Les Inrocks

C’est ce qu’on appelle une ascension record. Il y a quelques mois seulement, il fallait fouler le pavé des rues des Deux-Sèvres, la nuit du 21 juin, pour les entendre. Aujourd’hui, plus question d’être noyé dans la foule de la fête de la musique : les voilà déjà les pieds sur scène et en train d’escalader les hits.

Derrière Colours in the Street, il y a quatre jeunes : Edouard Frair, à la basse, Charles Gousseau à la guitare et au clavier, Alexis Rimbault à la batterie et Alex Poussard, qui se consacre au chant, à la guitare, au clavier et au piano.

Un seul morceau, « Easy« , suffit à toucher du doigt l’immense talent des quatre jeunes : trois minutes d’un son épique et pop, une course avec les rayons du soleil, un rythme profond et un son fouillé digne des plus grands groupes pop-rock.

C’est d’ailleurs avec « Easy » qu’ils placent leur son en tête des Top Singles des plateformes musicales les plus fréquentées du net.  A peine le temps d’en profiter et les voilà déjà vainqueurs de la première édition du tremplin « ça part en live » de Virgin Radio, élus par des auditeurs de toute la France comme «  nouveau talent rock ».

Aujourd’hui,  c’est au tour des Inrocks de les repérer : ils trouvent leur place dans la sélection 2011 de l’Inrock Lab, le célèbre concours des découvertes musicales. Mieux, ils décrochent la 5^ème place dans la catégorie « Révélations », entre Lana del Rey et James Blake, et la 7^ème place dans le classement des « Singles de l’année », deux places derrière Metronomy.

D’ordinaire, il faut attendre le deuxième ou troisième album pour qu’un groupe rencontre le succès. Les Colours, eux, n’ont pas déjà produit le premier qu’ils sortent déjà du lot.

Leur reconnaissance, ils la doivent à leur singularité et leur étonnante maîtrise. Qui croirait qu’ils ont moins de vingt ans, tant la pop qu’ils distillent fait preuve de maturité. Avec un naturel déconcertant, ils composent des mélodies fraiches et justes, oscillant entre une énergie pétillante et une mélancolie authentique. Leur anglais est aussi juste que leurs voix parfaitement placées. Ils ont la fougue des Strokes, la nostalgie de Treefight for Sunlight et le sens de la mélodie de Coldplay.

En résulte une pop entêtante et pêchue qui ne peut laisser indifférent. Prometteurs et talentueux, les quatre garçons dans le vent laissent présager une suite … haute en colours.

Cet article a été écrit par Milou.

Sur l’échelle chromatique :

• leur myspace
• leur fiche « inrocks lab »

Un concert spécial Noël est un événement à la fois interpelant et original. Y aller, par extension, est une réaction enfantine : je l’avoue.

Sur scène tout est kitsch : du rouge et du blanc, un grand sapin, des gros cadeaux. Et un premier titre qui place l’ambiance, « Noël tombe souvent bien mal ».

L’envie de Florent Marchet en ce 15 décembre, « jour de Noël selon le calendrier courchevellien », était d’offrir un spectacle sans comparaison. Un instant de magie simple et sincère à l’occasion des fêtes de fin d’année.

Pourtant, la machine semble tourner un peu en rond au bout du troisième titre. Les chœurs caricaturaux font rire, le style décalé de Marchet offre des perspectives nouvelles sur ce qu’est Noël. Mais pourtant, quelque chose manque. Vient « Courchevel », titre équilibré et collant bien à l’ambiance volontairement truculente de ce concert.

Puis vient la fille du Père Noël. Grande et travestie avec ces ongles rouges, son visage blanchi et ces talons hauts. Nicolas Martel, l’homme qui joue ce rôle est danseur, acteur et musicien. C’est lui qui danse avec Monica Bellucci dans le dernier Philippe Garel. Sorte de Bardem à la française, il possède toutefois ce côté félin et féminin qui lui permet d’être juste en androgyne.

