On ne présente plus les Black Rebel Motorcycle Club, ce trio incontournable du rock’n roll. Après le controversé The effects of 333, les américains étaient attendus au tournant. Que les moins téméraires se rassurent, Beat The Devil’s Tattoo est bien plus conventionnel.

Blouson en cuir, cheveux au vent, nos deux compères reviennent cette fois avec Leah Shapiro a la batterie. Mais si vous savez, c’était la batteuse de tournée des Raveonettes. Bon, je ne m’y connais pas, mais j’ai l’impression que ça n’a pas franchement changé le style de batterie du groupe.

Le ton de l’album semble moins revendicatif que Baby 81. On est toujours dans des chansons très directes, la batterie qui envoie le pâté tout de suite, mais on est moins dans l’urgence. On a plus de chansons d’amour, toutes aussi sombres les unes que les autres (« I don’t wanna feel love again », Evol). Sombre semble en effet s’impose comme LE mot pour décrire l’album. Pour le coup, les Black Rebel sont bien Black comme il faut.

Dans l’ensemble, l’album est très très bon. Je suis tombée littéralement sous le charme de plusieurs chansons, obligée de les écouter en boucle une dizaine de fois. D’ailleurs mon lecteur multimédia m’indique que j’ai écouté toutes les chansons entre 7 et 16 fois. Dans le lot, il y a trois ou quatre chansons que j’ai peu écoutées. Pourquoi ? Parce que je m’y faisait chier. Non pas qu’elles soient mauvaises, bien au contraire, mais il ne s’y passe pas grand chose et on reste au même niveau d’émotion (si je puis dire) tout le long. Alors que sur des chansons comme Aya, on a des montées de je ne sais quoi, du genre « oh putain c’est vraiment trop énorme ce passage ! » à chaque écoute. Explosif.

J’ai dit qu’on avait complètement oublié The Effects Of 333. Ça n’est pas complètement vrai. On sent encore l’amour du groupe pour les « bruits » sales et parasites, l’ambiance post-apocalyptique, qu’on retrouve pendant 5 secondes sur l’intro deMama Taught Me Better. Cela dit, de maniére plus diffuse et plus globale, on a peut-être un son moins propre et moins net que sur Baby 81.

Sur Beat The Devil’s Tattoo, on a une ambiance un peu cowboy, tambourin et chœurs rigolos. On dirait un peu les Raconteurs, on aime ou on aime pas. Fun fact, Peter Hayes ressemblait un peu a Jack White avec ses cheveux longs.

Une voix féminine sur The Toll. C’est peut être la batteuse, on la voit faire des chœurs sur la vidéo de Beat The Devil’s Tattoo. C’est agréable une voix féminine. Un morceau au piano. L’apogée du morceau est apportée par l’entrée des guitares crades, et ça c’est rock’n roll, et c’est beau, et on y croit. Et Peter Hayes qui joue du trombone (pas taper). Mais surtout n’allez pas croire que les brmc se sont ramollis, car il n’en est rien.

Évidemment, on retrouve bien là nos Black Rebel Motorcycle Club adorés, toujours le même style mais cependant, comme à chaque nouvel album ils savent nous surprendre en explorant un registre différent, et c’est surement pour cela qu’on ne s’en lassera jamais.

Écouter

Aya !

Bad Blood

Beat The Devil’s Tattoo

Aller plus loin

• L’album sur Deezer
• L’album sur Spotify
• Des chroniques chez Benjamin et Eddie !

Il reste des places de concert pour Clermont-Ferrand…

Mis à disposition par leur label Matador, il joue son rôle à merveille : nous mettre en appétit. Parce qu’à l’écoute de ces guitares féroces et de ces refrains fédérateurs, il ne nous vient qu’une envie : nous mettre à danser et à chanter, pour que le printemps revienne plus vite. Dont acte.

The New Pornographers – Your Hands (Together) (nouveau) [télécharger]

Dès le 22 mars, plusieurs options et plusieurs tarifs seront disponibles pour télécharger le concert. C’est la deuxième initiative de ce type proposée par la start-up parisienne. Ils avaient déjà retransmis la soirée Warp Pure 20(10) avec Battles, Flying Lotus, Four Tet et Nice Nice.

En espérant que cette opération soit couronnée de succès, on ne peut que vous inviter à profiter de la folie scénique de General Elektriks et soutenir Grandcrew, un site qui fait du bien à la musique sur Internet.

Plus d’infos sur le groupe Facebook et Grandcrew.com

Edit 14h16 : ceux qui ont payé pour regarder la soirée Warp Pure vont recevoir un code pour regarder gratuitement le concert de General Elektriks !

Ödland, The Queen of Hearts. from Lorenzo Papace on Vimeo.

