Le premier parallèle est le plus évident, puisqu’il s’agit tout simplement de Levels d’Avicii, autre hit dont l’auteur (de son vrai nom Tim Bergling) n’est autre qu’un des co-auteurs du morceau de Flo Rida. Sortis presque simultanément durant l’automne 2011, ces deux morceaux entretiennent donc des liens charnels à la limite de la consanguinité la plus malsaine, mais ça ne les empêche pas d’avoir tous deux un terrible succès commercial (entendez par là qu’ils passent tous deux en boucle sur Fun Radio et aux Planches).

En revanche, dès que l’on quitte l’année 2011 pour approfondir la rétrospective du sample, on tombe en 2008 sur un morceau loin de cet enfer commercial : Threats de Blue Sky Black Death avec la collaboration vocale de Jean Grae et Chen Lo. En apparence ce troisième morceau n’a rien de commun avec les deux précédents, mais en réalité Threats contient divers samples provenant de la même chanson que le « Oho sometimes I get a good feeling » vu précédemment. Et autant dire que le résultat est largement plus appréciable et démontre le talent de ce fantastique duo qu’est Blue Sky Black Death.

En remontant à 2006, retour au sample utilisé par Avicii et Flo Rida, cette fois-ci de manière plus originale et subtile par Pretty Lights pour son morceau Finally Moving. Paru dans son premier album, Taking Up Your Precious Time, le titre est un succès immédiat et reste la piste la plus populaire du disque. Il semblerait qu’il s’agisse véritablement de la première apparition du fameux sample, et que l’idée originale d’exploiter le morceau vienne donc  de Pretty Lights avec ce titre éthéré.

Outre ce sampling en long en large et en travers, la chanson originale a aussi été tout simplement reprise pour la comédie musicale Burlesque avec Cher et Christina Aguilera. J’avoue sans complexe ne pas avoir vu le film et ne pas être un grand fan des deux artistes susnommées, mais je ne peux nier que la ré-interprétation du titre original par Christina Aguilera est assez originale pour être remarquée.

Mais trêve de bavardage, venons-en directement à la chanson qui est à l’origine de tout ceci : Something’s got a hold on me d’Etta James. En 1962, une des plus belles voix du siècle précédent chante pour la première fois ce morceau qui aura la descendance que l’on vient d’évoquer, et qui contribuera largement à la popularité de la chanteuse aux yeux félins et à la chevelure platine. Dès les premières secondes du morceau on retrouve la phrase qui sera tant samplée par la suite jusqu’à tourner en boucle 50 ans plus tard grâce (?) à Avicii et Flo Rida.

Last but not least (et c’est le cas de le dire), rappelons que le plus grand titre d’Etta James reste son magnifique At Last, qui — outre son succès naturel — connut un regain de popularité lorsqu’elle fut interprétée par Beyoncé pour le bal d’inauguration de la Présidence de Barack Obama en 2009 (notons aussi la reprise de Christina Aguilera (encore elle) en 2003, mais sa tentative ressemble davantage à un chant tyrolien raté). Bien que présente au bal et couverte d’éloges à cette occasion, Etta James déclara par la suite que Beyoncé mériterait de « get her ass whipped » (je vous épargne la traduction) et qu’elle était désolée de ne pas avoir été invitée à interpréter elle-même son titre, persuadée qu’elle aurait chanté bien mieux que la jeunette Beyoncé.

Nul doute que le morceau de Flo Rida lui inspire des commentaires peu flatteurs.

Mis à jour le 20 janvier 2012 : Si Etta James avait quelconque avis sur Flo Rida, elle n’a pas eu le temps de l’exprimer publiquement. Âgée de 73 ans, elle est morte aujourd’hui des suites d’une leucémie.

Nous sommes le 23 décembre et les tops musicaux de toutes sortes envahissent la blogosphère. Comme en général je ne suis pas d’accord avec les résultats de ces classements – je ne citerai pas de nom -, j’ai préféré mettre en place ma propre sélection. J’ai donc longuement cogité pour trouver une idée originale qui vous intéresserait, vous ferait rire aux larmes ou vous agacerait. A deux jours de Noël, sortir un simple récapitulatif des musiques de Noël les plus connues aurait été trop simple et rébarbatif. Quoi de mieux que de mélanger le rap – musique bien souvent critiquée pour son image « gangsta » – avec la fête d’anniversaire du petit Jésus ? Pas mal non ?!