Tout bascule alors. La justesse de l’acteur, sa gravité et sa dimension transgressive donne une image de Noël vraiment truculente. Les titres de Florent Marchet et de son Santa Claus Orchestra s’enchaînent comme des guirlandes de surprises. Un poème, une chanson triste et anecdotique, puis la reprise de « Vive le vent ».

L’univers créé atteint son double objectif : offrir un moment de partage aux spectateurs présents et créer une vision de la fête de Noël différente de l’habituelle.

Le dernier titre, lui, appelle un bémol. Chanson pleine d’engagement, de sauts, de sincérité sans retenue, il pousse au constat que l’ensemble de ce concert unique aurait pu être plus festif. En plus du don, ce concert aurait aussi pu être une osmose.

Un seul petit regret… mais bon, il est un peu osé de se plaindre de ses cadeaux de Noël !

Noël à Courchevel ? :

• son album Noel’s Songs sur spotify, deezer
• son album Courchevel sur spotify, deezer et grooveshark

En toge beige et pieds nus. Une bouteille en verre emplie d’un liquide clair et saumâtre : du jus de citron ? Un univers bobo, gitanisant et décalé. Des ombres chinoises sur le rideau blanc en fond de scène ; la source de lumière, ampoule descendant du plafond par un fil, juste devant ses mains.

Camille est un personnage.

Un personnage auquel j’ai du mal à accrocher d’ailleurs. Un manque de sincérité, une distance entre ethos et logos, une fausse modestie… un je-ne-sais-quoi qui dérange.

Pourtant, derrière le personnage, il y a l’artiste. Et au-delà de la monstration scénique, il y a la création. Et à ce petit jeu, Camille n’a pas beaucoup de concurrence dans le monde de la chanson française.

Dès les premiers titres se développe un univers intimiste assez particulier. Car il y a chez Camille le sens du partage et le goût de la poésie. Trois multi-instrumentistes lui font office d’accompagnateurs. Et elle, qui se démultiplie par la voix.

J’ai été touché par l’abandon offert par Camille dans Ilo Veyou. Et elle a savamment su transmettre les mêmes émotions en live que dans son dernier album. De la même manière, par vagues séquencées au sein de cette ambiance intime, elle lâche des bribes de foutraque (« La France » avec une valse de deux spectatrices sur scène), de chamanisme (« My man is married but not to me ») et de luxure (« Pleasure »).

Et puis, de façon assez surprenante, elle sort de scène au bout d’une heure. Le rappel bat son plein. Camille revient.

Et le personnage n’est plus le même : robe noire et ambiance nettement plus fougueuse. Camille part à l’attaque d’une quinzaine de ces anciens titres, et se lâche pendant plus d’une heure encore ! On passe de « Cats and dogs » à « Paris », de « Ta douleur » à « Mon petit vieux ». Le tout se finit dans une osmose avec le public : tout le monde chante sur « Na Na Na », chanson où chaque couplet est la déclinaison mélodique d’une consonne.

Au Café de la Danse, Camille a joué six soirs. Hier était le dernier. Et tous étaient complets.

Camille elle aussi semble avoir trouvé une certaine complétude dans sa carrière. On oublie très vite ce personnage qui fait tiquer au profit de l’artiste qui se donne, se dévoile et fait rêver.

Crédit photo : Frédéric Dugit et « Pirlouiiiit« 

Plus ampoulé ? :

• Ilo Veyou sur deezer, spotify et grooveshark

Il y a dans le profil enfantin de la jeune Québécoise une part de fantastique. Comme si, au lieu du terrier, cette petite Alice était tombée dans une pop immémoriale et s’était réveillée au Pays des Orfèvres.

Il arrive que celui qui regarde le monde en critique se laisse surprendre par la beauté simple et sincère d’un acte de création. Ces moments sont rares et chers et il faut savoir les reconnaître pour en jouir pleinement.

Jeudi soir au Bataclan, la frêle pianiste blonde a su m’envoûter.

Dès son entrée sur scène, elle contredisait mes attentes. Blonde, son dernier opus, est une petite douceur pop aux mélodies bien faites. Rien de plus. Pourtant, en arrivant accompagnée de quatre grands jeunes hommes, Cœur de Pirate sautait d’entrée dans un univers parallèle, nettement plus rock. Une basse, une guitare, un clavier, une batterie. Et elle au chant et au piano.