Sur Cold House (2001) (spotify). Photo par wader.
Via l’indispensable Kill Me Sarah.

L’album s’appelle A Sufi And A Killer et est sorti il y a deux jours (le 8 mars). L’envoûtant flow éraillée de Gonjasufi nous y embarque dans une transe cosmique. Sur dix-neuf pistes, l’ancien pompiste pour avions nous convoque dans un reg musical insensé. Cheminement hasardeux, voire hostile à la première écoute, ce CD nous ramène finalement à bon port si l’on accepte de suivre sans broncher le mage du Nevada.

Une ouverture primitive, qui vous plonge directement loin de tout ce que vous êtes habitués à entendre, titille trente secondes durant votre sonotone peu préparé : c’est « (Bharatanatyam) ». Danse de la pluie ou rite sacrificiel animiste ? Les deux mon capitaine (eh oui, Beefheart lui aussi aimait à trouver l’inspiration dans le désert). Gonjasufi entre en scène. Réponse céleste à l’imploration de la piste précédente, « Kobwebz » est un titre fluide et sale, électro d’eaux usées, où jappe l’Homme aux cordes brisées. Sans transition, « Ancestors » développe un beat simple et souillé à la limite de l’arythmie. La voix est moins enrouée, plus posée ; l’univers est déjà autre. A deux minutes le sursaut surprenant d’un synthé renforce la déroute. Le titre se clôt lentement dans les flop-flops d’une flaque ouatée. Et l’on plonge immédiatement dans un nouveau monde musical. Une guitare acoustique prend la relève pour soutenir « Sheep », une ballade folk cette fois-ci (proche d’un Thomas Dybdahl) : voix haute, susurrante, accompagnée d’un chœur cristallin aux allants bollywood. Et puis, au bout de trois minutes, tout se brise. Gonjasufi se joue de nous, irruption de cuivres, guitare latino puis rythmes indiens. La vapeur est renversée. Toujours sur la même piste, il reprend sa voix de ventre encrassée ; un homme s’est emparé du chœur et se lance dans des arabesques hindous jusqu’à bout de souffle, où tout n’est plus que bourdonnement. Balancé, perdu dans les méandres stylistiques de l’aride méditation prolifique du yogiste, le sonotone surchauffe et ne sait plus où donner de l’oreille.

Puis arrive, à mes yeux, l’un des titres phares d’A Sufi And A Killer : « She Gone ». Toujours cette voix inimitable pour notre rappeur qui n’en est pas/plus un. Seulement, là, il la pousse sa voix. Ça déchire, pour lui et pour nous. L’instru est sémillante et balancée, bien que Gonjasufi célèbre ici une extrême douleur, celle de la rupture : « She’s gone / And I don’t ever want to see her again ». Alors il hurle le bougre, aboie, donne des frissons à se brûler ainsi de tristesse les cordes vocales. A la fin, il en pleure presque. Et après un dernier rugissement au monde, à qui que ce soit qui soit là-haut à le faire souffrir, il fait silence. Un nouvel ermitage dans le désert semble s’imposer. Mais il n’en est rien ! Le voilà lancé dans l’excès. « Suzie Q », titre hommage, est un bon vieux rock de garage. Un régal d’expiation. Eh oui, la méditation sert à ça aussi…

Les cosmos multiples et fantasques se déploient de piste en piste. On vogue entre la solitude du désert et les rues de Vegas, entre la sérénité funk de « Candylane » et l’orage pollué de « Love of Reign ». « Klowds » est un petit joyau de blues (en est-ce vraiment ?), un oasis dans le désert de Gonjasufi. Fin glauque néanmoins, avec des toux d’enfants, ponctuées de mots épars et fluctuants. On croit tenir le style de l’artiste. Puis « DedNd » vient contredire toutes nos attentes. Dirty au possible, excellent, jouissif et invraisemblable. Une petite pilule magique de transe mystique : ça siffle, ça claque et ça fait voyager loin.

Et à nouveau : virage à 180 degrés. « I’ve Given », avant-dernier track de l’album commence par une minute de pop paisible et planante. Puis, une cassure se crée, on repart sur un synthé aigu, une gratte et un tambourin dans une country-pop inattendue. Le dernier titre, « Kowboys and Indians », commence par vous brouiller le sonotone ; enchaînement corrosif s’il en est. Piste hypnotique orientale et répétitive où dénote la voix électrique de Gonjasufi. L’album se ferme dans un tonnerre lointain. Et le voilà le style de Gonjasufi : orageux ! Imprévisible, puissant et destructeur. Ce dix-neuf pistes vient du ciel pour nous délivrer un torrent crasseux d’influences où des éclairs de génie laissent gronder la voix éraillée de l’ermite du Nevada.

