Comme chacun le sait, l’édition 2010 de la Love Parade qui se tenait à Duisbourg s’est soldée par un drame : dans un mouvement de panique, la foule, qui convergeait vers la fête dans un tunnel étroit, seule voie d’accès, s’est auto-piétinée. Bilan des réjouissances : 19 morts et plusieurs centaines de blessés.

Créée il y a une vingtaine d’années, rassemblant chaque fois plus d’un million de personnes, deuxième plus grosse manifestation musicale au monde après le Carnaval de Rio, la Love Parade a peu à peu perdu sa portée politique et revendicative (égalité des droits du monde LesbienGayBiTrans) pour n’être plus qu’un événement purement festif. Ce drame jette un froid et relancera sans doute les sempiternels débats sur la déliquescence d’une civilisation occidentale qui se tue à petit feu dans l’excès. De toute façon, un festival qui défend les homosexuels et promeut le goût de la fête est à mettre au même niveau que le HellFest et son ramassis de ploucs sataniques violeurs de poules et profanateurs de tombes.

Pourtant, bien loin d’une exploitation anthropologique rigoureuse d’un tel drame et de ce qu’il pourrait éventuellement signifier au vu de l’état de notre société, au-delà de toute analogie facile avec feues les réunions tupperware de Nuremberg et l’ultra-violence chauve et couperosée qui gigote tous les samedis dans les banlieues mancuniennes, par-dessus les accusations faciles envers des organisateurs corrompus, irresponsables, à la solde du grand Capital, Branche ton Sonotone vous propose une analyse beaucoup plus simple et pragmatique, qui ne s’embarrasse pas de la morale et de la pudeur scientifique.

Nous tablons sur le fait que l’événement de Duisbourg, la mort, la souffrance, le malheur, la techno, les raves, le satanisme les retraites Nicolas Sarkozy Eric Woerth la suppression des juges d’instruction le délire mégalomaniaque d’une politique du chiffre proto-orwellienne  et la faim dans le monde, n’a qu’un seul responsable, et que ce responsable est fait de chair, d’os, de collagène et de teinture blond-queupède : il s’appelle David Guetta.

Notre fierté nationale était l’une des grosses têtes d’affiche la soirée. Il n’a pas assuré son live en raison du drame, mais, comme vous allez le voir, nous pensons qu’il est l’homme de l’ombre, qui, depuis une dizaine d’années, sème insidieusement les germes d’une telle folie meurtrière dans les cœurs de ses auditeurs. En bref, le son de David Guetta est vraiment mortel, et nous sommes bien obligés, aujourd’hui, de le reconnaître : l’analyse sémantique des titres des morceaux ne laisse planer aucune ambiguïté. Le monde de David Guetta est un monde dévoyé, sans passé ni présent ni futur, une boucherie festive où les hommes s’entretuent dans un délire anthropophage d’une violence rare. Sexe, sang, violence et piétinement, tel est le fantasme de ce minet blond à mèche. Nous avons sélectionné dix morceaux aux titres les plus explicites, qui préfiguraient déjà cette fête macabre de Duisbourg. Playlist R.I.P. feat. Guetta.

Gettin’ over you

« Je viens au-dessus de toi ». Dernier tube de Guetta sur son dernier album. La rengaine est putassière avec des grosses sirènes, une mélodie catchy et une construction ultra-efficace qui ne laisse aucune place à l’innovation en prenant nos oreilles pour des gros putes. Dans un souci de temps, cette description succincte vaudra pour le reste des morceaux convoqués. Donc, le titre, ici, dit, littéralement : je viens au-dessus de toi. (pendant que tu suffoques au sol ta gueule piétinée par la masse affolée). Bim, premier élément à charge.

When love takes over

« Quand l’amour prend le dessus » : idem. 1,5 million de teufeurs bon enfants, aimant leur prochain et s’entretuant pour la survie dans un tunnel glauque. Je viens sur toi, et l’amour prend le dessus car je t’aime tellement que je te piétine la gueule pour sauver ma peau dans un tunnel exigu.

Love don’t let me go

« Amour, ne me laisse pas partir » : telle a pu être la dernière prière des victimes de la folie meurtrière. David y avait déjà pensé.

Delirious

« Délire » : comment expliquer autrement cet accès panurgiste de panique. Il est bien connu que les mouvements de foule canalisent les noires tensions au cœur de l’homme et le font (re)devenir la bête sans foi ni loi qu’il a toujours été, au fond. La foule annihile l’individu, et ce faisant 1 le désinhibe 2 le déshumanise 3 lui piétine la gueule.

I wanna go crazy

Bon, voilà, l’idée est sensiblement la même.

Tomorrow can wait

« Demain peut attendre » : oh, qu’il est joli l’hymne au plaisir fugace et éphèmère de la party. Oui, nous sommes jeunes, nous faisons la fête, ensemble, alors demain et son cortège de soucis, de problèmes et de responsabilités peut attendre. Pour les gueules piétinées de Duisbourg, demain aussi pourra toujours attendre.