Les premières mesures, déjà, firent tanguer la salle. La jeune fille partant tête baissée à l’abordage de ses propres titres.

Résolument rock, les instrumentations donnaient aux titres de Cœur de Pirate une dimension nouvelle : plus chaloupée, plus instinctive et, à mes yeux, plus sincère.

Avec brio, le cinquième titre se faisait interlude au piano. Puis le sixième repartit sur une ligne mélodique plus franche et appuyée. Quelques passages country, un titre en anglais, et un autre plus lent à la sensualité proche d’un tango. Et puis deux titres au violon en fin de concert.

Tous les enchaînements de ce set étaient savamment orchestrés : des transitions sans faute et sans temps-mort, et une scénographie calée au millimètre.

La magie de ce live, sans doute, vient aussi des éclairages. Rarement j’ai vu aussi belle mise en valeur d’un(e) artiste et de son univers. Des éclairages jaunes et chauds qui illuminaient le visage de la chanteuse lorsqu’elle s’asseyait au piano, aux quadrilatères roses qui se mouvaient sur un rideau blanc en fond de scène, en passant par des guirlandes d’ampoules rondes et blanches et des rosaces ambrées parsemées de bleu : tout dans les éclairages faisait écho à ce qui se passait sur scène.

Cœur de Pirate, elle, très nature, sympa, presque fraîche, retrouvait son accent québécois à chaque prise de parole. Heureuse d’être à Paris, ayant envie de faire danser son public, elle se lança dans une myriade de rappels, majoritairement au piano solo.

Le show se finit par des larmes. Des larmes de joie naissant d’une chair de poule. Celle de la prise de conscience, par les applaudissements plus que redoublés, d’avoir offert une partie de soi le temps d’un concert.

Plus près de ma blonde :

• le nouvel album de Cœur de Pirate sur spotify et grooveshark
• son site officiel

Avant tout ne pas vieillir. Même si le texte dit le contraire.

Revenant dans le paysage musical avec un album solo, Didier Wampas ne lâche pas pour autant le punk-rock une fois sur scène. Accompagné de deux guitares, une basse, un clavier et une batterie, le set qu’il proposait en ce lundi 5 décembre au Bataclan ne s’éloignait pas vraiment de l’esprit de la troupe Wampas au complet.

Et, en parlant de complet, c’est avec un costume en tweed à carreaux que le déjanté Didier se ramène sur le devant de la scène avec un premier titre en mode « gros rock qui envoie la sauce ».

Ce fut d’ailleurs la ligne directrice du concert. Quelques ballades vinrent ponctuer le live, mais dans l’ensemble, c’est à du vrai rock français que l’on faisait face. Je dirai même qu’il ressort au final de ce live une vraie expérience, une vraie culture du punk-rock qui fait de Didier Wampas à la fois un artiste majeur de la scène punk-rock française, et un des derniers Mohicans en la matière.

Entre des tours de lasso avec son micro, des bonds saccadés et des descentes dans le public, Didier Wampas a, en outre, confirmé une fois de plus sa qualité de showman.

Et puis, quelques reprises s’insinuèrent dans la tracklist : « Les Marionnettes » de Christophe en version punk, la démence communicative d’un « Marylène » ou encore la version française de « Brand New Cadillac » de The Clash.

Les textes de ses compositions ont pourtant évolué. On retrouve encore certains titres qui s’inscrivent dans la lignée de « Manu Chao » ou « Chirac en Prison ». C’est le cas de « La propriété c’est du vol » ou de « Punk ouvrier ».

Et puis, d’autres compositions sont plus calmes, comme emplies d’émotions. « Eternellement », « Magritte » ou « Magique » font office de parenthèse fleur bleue dans la discographie de l’artiste. Un côté plus variet’.

Si c’est moins convaincant en album, la pastille passe sur scène à coup de riffs.

Mais que cela signifie-t-il ? Un coup de blues pour Didier le punk ? Une nouvelle sincérité montrant qu’il a le « rockeur sur la main » ?

