuer le live, mais dans l’ensemble, c’est à du vrai rock français que l’on faisait face. Je dirai même qu’il ressort au final de ce live une vraie expérience, une vraie culture du punk-rock qui fait de Didier Wampas à la fois un artiste majeur de la scène punk-rock française, et un des derniers Mohicans en la matière.

Entre des tours de lasso avec son micro, des bonds saccadés et des descentes dans le public, Didier Wampas a, en outre, confirmé une fois de plus sa qualité de showman.

Et puis, quelques reprises s’insinuèrent dans la tracklist : « Les Marionnettes » de Christophe en version punk, la démence communicative d’un « Marylène » ou encore la version française de « Brand New Cadillac » de The Clash.

Les textes de ses compositions ont pourtant évolué. On retrouve encore certains titres qui s’inscrivent dans la lignée de « Manu Chao » ou « Chirac en Prison ». C’est le cas de « La propriété c’est du vol » ou de « Punk ouvrier ».

Et puis, d’autres compositions sont plus calmes, comme emplies d’émotions. « Eternellement », « Magritte » ou « Magique » font office de parenthèse fleur bleue dans la discographie de l’artiste. Un côté plus variet’.

Si c’est moins convaincant en album, la pastille passe sur scène à coup de riffs.

Mais que cela signifie-t-il ? Un coup de blues pour Didier le punk ? Une nouvelle sincérité montrant qu’il a le « rockeur sur la main » ?

Qui sait… Pourtant, une chose reste certaine, c’est que barjot, allumé et déglingué, tout ça Didier Wampas l’est !

Taisez-le plus :

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La métaphore de la cocotte-minute serait presque un euphémisme…

Le Batalcan ce soir-là était chauffé à blanc. Salle  presque comble, plus de 30°C sous plafond, et un public conquis d’avance (les gens dansaient déjà sur la musique qui passait avant le concert !).

Shantel est le genre d’artiste qui se fait précéder de sa réputation. Ce n’est pas une mauvaise chose en soi, mais la déception peut être forte et rapide. Seulement, Shantel, lui, finit par dépasser sa réputation : rien ne sert de courir, nous dirait Shantel, il faut vous faire cuire à point.

Le DJ allemand sur cette tournée européenne innove. Finies les platines : il sort son manche et se fait guitar hero. Accompagné de 5 cuivres, un accordéoniste, un batteur et une choriste, il se déplace en formation étendue : à la roumaine.

Dès les premières mesures, on se retrouve dans un film de Kusturica. Un vrai bonheur. Le batteur, notamment, a exactement la tête à jouer le méchant dans Chat Noir, Chat Blanc.

Avant même la fin du premier titre, la machine infernale déjà est lancée. La foule saute à s’en briser les ménisques. Les notes cuivrées fusent, la grosse caisse entame un rythme démoniaque, la guitare de Shantel excite, et lui assure le spectacle. D’entrée il pousse sa voix, nous hurle de sauter, tend l’oreille et bondit partout.

Il est 20h35. Le petit bonhomme chauve au costard blanc ne s’arrêtera pour reprendre son souffle que deux heures dix plus tard. A l’heure où mes vêtements sont juste bons à être essorés.

Tous ses tubes y passent. Pas un ne déplaît. Autour de moi, les chevelures envoient des perles de sueur. Entre les titres, certains se courbent, les mains sur les genoux, le souffle court. Shantel au Bataclan, c’est comme le marathon de Paris : tout le monde va jusqu’à l’épuisement et personne ne sait pourquoi !

La dernière demi-heure de concert ressemble à ces grand-messes du Temps des Gitans. Shantel d’abord descend dans le public. Il s’agenouille au milieu de la salle et fait s’asseoir un bon millier de personnes. Il prend son temps, se joue de nous, laisse les jeunes filles le toucher. Puis, dans un va-et-vient lancinant, il entame un « Bella Ciao » douloureusement lent. Peu à peu le rythme monte. La salle chante avec lui. Puis tout explose, tout le monde saute et plus rien ne peut arrêter la fulgurance des musiciens roumains qui, en nage, jouissent de faire ainsi se lever les foules.

Par la suite, une vingtaine de jeunes filles du public sont invitées à monter sur scène. S’ensuivent des scènes de danse lascive entre Shantel et une jeune demoiselle blonde en robe-éponge.

Quand tout s’arrête, après trois rappels, tous se regardent. Tristes que cela, déjà, soit fini et que la vie doive reprendre son cours. Mais heureux, profondément repus d’avoir pu danser jusqu’à épuisement et communier ainsi avec le son…

La musique de Shantel était, ce soir-là, l’opium du jeune peuple parisien.