50 degrees

« Cinquante degrés » : cinquante degrés, c’est acceptable, mais c’est suffisant pour y laisser sa peau quand on est entouré par 400 000 personnes. Tenez, par exemple. Imaginez un sauna à basse température, un endroit confiné, moite, calme, chaud. Ajoutez-y une foule en délire et des murs en béton armé. Chaleur, claustrophobie, agoraphobie, impossibilité de bouger : vous avez votre PANIQUE COLLECTIVE.

Memories

« Mémoires » : la conclusion y est déjà. Après la boucherie et l’orgie de violence, l’heure est au recueillement, et à l’évocation des mémoires de ceux qui sont restés, là-bas, dans le tunnel. Durant de longues nuits, les villages alentours conteront la légende de la Love Parade de Duisbourg, à voix basse, dans une retenue sacrée. Au loin, on entendra une mélopée, lancinante, pleine d’échos malins : c’est Kid Cudi feat. Guetta.

Vous l’avez vu, lue à l’aune du drame de la Love Parade, la musique de Guetta est édifiante. Tout y est déjà : la chaleur suffocante, l’écrasement du nombre, l’absence de futur, le délire collectif et la mort. Nous déplorons que les autorités gouvernantes n’aient jamais pratiqué une véritable exégèse des productions de Guetta : le principe de précaution eût sans doute été nécessaire pour éviter un tel drame.

]]> http://branchetonsonotone.com/2010/07/25/playlist-in-memoriam-love-parade-2010/feed/ 2 http://branchetonsonotone.com/2010/07/01/branche-ta-dynamo-la-playlist-du-tour-de-france-2010/ http://branchetonsonotone.com/2010/07/01/branche-ta-dynamo-la-playlist-du-tour-de-france-2010/#comments Thu, 01 Jul 2010 15:00:01 +0000 Dr. Javnaire http://branchetonsonotone.com/?p=18127

Le Tour de France, bien que ça fasse chier une majorité des gens, est un des événements sportifs les plus suivis du monde. Alors, à deux jours du prologue, quoi de plus démagogique et inutile que de vous offrir une petite playlist spéciale pédales. Non, parce que sérieusement, un mec qui est prêt à faire plus de 3000 bornes à bicyclette en quinze jours, c’est normal que certains artistes lui rendent hommage. Alors, certes, avec ce qu’ils ont dans le cul, ils pourraient presque venir avec leur caravane en haut du Tourmalet (ce serait d’ailleurs plus simple pour le lendemain), mais quand même : ça reste un grand spectacle populaire, un truc qui inspire même les plus grands.

J’en veux pour preuve le superbe album des Allemands de Kraftwerk qui, en 2003, pour le centième anniversaire de l’épreuve reine du cyclisme, sortaient un album superbe, entêtant et électromaniaque intitulé Tour de France. La piste « Tour de France Etape 1 » est un petit joyau de minimalisme répétitif. Le synthé et la voix caverneuse qui énonce un à un des noms liés à la course recréent à merveille l’ambiance de la Grande Boucle. Un très bel hommage emprunt d’humour :

Mais, si les artistes sont inspirés par un tel événement, c’est aussi parce que le Tour de France a, depuis toujours, une véritable portée musicale. Par exemple, perchée de 1953 à 1964 sur une Citroën aux couleurs de Suze, Yvette Horner, accordéoniste aussi célèbre que rouquine, se faisait une joie d’égayer le passage de la caravane de son doigté inégalé. A l’époque déjà, ça giguait dur sur les routes du Tour :

Dans la même veine, les années 60 virent éclore le succès de Marcel Amont. A Bobino ou à l’Olympia, régalant le public des premiers « one man shows » musicaux, il distillait savamment par des textes légers de véritables tubes (« Le Mexicain », « Bleu Blanc Blond », ou encore « Le Jazz et la Java », ensuite repris par Nougaro). L’un des ses grands succès vient aussi d’un titre inspiré par le Tour de France : « Il a le Maillot Jaune ». Chanson ultra-populaire qui vante les mérites des petits coureurs échappant aux gros-bras. Une petite pépite de variet’ qui s’apparente quelque peu à ce que pouvait faire un Bourvil :

D’ailleurs, aujourd’hui encore la tradition se perpétue et Bernard Marly porte le titre honorifique « d’accordéoniste du Tour de France ». Il paraît qu’il est Savoyard, une information sans intérêt, tout comme ses chansons… Je vous en mets pourtant une petite, histoire de vous montrer qu’il est bien l’héritier d’Yvette, avec tout de même moins de charme (peut-être parce qu’elle, au moins, c’était il y a 60ans…) :

Par ailleurs, il est cocasse de voir que des groupes de tous les styles se sont attaqués à l’épreuve reine du cyclisme sur route. On a déjà vu que les membres de la formation expérimentale et novatrice qu’est Kraftwerk ont passé le Tour au crible de leur électro minimaliste.

Seulement, ils ne sont pas les seuls. Aussi, No Sports, un groupe de ska en provenance de Stuttgart, offrait-il lui aussi son « Tour de France » sur l’album King Ska (1989). Rythmée et chantée en français, cette piste retrace les expériences du groupe sur les routes du Tour. La fin autocritique fait sourire : « Nous ne parlons guère le « française » / C’est pourquoi cette chanson est la plus mauvaise ».