En m’inspirant librement du festival de Cannes qui décerne chaque année des palmes d’or aux meilleurs films, j’ai donc voulu créer une cérémonie rendant hommage aux chansons de rap de Noël, plus ou moins bonnes, sorties depuis 30 ans. Sapins et pâtisseries obligent, les prix remis au sein de cet article ne pouvaient s’appeler autrement que les « bûches d’or. » Cette sélection n’a bien évidemment rien d’exhaustive, de nombreux autres titres consacrées à cette fête ayant également été interprétés (vous pouvez les ajouter en commentaires si bon vous semble.) Dernière précision, la numérotation de ce classement n’a rien de qualitative, mais permet simplement de ranger dans l’ordre chronologique les quelques perles de Noël ci-dessous.

Et les lauréats sont :

1. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus ancien : Kurtis Blow – Christmas Rapping

1980. Trente ans déjà que le rap inonde les oreilles de millions de personnes pour notre plus grand bonheur. Pourtant, quand les membres de la famille mondiale du Hip Hop regardent ces images, on prend conscience de tout le chemin parcouru. Kurtis Blow, voilà notre homme, celui par qui le rap prit son véritable envol, un an après le fameux Rappers Delight de Sugar Hill Gang. Le rappeur, véritable dandy qui porte à merveille la chemise « col pelle à tarte », s’est tout d’abord fait connaître en cette même année 1980 pour un tube qui fit danser des millions d’amateurs : The Breaks. Il ne se doutait probablement pas qu’il allait après cela lancer une autre mode : celle de la chanson de rap de Noël. En effet, dans la foulée de son premier titre et sur le même album intitulé sobrement Kurtis Blow, le rappeur sort Christmas Rapping, première pierre officiellement posée à l’édifice des chansons de rap consacrées à Noël. Détail assez cocasse de cet hommage à Noël : Kurtis Blow ne reprend aucun classique du genre – comme le feront une grande partie de ses successeurs -, produisant un titre dans l’air de son temps, empreint de funk et de rythmes enlevés.

2. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus connu : Run DMC – Christmas in Hollis

Difficile de s’attaquer à la critique d’un mythe puisqu’aussi bien Run DMC que sa chanson Christmas In Hollis sont depuis longtemps entrés au panthéon des classiques du rap mondial. En effet, le groupe composé de Rev Run, D.M.C. et Jam Master Jay – assassiné en 2002 – a grandement participé dès le début des années 1980 à la démocratisation du rap auprès du grand public avec des titres d’anthologie comme la reprise de Walk This Way en duo avec Aerosmith en 1986. Le succès aidant, les Run DMC furent d’ailleurs les premiers artistes à signer un contrat avec une marque de sport, en l’occurrence Adidas. Comme tout ce que touchait le groupe se transformait en or, ils n’hésitèrent pas à participer à des actions visant à lever des fonds pour la bonne cause. Voilà d’ailleurs comment naquit le titre Christmas In Hollis en 1987. En effet, cette chanson ne sortit pas sur un album du groupe mais sur une compilation intitulée A Very Special Christmas, dont les bénéfices étaient reversés à l’organisation des « Jeux olympiques spéciaux », qui s’adressent selon Wikipédia – eh oui, je ne suis pas infaillible – aux déficients intellectuels âgés de 8 à 80 ans (croyez-moi, je n’ai rien inventé dans cette phrase.) Christmas In Hollis fut un succès que l’on peut également attribuer à son clip hilarant dans lequel les membres du groupe sont invités dans le village du Père Noël – bizarrement situé dans le Queens à New-York – et y rappent, bien emmitouflés dans leurs joggings Adidas, évidemment.

3. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus gangsta : Eazy-E feat. Menajahtwa, Buckwheat, & Atban Klann – Merry Muthafuckin’ Xmas

Tout ce qui est petit n’est pas uniquement mignon. Ça peut aussi être teigneux. C’était le cas du rappeur Eazy-E, 1m65 à tout casser, mort en 1995 du Sida. Ancien membre du groupe NWA aux côtés de Dr Dre et d’Ice Cube, le rappeur n’avait pas la langue dans sa poche, loin de là. Ses attaques envers ses anciens collègues au moment de la séparation du groupe sont d’ailleurs restées dans les annales. Noël étant une fête réservée aux enfants qui ont été sages tout au long de l’année, Eazy-E n’y avait donc malheureusement pas le droit, ce qui semblait un tantinet l’énerver. J’en prends pour preuve la sortie en 1992 de la chanson Merry Muthafuckin’ Xmas extraite de l’album 5150: Home 4 tha Sick, dans laquelle il enchaîne – aux côtés de trois poulains de son label Ruthless Records – les pires insanités qui soient. Des flatulences, des coups de fouet (à ses rennes ?) et des bruits de mitraillette : tout y est ! Et pour finir en beauté, quoi de mieux qu’un long et appuyé « Biiiiiiiiitch » ?! Le pire dans tout ça, c’est qu’au bout de quelques écoutes, on finirait presque par apprécier cette version comptonnienne de Jingle Bells.

4. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël « qui a le plus de chien » : Snoop Doggy Dogg feat. Nate Dogg, Dat Nigga Daz, Bad Azz and Tray Dee – Santa Claus Goes Straight To The Ghetto

Snoop Doggy Dogg, Nate Dogg et Dat Nigga Daz du groupe The Dogg Pound : ça en fait du chien au m² ! Nous sommes en 1996 et le label west coast, Death Row, a le vent en poupe. C’est simple, tout la fine fleur de L.A. enchaîne les tubes sous la houlette de leur maître à tous, Suge Knight. Comme l’argent n’a pas d’odeur et que plus y’en a mieux c’est, une bonne partie de ces rappeurs gangsta s’est mise au diapason avant le Noël millésime 1996 pour pondre la compil’ Christmas on Death Row, littéralement « Noël dans le couloir de la mort. » Charmant. S’il ne fallait retenir qu’un seul titre de cet opus, c’est bien évidemment Santa Claus Goes Straight To The Ghetto, en référence à leur prédecesseur James Brown qui avait sorti une chanson du même nom quelques décennies auparavant. Arborant une barbe plus que bizarre – avec laquelle il ressemble davantage à un orthodoxe juif qu’à un Père Noël – Snoop Dogg ballade ses potes dans une Cadillac qui survole la cité des anges. Des flows efficaces, la voix chaude d’un Nate Dogg au top de sa forme – ce qui n’est plus vraiment le cas aujourd’hui – et une instrumentale smooth qui reprend un sample d’Isaac Hayes déjà utilisé par Big Daddy Kane. Une autre époque !

5. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus déjanté : Saïan Supa Crew – Y’a-t-il un père pour sauver les rennes ?

Il faut bien avouer que je n’avais jamais entendu parler de ce morceau avant de me mettre à concocter cette petite sélection hivernale. Ce titre est pourtant l’oeuvre du célèbre Saïan Supa Crew qui, un an avant de sortir son premier album KLR en 1999, eut la bonne idée d’impulser de sacrés débats autour de du thème de Noël à travers sa chanson Y’a-t-il un père pour sauver les rennes ? Ainsi, 25 décembre ou non, ça n’empêche pas le Saïan Supa Crew d’utiliser ce prétexte pour aborder un thème qui lui est cher : le racisme. Specta, Vicelow et sa bande avaient raison : pourquoi le père ne pourrait-il pas être noir ou rasé de près ? Heureusement, comme à leur habitude, les membres du Saïan savent traiter de sujets plus ou moins sérieux sans se prendre au sérieux justement. Regardez leur clip pour vous en convaincre si vous ne l’êtes pas déjà après une simple écoute du titre. Comme de grands enfants, ils chahutent au milieu d’un village de jouets pendant qu’un couple de poupées se balade dans une voiture miniature, au risque de se faire choper par la police. Tout ça n’a pas vraiment de sens je sais. Au final, cette chanson enjouée dédiée à une fête aussi solennelle que Noël est fraîche et donne une pêche de malade, nous faisant toujours plus regretter la dissolution du groupe en 2005.

6. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus « conscient » : Tandem, Dad PPDA, Eben & El Tunisiano – Meilleurs Voeux 2

La bûche d’or de la catégorie « rap conscient de Noël » ne pouvait naturellement qu’aller à un titre de rap français, tant ce concept – qui semble avoir disparu de la scène hexagonale actuelle – a marqué les années 1990 et le début du troisième millénaire. Sortis sur la compilation Mission Suicide en 2000, les Meilleurs Voeux de ces cinq rappeurs ne sont pas vraiment conventionnels. Au lieu de souhaiter à leurs familles et à leurs amis de belles fêtes, plein de cadeaux et de la nourriture jusqu’à en vomir, Tandem, Dad PPDA, Eben et Tunisiano font un constat froid et cinglant du malheur qui frappe les malchanceux et les déshérités à cette période de l’année. Car à la lumière d’un sapin, bien au chaud devant des coupes de champagne, on oublie trop souvent que la France n’est pas un paradis pour tous, loin de là. Le résultat de cette prise de conscience du 25 décembre est brut de décoffrage : une instrumentale lourde comme à la belle époque sur laquelle des flows acérés croisent le fer avec ardeur. Pour ne pas totalement dénoter de l’atmosphère de Noël, ils ont tout de même décidé d’insérer à la fin de leurs voeux, un extrait de la version originale de Jingle Bells. Sacré contraste !

7. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus « religieux » : Jim Jones featuring Rell, Mel Matrix & Stack Bundles – If Everyday Was Christmas

Avec Jim Jones – qui tient son nom de scène du célèbre fondateur de la secte du Temple du Peuple -, on est habitué aux flows mollassons, aux instrumentales parfois passables, souvent mauvaises. Heureusement, le rappeur des Diplomats aime aussi Noël. Comme tout le monde vous me direz sauf que Jim a prouvé cet attachement par des collaborations à plusieurs compilations de rap de Noël. En 2006, il posait sa voix nonchalante sur la mixtape Dipset X-Mas avant de récidiver deux ans plus tard avec A Tribute To Bad Santa Starring Mike Epps. Le meilleur titre auquel il ait pu participer est sans aucun doute If Everyday Was Christmas. Même s’il n’est pas très enthousiaste et dynamique – comme à son habitude -, ses carences sont en quelques sortes palliées par les rappeurs efficaces qui l’entourent, ainsi qu’une instrumentale à l’ancienne qui allie grelots, refrain R’n'B de haut vol et chants de chorale. Si les messes de minuits étaient célébrées avec des musiques aussi harmonieuses – en faisant fi des lyrics -, il ne fait aucun doute qu’on m’y verrait plus souvent !

8. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus allemand : Sido – Weinachts Song

Y’a pas que le rap français et américain dans la vie ! Nos amis d’outre-Rhin produisent eux aussi un rap « fait maison », avec des sonorités proches de ce qui se fait aux U.S. mais qualitativement un cran en dessous. A la tête de cette armada de rappeurs Made in Germany se trouve Sido, citoyen berlinois de son état et par la même membre du collectif Aggro Berlin aux côtés de MCs tels que Bushido ou Fler – qui l’ont depuis déserté. A la manière de notre Fuzati national, Sido arbore le plus clair de son temps un masque – de tête de mort dans son cas – et interprète des titres plutôt hardcore. Comme les allemands copient allègrement leurs homologues américains, le rappeur s’est lui aussi mis en 2007 au rap de Noël en reprenant à sa manière le célèbre Jingle Bells. Pour ceux qui ne maîtrisent pas la langue de Goethe, Sido nous décrit dans cette chanson ses projets de « Weihnachtsmann » totalement dépravé. Car Sido – dont les initiales signifieraient « Scheisse In Dein Ohr », littéralement « Merde dans ton oreille » – n’est pas un papa Noël comme les autres. Non lui c’est un méchant. Ou plutôt un déviant. Attendez, vous en voyez souvent vous des Pères Noël totalement bourrés qui sodomisent une reproduction d’éléphant à l’échelle 1/6ème ? Si vous voulez que vos enfants continuent à croire au mythe de l’homme en rouge, éloignez-les de cette vidéo !

9. Vainqueur de la bûche d’or du plus mauvais goût : Juelz Santana feat. Starr – Jingle Bellz

Contrairement à son compère Jim Jones des Diplomats, la fête de Noël ne va pas très bien à Juelz Santana. Avec cette reprise de Jingle Bells sortie en 2008 sur la compilation A Tribute to Bad Santa Starring Mike Epps, le rappeur touche le fond et creuse presque la tombe de sa carrière artistique dans le domaine du « rap de Noël. » Comment faire pire, je vous le donne en mille ? Reprendre un classique – déjà saoulant – en ralentissant son tempo, puis y ajouter une tripotée de voix R’n'B quelconques et un flow totalement déconnecté de l’instrumentale : j’en aurais presque des sueurs. En plus de ça, Juelz Santana nous « gâte » avec un clip tellement kitch avec sa Bentley surmontée d’un flot, un faux arrière plan et une fille pas très jolie qui se trémousse dans une combinaison en cuir qui ne procure qu’une seule envie : la fouetter. Après avoir vu et écouté ce clip, difficile de ne pas avoir les yeux qui piquent et des acouphènes aux oreilles. En tout cas, si Juelz Santana n’a plus de cadeau déposé sous son sapin depuis 2008, il ne peux s’en prendre qu’à lui-même !

10. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus récent : Kanye West feat. Cam’ron, Vado, Jim Jones, CyHi Da Prynce, Pusha T, Big Sean – Christmas in Harlem

2010 aura été selon certains l’année du grand retour de Kanye West grâce à la sortie de son album My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Pour tout vous dire, cet opus m’a laissé de marbre, certains Good Fridays m’ayant bien plus intéressé. Ah oui, pour ceux qui ne le savaient pas, le Don Louis Vuitton s’est amusé à sortir chaque vendredi – d’ou le nom Good Fridays, vous me suivez – des titres plus ou moins inédits pour alimenter le buzz autour de sa personne, et ceci jusqu’à la parution de l’album. Possible résurgence de cette tradition, Kanye West nous a livré un genre de Good Wednesday en lien avec Noël la semaine dernière. Ne faisant pas les choses à moitié, le rappeur a donc invité six rappeurs en featuring pour interpréter Christmas In Harlem. D’ailleurs, parmi ces invités de marque – issus du quartier de Harlem comme vous l’aurez compris -, on retrouve à nouveau Jim Jones, qui à cette allure va véritablement se spécialiser dans le rap de Noël. Le titre s’avère très plaisant avec cette instrumentale parsemée de boucles de piano sur laquelle viennent s’égosiller rappeurs et choristes dans une atmosphère chaleureuse. Au fait, j’espère que vous aurez remarqué la ressemblance physique frappante entre Kanye West, auteur du titre de rap de Noël le plus récent, avec Kurtis Blow, le précurseur en la matière. Est-ce une coïncidence ? Je ne crois pas…