Ensorcelant, entêtant et atemporel, A Sufi And A Killer est tout aussi inclassable que son auteur. Seulement, peu accessible, l’album risque de ne pas trouver son public, et de rester cloîtré dans la catégorie des perles novatrices cultes mais trop extravagantes pour passer à la postérité. Souhaitons mieux que cela à cette œuvre si éclectique et inspirée.



Et pour prolonger l’extase :

• l’album dans son entièreté sur Grooveshark
• le site officiel de Gonjasufi
• une interview de lui sur Pitchfork (en anglais seulement)
• Warp Records, le label qui a trouvé le phénomène
• et enfin, le « Gonjasufi Player » où l’on retrouve ancien clip, nouveaux clips, sons et interview :

A l’entrée, la queue des préventes s’allongeait ostensiblement plus que celle des spectateurs dépourvus de billet, preuve que ce soir le public était composé en majeure partie de connaisseurs, avides d’assister à la performance du petit génie teuton, résident du Berghain, auteur de nombreux EP remarqués et d’un excellent album en 2008 (désigné meilleur album 2008 par Resident Advisor). Venu nous présenter ses récentes sorties, il ne s’est pas contenté de les aligner à l’intérieur d’un set sans âme : il les a entièrement réinterprétées, improvisant souvent à l’intérieur de celles-ci. Il nous a par ailleurs prouvé qu’un live entièrement numérique pouvait être couronné de succès. Extrêmement concentré tout au long de sa prestation, il a fallu attendre l’ovation finale du public pour qu’il nous gratifie d’un timide sourire, mais la générosité de son live se situait avant tout dans sa musique.

On pourrait à la première écoute la croire froide et austère, mais elle est en fait empreinte d’une sensualité qui appelle à la communion. Celle-ci nous évoque immédiatement l’ambiance inhérente au Berghain, du moins pour ceux qui ont eu la chance de pouvoir en franchir le seuil. Cela n’est guère étonnant quand on sait que les artistes d’Ostgut Ton (le label affilié à Ostgut, mythique club berlinois auquel le Berghain a succédé) se servent du lieu pour y tester leurs derniers morceaux. Ben Klock, Len Faki, Marcel Dettmann, Tama Sumo, Prosumer & Murat Tepeli, Planetary Assault System aka Luke Slater (entre autres), utilisent ainsi l’acoustique de l’endroit, extraordinaire, pour exploiter à leur maximum les ressources de leur musique, particulièrement celles des basses fréquences. On n’a donc guère été surpris de sentir ces incroyables basses, si puissantes, nappées de distorsions, nous traverser le corps tout au long du concert, grâce également, il faut bien le rappeler tant les installations sonores de certains établissements que nous ne nommerons pas laissent actuellement à désirer, au très bon soundsystem du Rex Club. L’influence du dubstep, à travers l’utilisation des basses, mais aussi de la rythmique parfois peu linéaire, est de plus en plus flagrante dans le travail de Shed ; elle est ainsi bien plus présente que sur son album Shedding The Past. Cela annonce un nouvel album probablement grandiose, qui, s’il sortait en 2010, se classerait certainement tout en haut de notre classement electro/techno.

Le mix introductif de Dj Deep, très correct, ne restera pas pour autant comme un souvenir impérissable, tant il est difficile de marquer le public avec un Dj Set lorsque celui-ci se retrouve subjugué par un live par la suite. La soirée s’est achevée au son de Dj Pete (aka Substance), qui, entre dubstep énervé et techno virulente, a su faire chavirer nos cœurs. La performance doit être soulignée, car seul un Dj de son talent et de son expérience était capable de trouver le ton musical adéquat pour succéder au live fracassant de Shed.

Enfin, et ce n’est pas la moindre des choses, l’ambiance au sein du Rex était vraiment bonne, ce qui n’est plus le cas, loin s’en faut, tous les soirs. On pouvait y croiser des danseurs de drum’n bass déchaînés (sur Dj Pete) et classes, des intégristes techno statiques, fermés, mais impressionnants, et de nombreux clubbers plus classiques, très ouverts, le sourire aux lèvres, l’air heureux après une soirée comme on n’en voit plus que très rarement à Paris.

Mais ce n’est pas tout, puisque I AM UN CHIEN !! a eu la riche idée d’utiliser la fameuse chatroulette pour réaliser le clip du morceau. Au cas où vous avez passé les derniers mois dans une grotte tadjike et que vous ne connaissez toujours pas ce site, le principe de chatroulette est de mettre en lien deux utilisateurs du site pris au hasard, avec bien sûr son et image. Le site sert principalement aux exhibitionnistes ou voyeurs ainsi qu’aux ennuyés, mais ici il a été utilisé pour produire une performance live d’un tout nouveau genre. En effet, il y a deux semaines le groupe s’est connecté au site en pleine nuit puis a joué le morceau comme pour un concert mais devant leur webcam, enregistrant les heureux qui ont eu la chance de tomber sur l’étrange spectacle de quatre français en train de remuer comme des forcenés en rythme avec la musique. Le résultat est le clip suivant, un vrai délice :

On veut plus !