Qui sait… Pourtant, une chose reste certaine, c’est que barjot, allumé et déglingué, tout ça Didier Wampas l’est !

Taisez-le plus :

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« The bitch is back », comme le disait Elton John en 1974 (sur son bien nommé album « Caribou »).

Elton John – The bitch is back

Et par « the bitch », j’entends bien sûr Wikileaks, qui a fait son grand retour sur la pile « à neutraliser » des grands de ce monde en publiant jeudi dernier 287 documents sur l’industrie de la surveillance de masse.

Alors, je pourrais vous raconter comment Julian Assange et consorts ont donné une conférence de presse à City University, à Londres, et comment celle-ci se trouve opportunément être l’université dans laquelle j’effectue mon année d’échange en ce moment, et comment je me trouvais opportunément dans l’amphi au moment de la conférence, et comment j’ai opportunément frôlé Julian Assange avec mon bras gauche devant l’université en question – mais qui tout cela va-t-il intéresser, je vous le demande? Personne, voilà qui.

À la place, je vous propose une petite balade down Memory Lane, au cours de laquelle nous retracerons en musique les aventures de l’homme aux cheveux blancs et des plus grandes fuites de documents secrets de l’histoire.

Et c’est au petit Tom Sawyer que revient l’honneur d’ouvrir cette playlist, Assange lui-même ayant comparé son enfance sur une île du Queensland à celle du jeune héros américain dans sa désormais culte interview pour le New Yorker : « La plus grande partie de mon enfance faisait assez Tom Sawyer. J’avais mon propre cheval. J’ai construit mon propre radeau. J’explorais des puits de mine et des tunnels. »

Vous avez aussi le droit d’apprécier l’ironie des paroles  : « Tom Sawyer, c’est l’Amérique, symbole de la liberté »/ »Tom Sawyer, c’est l’Amérique, pour tous ceux qui aiment la vérité. » Allez dire ça à Bradley Manning.

Tom Sawyer – Générique

Faisons une brève ellipse temporelle et retrouvons-nous aux dix-huit ans de Julian Assange. Entrent alors en jeu deux éléments que les biographes présentent souvent comme étant déterminants pour la suite : sa découverte des joies du hacking, et la naissance de son fils Daniel, une expérience que Madonna vous racontera mieux que moi :

Madonna – Papa don’t preach

Je vous mets aussi la version de Glee, parce que je l’aime bien :

Glee – Papa don’t preach

Parallèlement, Assange développe sa personnalité de hacker sous le nom de Mendax jusqu’à ce que la police vienne frapper à sa porte, ce que j’illustrerai par la chanson Hacker Sapiens du groupe de Metal suédois M.A.N., dont les hurlements et les riffs de guitare angoissants devraient incarner parfaitement la paranoïa développée par l’intéressé à l’époque (comme il le raconte dans Underground).

M.A.N – Hacker Sapiens

La légende veut que les cheveux d’Assange aient perdu leur couleur brune originelle (pour se parer du blanc dumbledoresque que l’on connaît) suite à une bataille judiciaire entre lui, son ex-femme, et l’administration australienne, à propos de la garde de son fils. Quel dommage qu’un des piliers de la chanson française n’ait pas enregistré une chanson qui raconte précisément cette histoire :

Daniel Balavoine – Mon fils, ma bataille

Ah oui, et pour la partie « cheveux blancs »:

Renaud – Cheveu blanc

Il serait grand temps d’en venir à la création de Wikileaks, en 2006, qui amène Assange à changer souvent d’adresse, sac au dos, insaisissable comme un poisson fraîchement pêché. Un « wanderer », aurait dit Joan Baez, tandis que Bob Dylan préférerait l’expression « rolling stone »:

Joan Baez – I am a wanderer

Bob Dylan – Like a rolling stone

Arrive ensuite la période des premières publications remarquées de Wikileaks (la vidéo collateral murder (avril 2010), les Warlogs afghans (juillet 2010) et les Warlogs irakiens (octobre 2010) ). Indéniablement, there’s a leak in my heart :

The Porters – A leak in my heart

2009/2010, c’est aussi la période où Julian Assange semble ne jamais se séparer de son costume noir et de sa cravate rouge :

Jeanne Mas – En rouge et noir

C’est en novembre 2010 que l’apothéose se produit, avec la publication des fameux câbles diplomatiques en partenariat avec Der Spiegel, le New York Times, El Pais, Le Monde, et le Guardian. Julian Assange acquiert alors la réputation d’être un très mauvais gardien de secrets :

The Pierces – Secret

Ses relations diplomatiques avec les États-Unis ne sont, hum, pas au beau fixe.