A découvrir aussi :

• The Treacherous Three & Doug E. Fresh – Santa’s Rap
• Juice Crew All Stars – Cold Chillin’ Christmas
• Run DMC – Christmas Is
• Master P & C. Murder – Christmas In The Ghetto
• Puff Daddy feat. Run DMC, Snoop Dogg, Mase, Salt-n-Pepa, Onyx & Keith Murray – Santa Baby (remix)
• De La Soul – Millie Pulled A Pistol On Santa
• Kery James feat. Namor & G-Kill – Meilleurs Voeux
• Ludacris – Ludacrismas
• Lil Wayne feat. T. Pain, Drake & Nicki Minaj – This Is My Merry Christsmas Song (remix)
• Snoop Dogg – My Little Mama on Xmas
• Dirty Dahn - The Christmas Song

(Remerciements à Manolo Woods dont l’aide me fut précieuse pour retrouver certaines de ces pépites)

Éric Bachmann c’est tout à fait ça. Un homme seul, agenouillé et tremblant l’humilité. Un homme seul qui porte un affectif si envahissant qu’un jeu de guitare, même dépouillé, suffit à transcender. C’est peut-être la magie du folk. C’est surement le talent de Bachmann.

Man O’War extrait de l’album To the Races (2006), en écoute sur Grooveshark…

En ces premiers jours ensoleillés de mai, le mélomane renaît. Il a traîné l’hiver durant de jolis petits tubes, tous plus alléchants les uns que les autres ; il a découvert, cloîtré chez lui, de nouvelles petites perles. Mais quand les rayons du soleil viennent à nouveau lécher son teint blafard et darder son moral de chaleureuse réjouissance, il ouvre les fenêtres et ressort un temps les vieux tubes dansants. Le mélomane de mai, béat, fait alors sien les dires de Souchon, et voilà qu’il y a de « la rumba dans l’air ». Kinavana de Kekele s’avère alors l’album indispensable à une remise en forme printanière.

Ce quintet congolais d’ex-stars de la Rumba Conga s’est formé en 2001 pour faire renaître le style musical phare du Kinshasa des années 60-70, à l’heure où le Congo devenait pour la première fois une république. A l’origine, la Nkoumba est une danse ancestrale d’Afrique centrale qui se danse nombril contre nombril. Il y a cinq siècles, quand les esclaves noirs débarquèrent à Cuba, les colons espagnols en enlevèrent toute l’africanité et se l’approprièrent pour en faire ce que nous connaissons aujourd’hui sous le nom de ‘rumba’. Seulement, avec la vague d’indépendance du milieu du siècle dernier, les musiciens congolais voulurent se réapproprier un tel folklore, tout en acceptant, bien entendu, d’en garder la substance désormais latine. C’est dans ce contexte que naquirent la rumba congolaise et de très grands artistes tels que Franco Luambo, Wendo Kolosoy (et son célèbre Marie-Louise de 1952), Tabou Ley Rochereau, ou les TP OK Jazz.

Les deux chanteurs de Kekele, Bumba Massa et Loko Massengo, eurent eux aussi un succès certain dans les années 1960. Le guitariste Papa Noël jouait, de son côté, pour le grand Franco Luambo, tandis que les deux autres membres du groupe firent, eux, partie de « Quatre Etoiles », célèbre groupe congolais des années 80. Ils ont décidé de s’allier, il y a neuf ans déjà, pour redonner vie à la traditionnelle Rumba Conga, trop vite oubliée à leur yeux et depuis remplacée par le n’dombolo ou le soukouss. Pour ce faire, ils ont choisi de s’appeler ‘Kekele‘ qui est le nom lingala d’une liane servant à fabriquer des ponts. Et des ponts, ils en font : entre Cuba et le Congo-Kinshasa, entre les rythmes africains et latins, entre les 60′s et ce début de 21^ème siècle. Musique sans frontière, ni temporelle, ni géographique (ils voguent entre Paris et leur pays natal), la rumba liante de Kekele est une pépite de chaleur dansante, de soleil et de cordes pincées.