Mieux connaître cet uluberlu :

• quelques clips déjà sur BTS
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La Flèche d’Or, ses fauteuils rouges, ces gros tuyaux métalliques, et cette ambiance désuète si agréable. L’ancienne gare rejoignant Paris à Londres accueillait en ce mercredi 23 novembre trois jeunes chanteuses anglophones. La Norvégienne Susanne Sundfør, l’Allemande Anna Aaron et l’Anglaise Emmy The Great.

Susanne Sundfør

Seule sur scène, un peu guindée, Susanne Sundfør entame les premières mesures de la soirée. Sur les notes lyriques qui s’échappent de son clavier, elle dépose une voix cristalline. Souvent juste. Au fil de compositions très épurées, elle fait montre de toute l’ampleur de sa tessiture. Rien n’est plus beau d’ailleurs que quand elle lâche vraiment sa voix.

Sur le fond de la scène, des ombres d’oiseaux se détachent. On pense à la chambre rose d’une enfant, au temps fleuri d’un passé révolu. Les mélodies sont souvent nostalgiques, et toujours justifiées par sa voix.

Toutefois, quelques effets dirty sur un ou deux titres viennent casser (volontairement ?) l’ambiance très vaporeuse et intimiste installée par l’artiste norvégienne en ce début de soirée. De même, la propension de la jeune fille à faire bavarder son clavier, à s’éloigner de l’épure dans le surplus de notes, nuit parfois à l’ensemble de ses compositions.

Ce premier set de trois petits quarts d’heure restera pourtant le plus abouti et le plus touchant des trois de la soirée.

Anna Aaron

Guitares saturées, côté garage assumé et basses poussées, la jeune Allemande assure d’entrée le changement de style.

Pourtant, on ne la sent pas sûr d’elle, un peu dans l’excès, pas assez sincère dans la prestation qu’elle nous offre. Un petit truc indescriptible, mais pour autant bien perceptible, qui nous fait sentir que quelque chose cloche. Une sorte de petit air de Patti Smith mal assuré. Un décalage entre son ethos et son logos.

Le deuxième titre, meilleur, laisse espérer une reprise en main de la chanteuse sur sa prestation. Cependant, quelques platitudes, un manque d’engagement véritable, l’absence de dialogue des musiciens sur scène participent à l’instauration d’une ambiance de malaise.

Puis vient un solo. Elle, seule, derrière son piano. De manière assez surprenante, ce titre est beaucoup plus juste que les autres, bien plus puissant : tout simplement sincère. Sa voix s’éraille au gré des notes, et on sent qu’elle se laisse emporter dans l’univers qu’elle déploie sous nos yeux. Finies les mimiques et les gestes christiques : Anna Aaron est avec nous, dans le partage, pour la première fois depuis le début du set.

Et puis, comme un joli soufflé au fromage, tout s’effondre dès le titre suivant. Les cordes et la batterie reviennent. Et tout redevient surfait…

Malgré quelques morceaux plus entraînants, la prestation de l’Allemande reste fade. On y trouve beaucoup de bruit et peu d’émotions. Le décalage avec l’artiste précédente était sans doute trop fort. La preuve : seul son solo nous l’a montrée vraie, sans aucun masque.

Emmy The Great

Une grosse déception. J’attendais beaucoup de cette petite Londonienne à l’album pétillant. Mais je n’ai pas su retrouver cette ambiance dans le live qu’elle nous a donné.

Débarquant sur scène avec un guitariste barbu et une guitare à paillette argentée, Emmy The Great débute par un titre solo très calme. Presque plan-plan.

Le morceau suivant, « Dinosaur Sex », est le titre phare de Virtue, son dernier album. La mélodie est entraînante, sa voix belle et bien posée. Les chansons s’enchaînent et assènent des textes corrosifs et ironiques. Parfois les montées sont belles (comme dans « Paper Forest »). Mais l’ensemble reste plus calme qu’escompté.

Le set est très mélodique, mais la chanteuse semble manquer de soutien. Se faire épauler d’un clavier et d’un batteur, par exemple, ne pourrait lui être que bénéfique. D’ailleurs, un titre plus rock venant sur le tard vient confirmer cette impression : avec un back-up digne de ce nom et plus de mordant, la jolie Emmy n’en serait que plus convaincante.