The Clash – I’m so bored with the USA

Bradley Manning, un soldat américain qui fêtera ses 24 ans le 17 décembre prochain, est le principal suspect en ce qui concerne la fuite de ces câbles diplomatiques et de la vidéo collateral murder. Il a même confié avoir gravé les câbles en question sur un CD étiqueté « Lady Gaga » tout en articulant les paroles de Telephone pour faire croire aux gens autour de lui qu’il était seulement en train de se détendre en écoutant de la musique du meilleur goût.

Lady Gaga et Beyoncé – Telephone

Peu de temps après, toujours en novembre 2010, Julian Assange se voit accusé de crimes sexuels et Interpol publie  un mandat d’arrêt international à son encontre.

Interpol – Not even jail

Depuis, Assange a appris qu’il allait être extradé vers la Suède pour être interrogé à ce sujet (sauf si tout cela se termine à la Cour Suprême). S’il doit finalement s’y rendre, je pense qu’il le fera dans un jet plane et qu’il ne sera pas trop sûr de sa date de retour (« don’t know when I’ll be back again) (oui j’avoue, celle-ci je suis allée la chercher loin, mais figurez-vous que les musiciens se sont jusqu’ici peu exprimés sur le sujet de l’extradition) :

John Denver – Leaving on a jet plane

Aussi, les caisses de Wikileaks semblent être vides, d’où l’appel au don qui orne en ce moment toutes les pages du site.

Abba – Money, money, money

Enfin, rappelons-nous quand même que ce qui importe le plus en ce moment, c’est la publications des 287 Spy Files sur la surveillance de masse, un sujet dont David Bowie (et George Orwell) (oui, je sais, c’est un dernier choix de chanson vraiment très très original) sont familiers :

David Bowie – 1984

J’ai sans doute oublié des bijoux qui collaient parfaitement à certains épisodes Wikileaks-related, si c’est le cas, n’hésitez pas à proposer vos brillantes trouvailles dans les commentaires (vous verrez, c’est un exercice assez rigolo).

La métaphore de la cocotte-minute serait presque un euphémisme…

Le Batalcan ce soir-là était chauffé à blanc. Salle  presque comble, plus de 30°C sous plafond, et un public conquis d’avance (les gens dansaient déjà sur la musique qui passait avant le concert !).

Shantel est le genre d’artiste qui se fait précéder de sa réputation. Ce n’est pas une mauvaise chose en soi, mais la déception peut être forte et rapide. Seulement, Shantel, lui, finit par dépasser sa réputation : rien ne sert de courir, nous dirait Shantel, il faut vous faire cuire à point.

Le DJ allemand sur cette tournée européenne innove. Finies les platines : il sort son manche et se fait guitar hero. Accompagné de 5 cuivres, un accordéoniste, un batteur et une choriste, il se déplace en formation étendue : à la roumaine.

Dès les premières mesures, on se retrouve dans un film de Kusturica. Un vrai bonheur. Le batteur, notamment, a exactement la tête à jouer le méchant dans Chat Noir, Chat Blanc.

Avant même la fin du premier titre, la machine infernale déjà est lancée. La foule saute à s’en briser les ménisques. Les notes cuivrées fusent, la grosse caisse entame un rythme démoniaque, la guitare de Shantel excite, et lui assure le spectacle. D’entrée il pousse sa voix, nous hurle de sauter, tend l’oreille et bondit partout.

Il est 20h35. Le petit bonhomme chauve au costard blanc ne s’arrêtera pour reprendre son souffle que deux heures dix plus tard. A l’heure où mes vêtements sont juste bons à être essorés.