L’album Tour de France de Kraftwerk fait suite à un single de 1983, lui aussi intitulé « Tour de France », et qui avait été un véritable succès dès sa sortie. J’ai préféré vous parler ci-dessus de l’album hommage de la formation allemande. Cependant, il semble indispensable d’évoquer ce titre génial. Je vous en propose donc une reprise de 2000 que nous propose Uwe Schmidt, le producteur et artiste électro allemand plus connu sous le nom d’Atom Heart, mais qui s’est exilé au Chili en 96, lassé de la scène européenne. Là-bas, sous un nouvel alias, il s’essaie à la musique latino en tant que Señor Coconut, kitchissime sobriquet s’il en est. Son album El Baile Alemàn qui sort en 2000 retient l’attention par ses reprises latino des tubes de Kraftwerk. On y trouve donc une version remaniée à la sauce chilienne du single de 1983. Percussions et chœurs hispanisants sont conviés sur ce titre singulier :

Enfin, plus rock, la formation néerlandaise Alderliefste qui chante régulièrement en français enregistrait elle aussi un « Tour de France » sur son disque Une Belle Histoire / Een Mooi Verhaal (2006). En provenance d’Amsterdam, ils livrent avec ce titre une composition pop-rock plutôt banale mais indispensable à notre playlist :

Si la Grande Boucle elle-même inspire de nombreux musiciens plus ou moins célèbres et de styles très variés, il ne faut pas non plus oublier les coureurs qui, comme tous les grands champions, deviennent parfois muses de testostérone. On pense par exemple au phénoménal « Zidane y va marquer » du célèbre auteur-compositeur-interprète Cauet, ou encore au nouveau clip de Shakira où Rafael Nadal joue la « guest star sexy qui n’hésite pas à y mettre la langue ».

Du coup, on trouve des petites pépites telles que l’ibère ballade folk de Tabacco Bruciatio qui, cinq minutes durant tente de nous envoûter en invoquant Miguel Indurain, le quintuple vainqueur espagnol du Tour dans les années 90. Punto e Basta est le seul album de ce groupe italien méconnu. Du coup, rien de mieux que d’écouter ce voyage en altitude :

Mieux : Sttellla (oui, oui, ça s’écrit comme ça), groupe musical humoristique belge, qui en 1998 sur Il Faut Tourner l’Apache rendait un vibrant hommage à Eddy Merckx. Sur leur site internet, on peut lire : « Pourquoi Sttellla ? Parce que la bière. » Il me semble que rien ne résume mieux l’ambiance de ce titre foutraque et déjanté qui parodie allègrement Kraftwerk :

Dernier exemple, mais pas des moindres, celui du « Panda Jalala » qui anima de nombreuses année la Grande Boucle, de ses sprints puis de ses fabuleuses échappées en moyenne montagne. Double détenteur du maillot à pois, il s’est maintenant reconverti dans le triathlon et le commentaire sportif. Mais, il a toujours un grand fan club. La preuve avec Svahn, ancien accordéoniste de Pigalle reconverti dans la chanson à texte décalée. Ce dernier vénère littéralement le coureur français et lui dédit un vibrant « Mon Jalabert ». A déguster pour éviter toute fringale musicale :

Et puis, pour conclure, je ne résiste pas à vous faire profiter du superbe générique de France Télévisions, interprété par Maidi Roth, qui impressionne tant il n’a rien à voir avec l’épreuve, ni avec le sport, ni avec une quelconque cohérence d’ailleurs. Bref, je vous mets la chanson juste pour « La Beauté du Geste » :

Plus de kilowatts/heure :

• la très bonne BO des Triplettes de Belleville dont est extrait le son d’intro
• le site officiel de Kraftwerk et leur album Tour de France sur deezer et spotify
• Yvette Horner en photo (ça vaut le détour) et sur deezer et spotify (vous êtes pas obligés de cliquer!)
• le site officiel de Marcel Amont et une belle compil’ sur deezer et spotify
• Bernard Marly, tout en beauté, mais aussi sur deezer et spotify
• King Ska de No Sports sur deezer et spotify
• Señor Coconut sur deezer et spotify
• Alderliefste sur deezer et spotify
• Tobacco Bruciatio sur deezer et spotify
• le site officiel de Sttellla, aussi présents sur deezer et spotify
• Svahn sur deezer
• le blog skyrock de Maidi Roth (ce n’est pas une blague) et sa discographie sur deezer et spotify
• le Tour en direct (d’ici quelques jours) sur France Télévisions
• le parcours de l’édition 2010 en 3D
• et puis le site officiel du Tour de France (of course)

Cette rengaine, on a l’impression de l’avoir vécue des dizaines de fois. Nanard n’était pourtant à ses débuts qu’un pauvre vendeur de téléviseurs qui réussit avec sa gouaille naturelle à gravir les échelons à la vitesse du son. En parlant de son, quelles sont les personnes qui parmi vous savent que Bernard Tapie a tenté de percer dans la chanson ? Pas grand monde à mon avis. Et pourtant, Tapie n’a effectivement pas seulement investi son pognon à tire larigot et rongé son frein en cabane.