L’album que je vous invite à découvrir est sorti en 2006 et porte le nom évocateur de Kinavana, subtile contraction de Kinshasa et La Havana. Après Rumba Congo (2001) et Congo Life (2003), les membres de Kekele ont tenté, avec ce douze titres, de revenir aux racines profondes de la musique qu’ils jouaient jeunes, d’en tirer le suc hybride et transatlantique. Pour cela, Kekele se refuse à utiliser quelque synthétiseur que ce soit. Chantres de l’acoustique, ils nous offrent une musique qui se danse autant qu’elle s’écoute.

Kinavana s’ouvre sur quelques pincements de cordes subtils et harmonieux. Puis démarre la voix profonde et ensoleillée de Bumba Massa que les chœurs, toujours en lingala, reprennent avec une ferveur contagieuse. Dès les premières mesures de « Mace », voilà déjà la tête du mélomane qui tangue et son esprit qui, dans les méandres du fleuve Congo, s’évade. La première piste se clôt sur un joyeux grognement : celui, jouissif, de se replonger dans un temps bienheureux, de retrouver les rythmes d’antan.

Arrivent ensuite ceux plus incisifs de « Tapale », où la voix presque éraillée de Loko Massengo donne une dimension plus percutante et amicale à l’univers des Congolais. Le titre se clôt sur trois coups brefs et cuivrés. Puis « Ponton La Belle », plus entêtant, plus abouti, mais toujours aussi empli de soleil nous offre un refrain qui pousse encore plus au déhanchement. Entre les cuivres chantants de « Fungola Motema », la touche féminine de « Yo Odeconer » et la simplicité si efficace de « Yoka Biso », Kinavana s’avère être un album aux univers et rythmes variés, aussi joyeux que dansant, mais de qualité toujours très homogène. Alors, montez le son, ouvrez les fenêtres et branchez votre sonotone sur mode ‘rumba’.

Pour poursuivre le déhanché :

• Kinavana sur deezer
• le myspace de Kekele
• une interview de Kekele par RFI

Le destin de cette chanteuse inconnue et de ses chansons se compte parmi les belles histoires de la musique contemporaine. Dans les années 1970, Sibylle Baier est une jeune -et splendide- comédienne allemande. Malgré une apparition éclair dans « Alice dans les villes », un des premiers Wim Wenders, elle ne fera pas carrière dans le cinéma. Actrice de jour, l’angélique Sibylle est chanteuse la nuit. Mais plutôt du genre discrète. En tête à tête avec une guitare, elle compose des morceaux vaporeux à ses heures perdues. Ainsi, entre 1970 et 1973 elle écrit en anglais les 14 chansons de son seul album qui paraîtra en…2006 ! Après avoir enregistré sur un magnétophone rudimentaire, Sibylle Baier emporte ses précieuses bandes lorsqu’elle part s’installer aux Etats-Unis. Elle délaisse peu à peu ses habits de hippie pour devenir femme au foyer. Quant aux enregistrements, ils sont oubliés au fond d’un coffre du grenier. Elle jouait pour elle et n’avait pas l’ambition de faire connaître ses chansons qu’elle a qualifiées plus tard de « totalement honnêtes, pures, sans intention, sans calcul ». Qui pouvait se douter qu’elle était une artiste d’un rare talent ?

C’est son fils qui tombe par hasard sur les bandes en 2004, les met sur un disque et les offre à sa mère. Le trésor est déterré. Ses morceaux refont surface plus de trente ans après leur enregistrement original et circulent si bien que J. Mascis (guitariste et chanteur de Dinosaur Jr , groupe de grunge expérimental des années 1980) décide de créer le label Orangetwin pour faire sortir de l’ombre ce joyau de Folk.

Tous les titres de cet album sont des enregistrements originaux, ce qui explique le côté rustique du son mais donne aussi au disque cette atmosphère extraordinairement intime. On est face à du diamant brut. À des chansons d’une simplicité et d’une force toute particulière. Une poésie du quotidien, et de tous ces détails de la vie qui disent tant. Baier est surprenante, parce que derrière ces chansons si douces, c’est une mélancolie profonde qui surgit et vous retient par le bras. Quelques accords, des mots simples et une voix paisible. Il y a quelque chose qui rappelle étrangement l’univers des premiers albums de Leonard Cohen. À l’écoute de « Colour Green », particulièrement sur « Tonight » ou « I lost something in the Hills », on a l’impression d’enfiler une sorte de « Famous Blue Raincoat » cintré à la taille.

Sans aucun doute, Sibylle Baier a sa place aux côtés de grandes figures de la Folk telles que Joan Baez, Karen Dalton ou Judy Collins. Elle est aujourd’hui âgée d’une soixantaine d’années et a repris du service en 2008 en écrivant un morceau, « Let Us Know », pour le film « Palermo Shooting » réalisé par son ami Wim Wenders . L’enthousiasme qui a accompagné la sortie de « Colour Green » fait courir la rumeur qu’elle pourrait enregistrer un nouvel album. Espérons ne pas avoir trente ans devant nous.