More girly sound :

• Susanne Sundfør, son site, son myspace, sur spotify et grooveshark
• Anna Aaron, son site, son myspace, sur deezer et spotify
• Emmy The Great, son site, son myspace, sur deezer, spotify et grooveshark
• le site de la Flèche d’Or

Des Suédois, encore. Ils sont trois (deux hommes, une femme). Ils existent depuis 1991. Et je les ai découverts, par hasard, en mai dernier, à la sortie de Music Sounds Better With You.

Ce qui frappe d’abord dans ce dix titres c’est l’agrégation d’une qualité mélodique et vocale impressionnante (une sorte de justesse d’expression) et d’un côté désuet profondément charmant.

La pochette, en soi, résume l’ambiance de l’album : légèreté et sérieux, mise en scène et sincérité, désuétude et modernité…

A en croire leur site, ils seraient l’un des groupes pop les plus célèbres de Suède. A écouter leur album, ça ne m’étonne pas beaucoup.

La recette pop est appliquée à merveille. On retrouve la simplicité efficace des mélodies, la pureté des arrangements vocaux, et cette touche d’inouï qui les démarque du reste du monde.

A la fois enfantins, poétiques et recherchés, pas un des titres de Music Sounds Better With You ne semble moins bon que l’autre. Chacun d’entre eux, en fait, est un tube.

Ne dépassant jamais les trois minutes trente, chaque piste s’apparente à un manifeste.

Et de dire ça n’est pas si exagéré quand on regarde de plus près la démarche du groupe. Les Acid House Kings sont un peu compulsifs, monomaniaques, drôles et intellos.

Leur trois premiers albums ont été produits en quinze ans (un tous les cinq ans), s’inspiraient explicitement des dix disques en dix ans de Felt, et assument leurs influences (des Smiths à Sarah en passant par Elvis).

Le quatrième, selon eux, « aurait dû être dans le Guiness Book ». Pourquoi ? Parce que les 2000 premières copies incluaient un DVD-karaoké. Un peu barjots, je vous le disais.

Et ce nouvel et dernier opus, lui, a juste la prétention de définir ce que sont, selon eux, le sens et l’essence de la pop. Tout un programme !

Seulement, ce qui est fantastique, c’est que la feuille de route est tenue. Et que ce qui naît de ce plan est une véritable madeleine de Proust. Une bouchée sucrée, un suspens de plaisir, une explosion gustative, un sourire, et une expérience marquante.

A la fois sophistiqué et accrocheur, Music Sounds Better With You s’approche de (si ce n’est entre dans) mon top 10 des albums pop.

Plus on en a, meilleur c’est :

• Music Sounds Better With You sur spotify, deezer et grooveshark
• le site des Acid House Kings

De parents originaires de Roumanie, il voue un culte à sa familiale culture.

De là découlent les remixes de standards balkaniques que nous lui connaissons. Homme de la nuit, son « Disko Boy » ou encore sa reprise de « Disco Partizani » sont des petites balles rebondissantes klezmers aux beats ravageurs.

A mi-chemin entre entre Goran Bregovic et l’électro allemande, Shantel sait une chose : c’est que tout le monde va danser !

Ses titres bourrés d’énergie lui ont rapporté un BBC Award en 2006, et une véritable réputation européenne de « bête de scène ». A la tête du label Essay Recordings, il est aussi celui qui nous a fait découvrir Balkan Beat Box ou encore Boom Pam.

Et, en cette fin d’année 2011 voilà que revoilà le Monsieur en tournée, accomagné d’un brass band répondant au doux nom de Bucovina Club Orkestar : tout un programme.

Plus de sauts, plus de sueur :

• Shantel sur spotify, deezer et grooveshark
• le site internet de Shantel, bucovina.de
• et dans les jours qui viennent : une grosse date au Bataclan le 25 novembre, et en tournée dans toute la France (à Tourcoing le 21, à Lyon le 22, à Caen le 23, puis à Rouen le 28 ou encore Nice le 29) !
• son myspace pour en savoir un peu plus
• Et puis allez tiens ! « Disco Partizani », pour le plaisir :

C’est ici au costume d’Elvis que le groupe décide de s’attaquer.

Pourtant, les chevaux fous de Clermont ne sont pas dans le même trip que leurs maîtres à penser. Ici, aucune volonté de franciser les tubes rock’n roll américains. Les trois mecs assument leur créativité et abordent sans fard (mais avec des chaloupées vocales) un quotidien très moderne, des thèmes triviaux. Juste pour le son qu’ils font.

Mais alors,… c’est une renaissance du rockabilly ? Eh oui !

Bousillée dans « Niquée », salope dans « Tabou », mais finalement caressée dans « Restons amants », c’est la femme, langue française personnifiée, qui passe sous les ruades du groupe français.