Au milieu des années 1960, les starlettes du yéyé étaient des dizaines à vendre leur soupe à des midinettes totalement séduites par les jolis minois de ces jeunes premiers. C’est donc sous le nom de Bernard Tapy que notre homme tenta sa chance en sortant quelques chansons sans saveur mais qui prêtent à sourire quand on les écoute à nouveau. En jetant un coup d’oeil rapide à la minuscule discographie de Tapy, on tombe sur de belles casseroles dont le mémorable titre Vite un verre, sorte de Viens boire un petit coup à la maison pour dépressif.

Le futur mania des affaires pleure dans cette chanson toutes les larmes de son corps après s’être fait cocufié dans les règles de l’art. Sauf qu’en ce temps là, le gentil Bernard n’est pas encore le « bad-nanard » peu avare en bourre-pifs (le journaliste Pascal Praud doit encore avoir la trace des paluches de Tapie sur son visage.) Seule solution pour oublier ses déboires sentimentaux: se torcher la gueule. Belle philosophie de vie à une époque où se montrer à la télé en titubant ne dérangeait pas grand monde. Appréciez notamment le jeu d’acteur du bonhomme et les animations démentielles faites de centaines de verres à pied.

Les années 1960 finies, c’est la carrière musicale de Bernard Tapie qui vacillait pour ne semble t-il plus jamais redémarrer. A croire que le micro manquait trop à Bernard qui, pour célébrer son parcours exemplaire de chef d’entreprise, décidait en 1985 de s’associer à Didier Barbelivien pour interpréter Réussir sa vie, sorte de mode d’emploi du parfait entrepreneur.

Chaque décennie ou presque sera marquée par le charisme de crooner de Tapie. Nanard remet en effet le couvert en participant au titre C’est beau la vie sorti en 1998 sur l’album Liaisons dangereuses de Doc Gynéco. Nous sommes en 1998 et Tapie tente de revenir sur le devant de la scène après ses déboires judiciaires. Cet amateur de polémiques en tout genre n’hésite d’ailleurs pas à venir poser son timbre de voix rauque sur une chanson à la gloire des magouilleurs de tout poil. On a des couilles ou on n’en a pas.

Même si les répliques de l’ex-taulard sont courtes et la musicalité de sa voix laisse à désirer, il jongle avec l’ironie et l’auto-dérision comme avec les euros depuis que le Crédit Lyonnais s’est ruiné pour le rembourser. Question mise en scène du morceau, Tapie fait dans le paradoxe en jouant le chauffeur du gynéco le plus célèbre de France, à l’époque encore l’un des grands manitous du collectif Secteur Ä.

La chanson C’est beau la vie est atypique à plusieurs titres: voir un vrai gangster monopoliser le crachoir aux côtés d’une parodie de brigand, c’est bizarre, sûrement un coup de pub mais c’est pas désagréable à l’oreille, la faute à une instrumentale bien fignolée. Nanard aura définitivement été l’incarnation du touche-à-tout par excellence, même le monde de la musique n’y aura pas échapper. En tout cas, vue la situation des deux lascars au cours de ces derniers mois – paraît-il que le Doc étrenne ses dreadlocks dans les Pôles emploi parisiens – , on peut effectivement conclure que « dans le foot, les affaires, le rap, les ministères, c’est toujours le gangster qui contrôle l’affaire… »

Parce qu’il y a quand même une bonne nouvelle dans cette tragédie : Michel va sortir un nouvel album cet été. Même que ça va s’appeler Être une femme 2010.  Tout un programme. Et au menu il y a donc – je vous le donne en mille – une mise à jour de son morceau des années 80 qu’on ne présente plus. Mais la plus grande nouvelle reste que Michel, pour rester hype du haut de ses 63 ans (coucou la réforme des retraites !), a collaboré avec Laurent Wolf. Oui. Heureusement, malgré son hooliganisme informatique, Michel reste fidèle à ses valeurs et a aussi travaillé avec Didier Barbelivien. L’honneur est sauf.
Je pourrais continuer longtemps comme ça mais je préfère vous laisser constater par vous-même : 50 minutes de bonheur où Michel marmonne deux-trois trucs sur le mauvais théâtre, les gros avions et le sexe.

Et comme il faut bien justifier la blague pourrie qui sert de titre à ce billet, replongeons dans le passé pour se délecter d’un des plus grands morceaux du Michel d’avant, le Michel qui avait de vraies valeurs :

Du rap vous voulez, du rap vous aurez, kiddos.

Econstories.tv, un site qu’il est bien, a rendu hype la crise économique, les trappes à liquidités, la relance, l’épargne, et tous leurs petits cousins. Dans cette vidéo incroyablement bien ficelée (les paroles sont impeccables, la mise en scène est démentielle, et l’humour n’a d’égal que la précision économique du propos), John Maynard Keynes l’Américain et Friedrich Hayek l’Autrichien sont invités à un congrès d’économistes au pays où règne la Fed (le pays des Ricains, quoi). Keynes, playboy superstar, flambeur, apôtre de la relance, soignant sa gueule de bois au Cointreau (ou équivalent), s’oppose à Hayek, nerd assumé qui plaide la rigueur derrière ses Ray-Ban Clubmaster. John Papola (producteur et réalisateur) et Russ Roberts (professeur d’économie), les créateurs de cette vidéo, ont fait preuve d’un sens du détail assez impressionnant, de l’exemplaire de The General Theory of Employment, Interest, and Money à l’endroit où on trouve généralement la Holy Bible dans les hôtels américains, jusqu’à l’opposition du Bull (la confiance) et du Bear (la défiance).