Tous ses tubes y passent. Pas un ne déplaît. Autour de moi, les chevelures envoient des perles de sueur. Entre les titres, certains se courbent, les mains sur les genoux, le souffle court. Shantel au Bataclan, c’est comme le marathon de Paris : tout le monde va jusqu’à l’épuisement et personne ne sait pourquoi !

La dernière demi-heure de concert ressemble à ces grand-messes du Temps des Gitans. Shantel d’abord descend dans le public. Il s’agenouille au milieu de la salle et fait s’asseoir un bon millier de personnes. Il prend son temps, se joue de nous, laisse les jeunes filles le toucher. Puis, dans un va-et-vient lancinant, il entame un « Bella Ciao » douloureusement lent. Peu à peu le rythme monte. La salle chante avec lui. Puis tout explose, tout le monde saute et plus rien ne peut arrêter la fulgurance des musiciens roumains qui, en nage, jouissent de faire ainsi se lever les foules.

Par la suite, une vingtaine de jeunes filles du public sont invitées à monter sur scène. S’ensuivent des scènes de danse lascive entre Shantel et une jeune demoiselle blonde en robe-éponge.

Quand tout s’arrête, après trois rappels, tous se regardent. Tristes que cela, déjà, soit fini et que la vie doive reprendre son cours. Mais heureux, profondément repus d’avoir pu danser jusqu’à épuisement et communier ainsi avec le son…

La musique de Shantel était, ce soir-là, l’opium du jeune peuple parisien.

Mieux connaître cet uluberlu :

• quelques clips déjà sur BTS
• sur spotify, deezer et grooveshark
• son site

La Flèche d’Or, ses fauteuils rouges, ces gros tuyaux métalliques, et cette ambiance désuète si agréable. L’ancienne gare rejoignant Paris à Londres accueillait en ce mercredi 23 novembre trois jeunes chanteuses anglophones. La Norvégienne Susanne Sundfør, l’Allemande Anna Aaron et l’Anglaise Emmy The Great.

Susanne Sundfør

Seule sur scène, un peu guindée, Susanne Sundfør entame les premières mesures de la soirée. Sur les notes lyriques qui s’échappent de son clavier, elle dépose une voix cristalline. Souvent juste. Au fil de compositions très épurées, elle fait montre de toute l’ampleur de sa tessiture. Rien n’est plus beau d’ailleurs que quand elle lâche vraiment sa voix.

Sur le fond de la scène, des ombres d’oiseaux se détachent. On pense à la chambre rose d’une enfant, au temps fleuri d’un passé révolu. Les mélodies sont souvent nostalgiques, et toujours justifiées par sa voix.

Toutefois, quelques effets dirty sur un ou deux titres viennent casser (volontairement ?) l’ambiance très vaporeuse et intimiste installée par l’artiste norvégienne en ce début de soirée. De même, la propension de la jeune fille à faire bavarder son clavier, à s’éloigner de l’épure dans le surplus de notes, nuit parfois à l’ensemble de ses compositions.

Ce premier set de trois petits quarts d’heure restera pourtant le plus abouti et le plus touchant des trois de la soirée.

Anna Aaron

Guitares saturées, côté garage assumé et basses poussées, la jeune Allemande assure d’entrée le changement de style.

Pourtant, on ne la sent pas sûr d’elle, un peu dans l’excès, pas assez sincère dans la prestation qu’elle nous offre. Un petit truc indescriptible, mais pour autant bien perceptible, qui nous fait sentir que quelque chose cloche. Une sorte de petit air de Patti Smith mal assuré. Un décalage entre son ethos et son logos.

Le deuxième titre, meilleur, laisse espérer une reprise en main de la chanteuse sur sa prestation. Cependant, quelques platitudes, un manque d’engagement véritable, l’absence de dialogue des musiciens sur scène participent à l’instauration d’une ambiance de malaise.