Pour aller plus loin

Le Myspace de Sybille Baier où vous trouverez notamment Tonight en écoute.

Thomas Loupias

Si vous êtes un lecteur consciencieux ou si vous branchez votre sonotone sur les bonnes ondes, vous aurez sans doute déjà écouté l’émission de la radio des étudiants de Sciences Po sur notre glorieux webzine. Sinon, c’est mal. Quoiqu’il en soit, c’est l’occasion ou jamais pour inopinément réunir un ensemble incongru de morceaux et créer ainsi la présente playlist, qui aura pour thème fédérateur – vous l’aurez compris – la radio. Je ne vais pas vous faire un discours d’ancien combattant sur les antiques postes de radio qui diffusaient le bon vieux rock d’antan, tout simplement parce que j’étais à peine né et parce que les webradios c’est quand même assez cool aussi.

Néanmoins, le premier titre de cette playlist est entièrement orienté vers ces fameuses radios du siècle dernier sans qui le paysage musical actuel serait bien différent. Pour faire sobre, ce titre est l’introduction à la session live de Jimi Hendrix chez John Peel, quand celui-ci était le disc-jockey de la nouvelle-née BBC 1 (ou Radio One). Faire les louanges de John Peel me prendrait la nuit entière, je vous oriente donc lâchement vers sa page wikipédia, très bien documentée et tout à fait complète. Petite note : Radio One fut crée en 1967 pour incarner la réponse du gouvernement britannique aux radio pirates qui sévissaient à l’époque, dont la fameuse Radio Caroline qui a inspiré l’excellent Good Morning England. Alors oui, ce titre introductif de Jimi Hendrix fleure bon cette époque, comme quoi une minute et 17 secondes de musique valent mieux qu’un long discours.

Restons dans l’ambiance oldie et allons même plus loin en arrière avec ce deuxième titre, Heartbreak Radio du grand Roy Orbison. Quoique ce morceau n’est pas si loin de nous, puisque ce fut la dernière composition du pionnier du rock, parue en 1992 à titre posthume. Les foules en délire me diront qu’on est loin d’un Pretty Woman, mais cette piste dégage une certaine énergie qui est loin de me laisser indifférent. Ecouter la puissante voix de Roy Orbison diffusée sur les ondes radio devait être une expérience particulière.

Trêve de louanges sur nos bien-aimés postes radiophoniques, faisons plutôt un petit retour en arrière pour s’attaquer à un monument musical, au saint-des-saints : Radio Ga Ga, de Queen. Tant a déjà été dit sur ce disque, mais impossible de l’éviter lorsqu’on fait une playlist ayant la radio pour thème. Rappelons simplement la critique adressée aux grandes stations de l’époque qui diffusaient les mêmes morceaux en boucle, d’où le « Ga Ga » qui était à l’origine un « Ca Ca » mais qui a été modifié pour des raisons que nous francophones comprenons aisément. Pour rester dans la finesse, sachez enfin que c’est à partir de ce chef d’oeuvre que l’infâme Stefani Germanotta a bâti sa toute-puissance médiatique, en prenant le nom de Lady Gaga.

Pour rester à peu près à la même époque tout en changeant radicalement de style, la quatrième piste est Radioaktivität de l’électronique mais néanmoins antique et mythique Kraftwerk. J’annonce d’emblée que j’ai en effet triché car la radioactivité n’a pas grand chose à voir avec notre bon vieux poste radiophonique, mais je ne perds jamais une occasion de parler de ce titre.   »Tchernobyl, Harrisburg, Sellafield, Hiroshima » : ce macabre refrain vous restera en tête aussi longtemps que la simple mélodie à dix notes qui l’accompagne, et à défaut de vous faire changer d’avis sur l’énergie nucléaire, il débouchera agréablement vos conduits auditifs (et tant pis s’il reste un peu d’uranium dans les coins).

Changeons désormais de siècle mais en restant dans l’électronique avec Radio#1 de Air, qui porte parfaitement bien son nom. Cette piste est sans nul doute une de mes préférées du duo, elle est extraite de leur excellent album 10,000 Hz Legend dont je ne saurais que trop vous conseiller l’écoute. Avec ses voix fantomatiques coincées entre deux lourdes et puissantes percussions, ce morceau touche particulièrement au milieu des autres compositions de l’album qui excellent presque autant.