Cette vidéo raconte toute l’histoire de la crise actuelle, et surtout, tout le débat sur les différentes façons d’y remédier, d’une façon à la fois ultra-ludique et ultra-précise, qui permet de, attention slogan accrocheur, « réviser ses partiels en s’amusant ». Oh oui.

Vidéo, paroles, et téléchargement légal et gratuit de ce petit chef-d’œuvre : ici.

Pourtant, depuis 2 ans, la part sombre de Mister Luyat se dévoile au grand jour. La présence de la ravissante ex-joueuse de pennis franco-russe Tatiana Golovin à ses côtés pendant les directs y est sans doute pour quelque chose. Ahlala ! ces deux là ! Quelle tendresse, quelle complicité, quels flirts délicieux, quelles oeillades discrètes à chaque intermède publicitaire ! On imagine sans mal les torrents de testostérone qui doivent se déverser dans le corps caverneux du polisson durant sa journée de travail. Une source affirme qu’il changerait de sous-vêtements toutes les deux heures. Nul ne sait pour l’instant si Tatiana a finalement cédé aux avances de ce coquinou de Lolo, mais la donne pourrait bien changer depuis que Laurent Luyat s’est reconverti dans les spotlights électro-décalé.

Avec No Sport, No Stress sorti en Février 2010, Laurent Luyat s’affirme définitivement comme le bad-boy franchouillard du journalisme sportif. Digne héritier de l’immense Thierry Roland – qui apparaît d’ailleurs dans le clip -, il n’hésite pas à se la coller pépère dans une brasserie avec champagne, cigare, choucroute, ménagère variqueuse, cycliste albinos et sylphides pulpeuses. Dénonçant sans vergogne les torts de la société aseptisée actuelle, s’affirmant sans peur ni reproche comme un sujet autonome se sculptant une vie de plaisirs entre bonne chère et tendre chair, Laurent Luyat semble avoir, à l’instar des autres sommités de l’humour en musique que sont Vincent Lagaf’, Jean Roucas, Patrick Sébastien ou Helmut Fritz, bien plus d’un tour de France dans son sac. Chapeau l’artiste, et à très vite sur France Télévisions ou dans le Top 50.

Pour illustrer mon billet, j’ai choisi de m’attarder sur le phénomène du moment – dont les vidéos ont été vues des centaines de millions de fois sur Internet -: le petit canadien de seize ans Justin Bieber qui déchaîne les foules de « jeunes filles en fleur » – dixit Yann Barthes. Analysons tout d’abord ce petit personnage. A vue d’œil entre 1m60 et 1m65, un visage d’ange, une mèche rangée soigneusement à coups de hochements de tête : le gosse a tout pour plaire. Il sait qu’il a un petit brin de voix – sans plus – mais de nos jours, à quoi servent le talent et l’inventivité? A pas grand chose.

Tant est si bien que  Justin commença dès l’âge de quatorze ans à poster des vidéos de ses performances sur le net afin de se faire repérer. Jackpot ! So So Def – boîte de production ayant déjà lancé Lil Bow Wow une dizaine d’années auparavant – saute sur l’occasion et permet à Justin de signer en major chez Island – label d’Usher-. Quel beau conte de fée ! Si jeune et déjà en pleine ascension. Les succès de pré-pubères dont la carrière continua existent : le modèle des Jackson Five laisse ainsi l’espoir d’un avenir doré pour les adolescents en mal de reconnaissance.

Sacrifier son enfance sur l’autel de la notoriété ne peut qu’engendrer certains effets néfastes. Le fait de brûler les planches de manière précoce n’entraîne-t-il pas l’arrêt de mort musical de ces jeunes pousses ? Ces jeunes artistes ne sont-ils pas uniquement des bêtes de foire sur lesquelles des grandes boîtes de productions font leur beurre ? Difficile de le nier.

Les exemples de jeunes chanteurs ayant tenté leur chance dans la musique de façon précoce et qui se sont royalement vautrés par la suite ne manquent pas : Lil Bow Wow - incapable de sortir un album potable depuis qu’il a mué – Lil Romeo – dont la seule chance dans la vie fut d’être le fils du producteur Master P - ou encore les Kriss Kross – dont on se demande s’ils ont réussi à mettre leur pantalon à l’endroit depuis le début des années 1990. Plus proche de nous, Priscilla se morfondait dernièrement dans un nanard télévisé alors que le pauvre Jordy tente par tous les moyens de prouver que c’est un vrai rockeur. Triste sort.

Pourtant – comme nous l’avons vu – Justin Bieber a eu une chance inouïe grâce à l’apport d’Internet, que ses illustres ainés n’ont pas connu au moment de leur courte carrière. Justin est partout, change de pays comme de lotion anti-acné, traîne avec des artistes reconnus – Ludacris vient nous parler de ses premiers émois sur le titre Baby – et repousse les avances de millions de jeunes filles prêtes à tout pour leur idole. Le problème avec Justin, c’est qu’il n’apporte aucune touche d’originalité, ses producteurs employant les lieux communs les plus basiques de la « musique actuelle » pour vendre toujours plus de galettes.