Puis vient un solo. Elle, seule, derrière son piano. De manière assez surprenante, ce titre est beaucoup plus juste que les autres, bien plus puissant : tout simplement sincère. Sa voix s’éraille au gré des notes, et on sent qu’elle se laisse emporter dans l’univers qu’elle déploie sous nos yeux. Finies les mimiques et les gestes christiques : Anna Aaron est avec nous, dans le partage, pour la première fois depuis le début du set.

Et puis, comme un joli soufflé au fromage, tout s’effondre dès le titre suivant. Les cordes et la batterie reviennent. Et tout redevient surfait…

Malgré quelques morceaux plus entraînants, la prestation de l’Allemande reste fade. On y trouve beaucoup de bruit et peu d’émotions. Le décalage avec l’artiste précédente était sans doute trop fort. La preuve : seul son solo nous l’a montrée vraie, sans aucun masque.

Emmy The Great

Une grosse déception. J’attendais beaucoup de cette petite Londonienne à l’album pétillant. Mais je n’ai pas su retrouver cette ambiance dans le live qu’elle nous a donné.

Débarquant sur scène avec un guitariste barbu et une guitare à paillette argentée, Emmy The Great débute par un titre solo très calme. Presque plan-plan.

Le morceau suivant, « Dinosaur Sex », est le titre phare de Virtue, son dernier album. La mélodie est entraînante, sa voix belle et bien posée. Les chansons s’enchaînent et assènent des textes corrosifs et ironiques. Parfois les montées sont belles (comme dans « Paper Forest »). Mais l’ensemble reste plus calme qu’escompté.

Le set est très mélodique, mais la chanteuse semble manquer de soutien. Se faire épauler d’un clavier et d’un batteur, par exemple, ne pourrait lui être que bénéfique. D’ailleurs, un titre plus rock venant sur le tard vient confirmer cette impression : avec un back-up digne de ce nom et plus de mordant, la jolie Emmy n’en serait que plus convaincante.

More girly sound :

• Susanne Sundfør, son site, son myspace, sur spotify et grooveshark
• Anna Aaron, son site, son myspace, sur deezer et spotify
• Emmy The Great, son site, son myspace, sur deezer, spotify et grooveshark
• le site de la Flèche d’Or

Le premier parallèle est le plus évident, puisqu’il s’agit tout simplement de Levels d’Avicii, autre hit dont l’auteur (de son vrai nom Tim Bergling) n’est autre qu’un des co-auteurs du morceau de Flo Rida. Sortis presque simultanément durant l’automne 2011, ces deux morceaux entretiennent donc des liens charnels à la limite de la consanguinité la plus malsaine, mais ça ne les empêche pas d’avoir tous deux un terrible succès commercial (entendez par là qu’ils passent tous deux en boucle sur Fun Radio et aux Planches).

En revanche, dès que l’on quitte l’année 2011 pour approfondir la rétrospective du sample, on tombe en 2008 sur un morceau loin de cet enfer commercial : Threats de Blue Sky Black Death avec la collaboration vocale de Jean Grae et Chen Lo. En apparence ce troisième morceau n’a rien de commun avec les deux précédents, mais en réalité Threats contient divers samples provenant de la même chanson que le « Oho sometimes I get a good feeling » vu précédemment. Et autant dire que le résultat est largement plus appréciable et démontre le talent de ce fantastique duo qu’est Blue Sky Black Death.

En remontant à 2006, retour au sample utilisé par Avicii et Flo Rida, cette fois-ci de manière plus originale et subtile par Pretty Lights pour son morceau Finally Moving. Paru dans son premier album, Taking Up Your Precious Time, le titre est un succès immédiat et reste la piste la plus populaire du disque. Il semblerait qu’il s’agisse véritablement de la première apparition du fameux sample, et que l’idée originale d’exploiter le morceau vienne donc  de Pretty Lights avec ce titre éthéré.

Outre ce sampling en long en large et en travers, la chanson originale a aussi été tout simplement reprise pour la comédie musicale Burlesque avec Cher et Christina Aguilera. J’avoue sans complexe ne pas avoir vu le film et ne pas être un grand fan des deux artistes susnommées, mais je ne peux nier que la ré-interprétation du titre original par Christina Aguilera est assez originale pour être remarquée.