Il y a chez Mustang la séduction par le verbe. Le ploiement du langage sous les contraintes métriques normalement imposées à une autre (en l’occurrence l’anglais). Et comme chez les Chaussettes Noires, ça en jette. Ces voyelles qui durent à coup de glottes, ces syllabes qui s’étendent jusqu’à retomber-er sur les pieeeeeeeds… oh oui, oui, voilà qui me plai-aît !

Les paroles dans Tabou sont au service de la musique. C’en est frappant dans « Mathématiques ». Ce qui compte, c’est le son qui claque. Ce qui fait mouche, c’est ce qui sort de la bouche. La voix est un instrument à part entière. Elle participe à la mélodie en se tordant, s’étirant, et mordant dans les consonnes.

C’est finalement à une langue se cabrant que Mustang voue un culte.

Et Tabou réussit en cela un tour de force. Il pourrait y avoir dans cet album un anachronisme ennuyeux, une succession de déjà-vus. Pourtant, en déroulant ses textes autour de la notion de tabou, le groupe frappe juste. Devenu tabou sur la forme, le rockabilly ridiculisé retrouve ici ses lettres de noblesses. Et se transforme en outil formidable pour dire autrement ce qu’est notre monde aseptisé.

Hennir encore :

Crédit photo Nicolas Auproux

• Tabou sur deezer et spotify
• le site de Mustang
• quelques vidéos, aussi

Le New Morning, rue des Petites Ecuries dans le 10^ème arrondissement, est un petit club rouge et sympathique. Il est à deux pas du Faubourg Saint-Denis, de ses bistrots populaires et ses restos des quatre coins du monde. S’y pressait hier soir une foule de trentenaires et quarantenaires. Il faut dire que FM Laeti, chanteuse d’origine guadeloupéenne, dispense une pop jazzy. Un de ces trucs calmes et joliment enrobés qui plaît au cadre dynamique cultivé. Je dis cela sans cliché aucun… bien sûr.

Toutefois, pour une artiste dont c’est le premier album, pas courant de faire salle était comble. Le lieu, sa voix, sa musique accrocheuse et son fan club venu en nombre permettent peut-être d’expliquer une telle situation.

Débarquant sur scène avec sept musiciens (de sexe masculin et blancs), la jeune métisse arbore des talons hautement compensés, une coupe afro et une superbe robe rétro. Vagues triangulaires noires séparant les couleurs de l’arc-en-ciel. De cette décomposition vestimentaire de la lumière s’élevait soudain le timbre chaud et un peu éraillé de la jeune fille. Un petit pot de miel épicé du souffle des cuivres. Sur scène, une trompette, un sax, un trombone. Sans oublier le quatuor classique : guitare, basse, batterie et clavier.

Aux allants d’une soul-pop rétro très années 60 se mêlent dans ses morceaux les éclats d’un jazz années folles. Et si les interprétations restent très proches de l’album et assez formatées, l’ensemble est de très bonne facture.

Et puis parfois, au terme de belles montées de cuivres, le rythme s’intensifie et la voix de l’artiste prend toute sa dimension. C’en est presque délicieux quand la machine s’emballe.

FM monte sur scène après trois titres. Lui, c’est l’autre morceau de Laeti, l’homme de l’ombre, son François-Marie de mari, son alter ego, un faux-air de BHL jeunot. Grands sourires amoureux, échange de regards brûlants. L’un ne va pas sans l’autre, et ça se voit.

Les chansons s’enchaînent. Parfois plus calme. Avec une voix parfois de ventre, plus grave. Puis une reprise de « The Letter » des Box Tops qui booste un peu l’ambiance avec ses gros cuivres. Dans ce concert bien construit et sans temps-mort, c’est quand les instruments jouent fort et la poussent à se dévoiler que FM Laeti est la plus convaincante.

Après un retour au calme, un duo avec Fatoumata Diawara (chanteuse et comédienne et ex-Royal Deluxe) qui, dans un style très Motown, fait se mêler créole et bambara. Puis viennent les rappels, l’un calme avec FM qui se conclut par un très beau solo de harpe, et l’autre plus groove et cuivré dans lequel la voix puissante de Laeti, une fois encore, se fraie un chemin.

Une très belle conclusion qui nous fait espérer un avenir musical plus énergique car le costume semble taillé pour elle.

Joue-la rétro Satanas ! :

• It will all come around, l’album de FM Laeti sur spotify et deezer
• le myspace de FM Laeti
• plus de vidéos (lives, interviews et clips)