En attendant de voir si le phénomène canadien perdure, réjouissons-nous à l’idée de lendemains meilleurs, où les médias délaisseront le marketing pour promouvoir la vraie musique. Utopie quand tu nous tiens…

Un peu d’histoire

Nous sommes au beau milieu des années 1700. Malgré sa proximité géographique avec la Suède dont elle n’est séparée que par le golfe de Botnie, la Finlande n’est pas un pays scandinave. Au contraire, elle est baignée par l’influence de la grande Russie et de sa culture, sous la souveraineté de laquelle elle se trouve à l’époque. Cela explique pourquoi le Finnois, langue ouralienne, venue des profondeurs de la Taïga russe, diffère tant du Suédois, langue indo-européenne, plus précisément germanique, venue du centre et de l’Ouest de l’Europe.

Essentiellement paysanne, la société Finlandaise vit au rythme des hivers rudes et des printemps tardifs. Lorsque la glace est trop dure et la neige trop épaisse, il faut passer le temps et lutter contre ce froid glacial qui saisit même les plus endurcis. J’imagine assez de placides et musculeux Finnois, assis en rond autour d’un feu crépitant, harassés d’avoir conduit leurs troupeaux de rennes à travers les landes gelées. Je les imagine bien, ces fières et plantureuses Finnoises, engoncées dans leurs tabliers en peau d’élan, trop serrés pour leurs poitrines généreuses, légèrement grisées par l’eau de vie d’airelle, l’œil concupiscent, et le bassin frétillant de la virilité froide et ferme du mâle nordique. Je les imagine, ces longues nuits passées sur des peaux de bête, à tenter de lutter contre le froid. Je m’égare.

Lorsque le printemps arrivait, que la neige retournait à la terre et que le soleil s’élevait enfin bien haut sur l’horizon, je suis sûr que les Finlandais se retrouvaient au centre du village. Ils dansaient tous en rond, bras dessus bras dessous, déchirés à la bière (ou tout autre breuvage que les peuples barbares et sous-éduqués aimaient à distiller lors des interminables soirées d’hiver que j’ai évoqué précédemment).

Pavlov, le sémillant Russe

Dans un de ces petits villages, il y avait Pavlov. Ce jeune et fougueux soldat russe s’était entiché de Marjukka, sémillante trentenaire finnoise, alors qu’il guerroyait contre l’ennemi Suédois. Au lieu de retourner dans les banlieues grises et froides de Saint Petersbourg, il était resté, apprenant tant bien que mal des rudiments de savo, la langue locale. Un soir de printemps, alors que les hommes du village, passablement éméchés, s’étaient vu confisquer les clefs du drakkar par leurs femmes sous prétexte qu’ils voulaient aller casser la gueule à ces salauds de Suédois, Pavlov se mit à chanter une chanson. Une chanson toute bête, avec des paroles que ses camarades ne comprenaient pas. Un air entêtant, quelque chose de joyeux, d’un peu décalé. Ils se mirent à rajouter des paroles, un peu grivoises, par-dessus cet air entraînant. Ca parlait de filles qui dansent, de jeunes guerriers et ça sous-entendait pas mal de trucs un peu graveleux.

Cette chanson dépassa rapidement les frontières du village. Dans les villages alentours, on ne parlait que de cette polka, qui devint rapidement au folklore finno-carélien ce que la danse des canards est aux salles des fêtes franc-comtoises. Un hit, un tube. Une bonne bourrée des familles.

Eivo Kettunen, ce héros

200 ans passèrent, et dans les années 30 cet air enjoué parvint aux oreilles de Eino Kettunen, songwriter finlandais que l’histoire a oublié. Il a cependant le mérite de fixer définitivement les paroles (en Français ici), qui n’ont rien perdu de leur délicieuse grivoiserie. Ca parle d’un jeune homme voulant danser avec Ieva, la plus jolie fille du village. Le bonhomme est bien embêté, car la mère de la donzelle n’apprécie guère l’idée de la chair de sa chair s’abandonnant dans les bras du premier mâle venu. Elle lui oppose un refus catégorique, ce qui n’empêche pas les deux adolescents d’aller, je cite, « s’amuser un brin », « lorsque la lumière est tamisée », en « dansant d’avant en arrière ». Devant un tel art de l’euphémisme, cette chanson fait fureur. Baptisée Ievan Polkka (la Polka d’Ieva, sans déconner) cette chanson continue son petit bonhomme de chemin.

On en trouve la première trace enregistrée dans les années 50. Les bûcherons ont remplacé les paysans mais toute la portée graveleuse et bon-enfant du bouzin reste intacte. Ah, sacrés Finlandais, pas les derniers pour la déconne.

Loituma : le tournant

Vous commencez à voir où je veux en venir. La chanson vivote, on la chante dans les salles des fêtes de Haapajärvi, à la fête de la moisson de Jyväskylä et à la biennale internationale de la rillette de caribou et de la bourrée Carélienne. En 1995, un quintet Finlandais nommé Loituma, spécialisé dans les reprises fleurant le patrimoine enfoui de nos ancêtres reprennent fort logiquement cette Ievan Polkka.