Mais trêve de bavardage, venons-en directement à la chanson qui est à l’origine de tout ceci : Something’s got a hold on me d’Etta James. En 1962, une des plus belles voix du siècle précédent chante pour la première fois ce morceau qui aura la descendance que l’on vient d’évoquer, et qui contribuera largement à la popularité de la chanteuse aux yeux félins et à la chevelure platine. Dès les premières secondes du morceau on retrouve la phrase qui sera tant samplée par la suite jusqu’à tourner en boucle 50 ans plus tard grâce (?) à Avicii et Flo Rida.

Last but not least (et c’est le cas de le dire), rappelons que le plus grand titre d’Etta James reste son magnifique At Last, qui — outre son succès naturel — connut un regain de popularité lorsqu’elle fut interprétée par Beyoncé pour le bal d’inauguration de la Présidence de Barack Obama en 2009 (notons aussi la reprise de Christina Aguilera (encore elle) en 2003, mais sa tentative ressemble davantage à un chant tyrolien raté). Bien que présente au bal et couverte d’éloges à cette occasion, Etta James déclara par la suite que Beyoncé mériterait de « get her ass whipped » (je vous épargne la traduction) et qu’elle était désolée de ne pas avoir été invitée à interpréter elle-même son titre, persuadée qu’elle aurait chanté bien mieux que la jeunette Beyoncé.

Nul doute que le morceau de Flo Rida lui inspire des commentaires peu flatteurs.

Mis à jour le 20 janvier 2012 : Si Etta James avait quelconque avis sur Flo Rida, elle n’a pas eu le temps de l’exprimer publiquement. Âgée de 73 ans, elle est morte aujourd’hui des suites d’une leucémie.

Cet article a été écrit par Milou.

A l’occasion de sa 9^ème décennie, la plus célèbre marque de fromage frais s’offre une soirée privée à la Gaité Lyrique. Pour l’occasion, La Vache Qui Rit devient LVQR, s’habille de noir et s’offre un néon rouge en forme de son bovin préféré. Devant les baies historiques du bâtiment, deux immenses portions gonflables se balancent.

Entre champagne et verrines au fromage, costar et rouleaux de printemps, on peut, en attendant le concert du britannique du moment, contempler le travail des graphistes invités pour la soirée et écouter le rock en plein essor des teenagers de The Teers.

 “I came in France … and eat a lot of cheese”

             Un peu avant 23h, Baxter Dury monte sur scène. Son visage est rond, sa bouche légèrement entrouverte – juste assez pour accueillir la bouteille de champagne qu’il tient à la main. Entre dandy et crooner, il plonge le public dans une pop profonde et fouillée aux accents des années 70 et 80. Tantôt jouant avec sa cravate, son champagne et son tabouret, tantôt sérieux, une main dans le dos et le regard au loin, il propose un concert au charme insaisissable, à la fois euphorisant et mélancolique, mais jamais dans l’excès.

Dans un registre simple, presque minimaliste, Baxter Dury place sa voix sur des basses simples et medium et fait dans le sombre et le répétitif. Entre parlé et chanté,  chaque chanson est une histoire colorée dont les mélodies et arrangements, concoctés par la main de Craig Silvey – connu pour avoir travaillé avec Arcade Fire- sont ciselés à la perfection.

A ses côtés, Madelaine Hart ponctue son chant sombre et aride par des contrepoints frais et délicats et donne une intensité et une profondeur particulières à chacune des chansons. Modeste et chaleureux, le fils de Ian Dury crée un style bien à lui, détaché de la pop britannique actuelle, et propose un album automnal nostalgique et apaisé qui nous propulse dans l’univers des Monty Python et d’un flegme britannique avec lequel il se plait à jouer.

Avec « Leak at the disco« , la voix grave et chaude de Baxter Dury répondant au voile mélodique de Madelaine Hart achève de nous  convaincre qu’Happy Soup est l’album de cet automne.

Sans en faire un fromage :

• pour écouter Happy Soup, c’est par ici (deezer, spotify, grooveshark)
• pour en savoir plus sur le beau blond, c’est par là