• Visiter le myspace de I AM UN CHIEN !!
• Voir une petite interview du duo.
• Visiter le myspace de Stuck in the sound.
• Lire l’anecdote suivante : le nom du groupe I AM UN CHIEN !! provient de Debaser des Pixies, dont les deux parisiens sont de grands fans. Cette chanson a pour thème le film (très) surréaliste Un chien andalou de Luis Buñuel et Salvador Dalí, qui lui-même a inspiré la pochette de Positif, le dernier et excellent album de Mr Oizo.

Et un grand merci à l’ami Siegfried.

C’est une myriade de featuring qui attend l’auditeur tout au long de cette plage en plastique. Et pas des moindres, puisque les noms de Lou Reed, Paul Simonon et Mick Jones (pour leur première collaboration depuis le Clash), Mark E. Smith (The Fall), Snoop Dogg, Mos Def, De La Soul et de Bobby Womack (entres autres) figurent sur la liste des invités. Entouré de la crème du soul, du hip-hop et du rock, l’objectif de Gorillaz est aussi simple qu’il est ambitieux : proposer un disque majeur de cette nouvelle décennie, à un moment où les frontières musicales n’ont jamais été aussi changeantes.

Si cet objectif est quelque part loin d’être atteint, ce Plastic Beach n’en est pas moins un disque essentiel d’un début d’année en demi-teinte. Pourtant, ce qui frappe dès la première écoute, c’est l’absence de single. Pas de Feel Good Inc. De Clint Eastwood, point. Le but n’est pas là. Gorillaz joue désormais à un autre niveau. Les productions sont plus massives, plus imposantes. Les turbines vrombissent, le ton se fait menaçant et les beats assourdissants. Ce Plastic Beach est avant tout une machine de guerre, qui ne fait pas de détail et sacrifie les trouvailles mélodiques et la folie douce à l’efficacité brute. Car à peu d’exceptions près – notamment le prodigieux Rhinestone Eye qui domine d’une tête les autres compositions de l’album – Murdoc et sa bande ne font pas de quartiers : de Gleeter Freeze à Empire Ants en passant par Stylo, ce disque dispense les beats et les hymnes à danser sans parcimonie. Il y a fort à parier que d’innombrables remixes vont se mettre à fleurir dans les prochaines semaines.

Mais si ce disque marque l’avènement du featuring comme processus créatif principal du groupe, il symbolise surtout l’effacement de Damon Albarn. S’il survole l’album, faisant tantôt les chœurs tantôt assistant l’invité sur le refrain, il n’apparaît distinctement présent que sur quatre titres, dont deux mauvais (On Melancholy Hill et Broken). Il est loin le temps où on avait l’impression que le Britannique était le seul maître à bord. L’infâme Murdoc aurait-il définitivement pris le pouvoir ? Ce qui est sûr, c’est que les invités ne déméritent pas : que serait la poignante Cloud Of Unknowing sans la voix sublime de Bobby Womack ? Que serait Empire Ants sans la voix nimbée d’irréel de Yukimi Nagano, chanteuse du groupe suédois Little Dragon ? A quoi ressemblerait la folle Superfast Jellyfish sans la présence du légendaire De La Soul ?

On trouvera à ce disque de nombreux défauts, paradoxalement les mêmes que ceux qu’on a toujours trouvé au groupe : dispersé, hétérogène, un brin fanfaron. Si ces reproches ne sont pas dénués de fondements, Plastic Beach reste une preuve supplémentaire du génie de Damon Albarn, arrangeur brillant, compositeur de génie, sachant s’entourer de ce que la scène musicale passée et présente a fait de mieux. Ce disque laissera pas mal de fans sur le bord du chemin. Car oui Gorillaz a changé : il est plus lisse, plus dansant, moins bariolé, moins bricolo, moins rock’n’roll, paradoxalement plus difficile d’accès.

Snoop Dogg ouvre ce nouvel album de Gorillaz en assénant que la révolution sera télévisée. Il y a quarante ans tout juste, Gil Scott-Heron déclamait l’inverse. Rejeton bâtard d’un monde musical chamboulé, Gorillaz poursuit son bonhomme de chemin, avec ses ornières et ses coups de génie.

Plastic Beach sort aujourd’hui dans tous les bacs !

Écouter

Le clip de Stylo (Bruce Willis inside)

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