Une jeune fille, un poireau, la recette de la gloire (et du mème)

Cette chanson aurait pu rester cantonnée au folklore, et amuser les mamies finlandaises bien mises et leurs maris imbibés, observant d’un œil torve les jeunes filles de 14 ans, un reste de ragoût d’élan coincé dans les pré-molaires. Mais non, car arriva Internet, et sa cohorte de petits chenapans prêt à s’amuser d’un rien. En 2006, l’un de ces joyeux lurons, membre de 4Chan, tombe sur la version de la polka d’Ieva par Loituma. Après avoir passé toute une nuit à jouer à des Meuporg sans parvenir à sortir cette chanson ingénue, rigolote et entraînante de son crâne, il prend une image du manga Bleach, rajoute la chanson par-dessus, et balance le tout en loop sur son site.

Instantanément, c’est la folie furieuse. Le non-sens absolu de cette japonaise qui fait tourner son poireau, la tension sexuelle sous-jacente, le fond rose, les spirales vertes, cette chanson à l’air absolument brillant, universel et cet air mi-goguenard, mi-défoncé de cette héroïne de manga sont imparables. Les amateurs de WTF et les aficionados du LOL sont ravis. En moins de temps qu’il ne faut pour embedder une vidéo Youtube, la vidéo s’empare de la toile, devenant un des premiers mème de l’Internet.

Concept sociologique développé dans les années 70 (notamment par Dawkins), le mème a trouvé un écho tout particulier dans les nouvelles pratiques du net. C’est une pratique, un comportement, une image, un son qui se répand d’individu en individu, à l’image d’un gène qui se multiplie, à travers un processus d’imitation, de duplication. On voit bien à quel point l’écosystème d’Internet se prête à la propagation de ce genre de phénomène. Les mèmes Internet, c’est une vidéo devenue légendaire qui se multiplie partout (Rickroll), une pratique qui se répand (Lolcats, Demotivational posters…) ou simplement une expression (MER IL ET FOU)…

Dans notre cas, le mème, c’est la vidéo virale. Complètement virale. En 2006 et 2007 elle aura été vue plusieurs dizaines de millions de fois. L’éthologiste Richard Dawkins, insiste sur la dimension d’adaptation, de réinterprétation du message ou de la pratique transmisen quand on parle du mème. Et des adaptations de cette fille, de ce poireau et de cette chanson, vous allez en avoir à toutes les sauces. On y retrouve tous les grands types de reprises et d’adaptations du mème.

Des centaines de versions et d’adaptations

Évidemment, c’est le monde de la musique qui s’est d’abord saisi du phénomène. Deux écoles s’opposent. L’adaptation dans la plus pure tradition du mème, dans un but complètement désintéressé. Ainsi, on pourra noter cette version techno, presque de bon goût (pas tout à fait quand même, hein).

Ou une reprise metal, empruntant tous les codes du genre.

Malheureusement, devant la portée du phénomène, les maisons de disques ont très vite compris que derrière ce poireau se cachait une occasion de vendre des disques. Ce que n’a pas manqué de faire Jamba, une boîte allemande chargée d’abreuver les marchés Européens avec des sonneries de téléphone et des chansons cheap (Crazy Frog, c’est eux. Oui.) avec un hippopotame qui danse sur une chorégraphie de Kamel Ouali :

Les dancefloors ne sont pas en reste, et le David Guetta Suédois, Basshunter (que les utilisateurs de Spotify connaissent bien, pour avoir été abreuvés de sa publicité) en a commis une reprise. Autant dire qu’on se situe ici à une proximité inquiétante des bas-fonds les plus insondables du mauvais goût.

La puissance évocatrice de la chanson n’a pas non plus échappé à l’œil sagace des publicitaires, qui se sont fait fort de la mettre au service de leurs produits. Pour un fournisseur d’énergie hollandais, ou pour du porridge anglais :

De la même manière, le marché des sonneries de téléphone (oui, à l’époque où ça existait encore) s’est largement emparé du phénomène.

Énumérer toutes les versions de la chanson serait évidemment bien trop long et trop douloureux pour un cerveau normalement constitué. Mais si la curiosité vous y invite, vous avez aussi, en vrac, une reprise par Dark Vador (on remarquera que le vice aura été poussé jusqu’à remplacer les spirales vertes par des chasseurs TIE) une version Russe folklorique, la très traditionnelle reprise chiante au piano, la non moins traditionnelle reprise par une chorale (chiante, aussi), une version Chipmunk (oui, Chipmunk) très WTF, une version dont la voix est celle d’un logiciel, voire un montage avec Borat, une autre avec Super Mario. On trouve également des choses d’un goût plus alternatif, comme ce montage, qui fleure bon le racisme mal refoulé. Les figures célèbres, de Staline à Ben Laden en passant par Hitler (LOL) sont aussi de la partie.

Pourquoi cette polka est-elle la plus vieille chanson pop du monde ?

On a bien rigolé. Mais cette accumulation de reprises, d’adaptation, de versions, ainsi que l’âge de la chanson, doit nous questionner. Ne tiendrait-on pas la plus vieille chanson pop du monde ? Évidemment, si l’on considère l’acception du terme pop telle qu’elle a été forgée dans les années 50-60, complètement indissociable du mouvement musical qui porte le même nom, cette affirmation n’a pas lieu d’être.

Mais si on élargit la définition ? D’un côté, on peut considérer que « pop » peut tout simplement renvoyer à populaire, à une idée de culture de masse. D’un autre, on peut raisonner en terme plus qualitatif : est-ce que pop, ça ne voudrait pas dire que ça véhicule une certaine image de la société à un instant T, une image des pratiques, des usages, des habitudes d’un groupe, d’une population ?

Cette chanson est populaire, c’est certain. Pour qu’elle naisse au fin fond des plaines de Russie et qu’elle parvienne jusqu’aux oreilles d’un Finlandais au début des années 30, il fallait que la chanson ait un minimum de retentissement. Depuis 2006, c’est une nouvelle popularité qui lui est donnée, véhiculé par Internet, reprise par tous les vecteurs de la culture populaire contemporaine (TV, Musique, Publicité, Vidéos virales…).

Bien sûr, cette chanson a à nous dire sur le moment où elle a été composée. Mais dans sa propagation et ses réadaptations, c’est aussi une chanson qui reflète bien les usages nouveaux de l’Internet, ces nouvelles pratiques, cette popculture du XXième siècle. Même si elle consiste à regarder des personnages de manga faire tourner des poireaux.

Quand on y réfléchit, si on considère la pop comme courant musical, on trouve des points communs avec cette polka : des paroles qui parlent d’amours contrariés, de sexe et de danse, le tout sur une mélodie qui a pour principal mérite de s’incruster dans votre crâne avec acharnement.

Mais avant tout autre chose, ce qui rend cette chanson pop, c’est surtout le fait que de New York à Tokyo, de New Delhi à Sao Paulo, et de Brive la Gaillarde à Novossibirsk, on s’est bidonné devant un dessin de manga qui fait tourner un poireau sur une chanson traditionnelle finlandaise vieille de presque 300 ans. Si ça, c’est pas pop…

Si vous n’en avez pas eu assez

Vous pouvez aussi écouter de vieilles versions de la chanson, datant des années 50, par deux chanteurs traditionnels Finlandais, sur Spotify (mais si, je vous assure, vous le voulez).
Ici, et là.

Quel exploit a bien pu accomplir notre homme venu de la grande Russie pour se retrouver ainsi sous le feu des projecteurs? A-t-il battu le record de slips enfilés en une minute ou tiré un camion sur 600 mètres à l’aide de sa seule chevelure? Que nenni.

Notre bellâtre soviétique n’est rien d’autre qu’un chanteur ayant réussi – il y a une quarantaine d’années – à reprendre, tout en vocalises, un standard de la chanson russe interprété initialement par Arkady Ostrovsky. Avare de paroles et fier de son organe, il en joue pendant près de trois minutes, poussant l’auditeur à la crise de nerf ou au rire compulsif. Le clip n’arrange rien à l’affaire car le pauvre nous offre un playback mémorable, dont les mouvements de bouche frisent le ridicule. Admirez l’artiste…

Pourtant, si j’ai choisi de vous présenter le titre Fensch Vallée sorti sur l’album Les barbares de Bernard Lavilliers, ce n’est pas tout à fait anodin. Tout d’abord, il est impossible de cacher mon amour pour la Lorraine dont je suis originaire. Cette chanson rend en effet hommage à la vallée de la Fensch, située dans le nord ouest de la Moselle. Comme Lavilliers le décrivait si bien, là-bas il n’y a pas de touristes, le ciel est bizarre, le nom d’une grande partie des patelins se termine en « ange » – Florange par exemple. Somme toute, rien de bien sexy. Mais cette partie de l’ancien « Texas français » que constituait la Lorraine souffre. Si « notre » président ironisait il y a de cela deux ans sur de possibles vacances du côté de Gandrange, l’effort consenti pour sauver ces derniers vestiges de l’épopée industrielle mosellane ne cachera jamais le marasme dans lequel cette région glisse depuis près de trente ans.

A l’époque où ce titre fut chanté sur un air de rumba par Lavilliers, le déclin de la sidérurgie connaissait ses premiers balbutiements mais le stéphanois d’origine se faisait déjà le défenseur des opprimés, comme il a aussi pu le faire pour les travailleurs de Saint-Etienne. Musicalement parlant, notre crooner rebelle arrive tant bien que mal à nous faire nous dandiner malgré la noirceur des propos. Cet amoureux des populations en détresse nous clame ici tout son attachement à la Lorraine et à ses habitants qu’il côtoya brièvement au cours de sa vie.

Quant à la vidéo en elle même, elle est un peu kitsch, en témoigne le fait qu’elle soit diffusée sur la chaîne Melody. Cette méchanceté étant dite, attaquons nous à la mise en scène du show. Bernard est habillé d’un gilet de parfait chippendale dans lequel il gigote des épaules pour dépeindre de très belle manière le quotidien harassant des Lorrains. Pour faire passer le message, il est notamment accompagné d’un joueur de percussions assez remuant et dont le sourire – caché sous une épaisse moustache – est très communicatif.

L’esthétique caractéristique des années 1970 ainsi que celle de Bernard Lavilliers justifie le classement de cet article dans la catégorie « N’importe quoi ». En revanche, on ne peut qu’être admiratif de la justesse des mots employés par le chanteur pour parler de personnes trop souvent considérées comme étant « n’importe qui ».