Toujours plus loin dans le temps mais dans la droite ligne de la piste précédente vient la sixième piste : Radio ladio de Metronomy. Comme on a déjà pu l’évoquer auparavant, ces britanniques sont passés maîtres dans l’art du remix, mais ils ont aussi fait du travail de qualité avec leurs compositions originales, regroupées dans l’impeccable Nights out. Comme avec Kraftwerk, prenez garde à son entêtant refrain mais sentez avec plaisir vos tympans se délecter.

Passons joyeusement du coq à l’âne avec la septième et dernière piste de cette playlist, On the radio de Regina Spektor. Extrait de son remarquable album Begin to Hope sorti en 2006 (et précédant son dernier album chroniqué sur BTS), ce titre surprend par sa variété, le bel organe de la chanteuse laisse voir son plein potentiel et on redemande volontiers.

Hein ? Quoi ? Une piste bonus ? J’aurais en effet pu continuer sur cette lancée pendant bien longtemps, mais toutes les bonnes choses ont une fin, et je préfère vous laisser avec une dernière chanson qui montre bien que ce mot qui nous suit depuis le début de la playlist n’a pas été employé qu’à bon usage.

Torture auditive mise à part, je suis sûr d’avoir oublié une tonne de morceaux d’excellence qui auraient mérité de figurer sur cette page, donc n’hésitez pas à partager votre avis sur la question. Et ne me parlez pas de Video killed the radio star, je vous ai épargné la reprise de la Star Academy 2. Oups.

On veut plus !

De nouveaux titres proposés par d’autres férus de radio :

• I can’t live without my radio de LL Cool J, proposé par Byghosta.
• Radio/Video de System of a down, proposé par Chatterton.
• Radio Friendly Unit Shifter de Nirvana, proposé par Florian.
• Radio Radio d’Elvis Costello avec The Attractions, proposé par Mutapop (comme les 5 suivants).
• Radio Ethiopa de Patti Smith.
• Radio America des Libertines .
• Something wrong with my radio des Stray Cats
• Radio Station de Run-DMC.
• Radioactive du Wu-Tang Clan.
• Radio Head des Talking Heads, proposé par Pomme de Pin.
• Another Radio Song par Okkervil River, toujours suggéré par Pomme de Pin.
• This is Radio Clash par The Clash, proposé par Martin.
• Radio par Rancid, aussi suggéré par Martin.
• Guerilla Radio par Rage against the machine, proposé par Elmera.
• Radio Song par R.E.M., proposé par Nao.

Un poète et trois musiciens, deux Sud-Africains et deux Mozambicains, Tumi and The Volume : voilà la rythmique magique qui anime ce jeune groupe au funky hip-hop inclassable. Les ayant croisés il y a deux ans, sur scène et par surprise, je me suis fait un plaisir, au nom de BTS, d’aller les découvrir un peu plus. Tiago, le guitariste, et David, le bassiste, ont en duo répondu à nos interrogations. (English version downloadable here)

Avant tout, pourriez-vous me décrire la façon dont vous vous êtes rencontrés à Johannesburg et avez décidé de créer TATV ?

Tiago : Il y a de nombreuses années à Melville (un quartier de Joburg), au Bassline, un lieu populaire de la scène musicale, quelques jeunes mecs ont commencé à organiser des bœufs le dimanche soir. Ces sessions devinrent vite très attendues par le public averti de Johannesburg. Le format était simple : différents musiciens improvisant ensemble sur scène ou de nouveaux groupes montrant leurs nouvelles compositions. Un dimanche soir, les musiciens du Volume se retrouvèrent à créer un univers sonore aux textes d’un poète qui n’était autre que Tumi. Cela n’était censé se faire qu’une fois mais après avoir été tous ensemble sur scène à expérimenter cette sorte de live hip-hop face aux gens, nous savions que nous devions essayer de continuer à le faire encore et encore. Et c’est ce que nous avons fait.

« Afrique » est l’une de mes chansons préférées de l’album. Pourriez-vous nous expliquer comment vous l’avez créée et le sens qu’elle a pour vous ?

Tiago : « Afrique » a été une expérience unique pour nous. C’est Tumi qui l’a créée avec un véritable producteur de hip-hop et, plus tard, le Volume l’a adaptée pour la scène en la rendant plus dynamique. D’un point de vue des paroles, je crois que cette chanson montre au monde occidental que l’Afrique n’est pas un pays, mais un continent. C’est en outre une opportunité pour Tumi d’exercer ces acrobaties verbales.

Dave : Ouais, en fait, Tumi voulait voir s’il était capable de faire tenir tous les pays africains dans un seul vers. J’étais persuadé qu’il n’y arriverait jamais, mais il réussit à le faire à chaque concert !

Comment décririez-vous votre musique ?

Dave : Moi, je dirais un mélange de sons. Il nous est à chaque fois difficile de nous ranger dans un style musical. D’autant que je crois que notre musique reflète chacune de nos individualités et nos influences musicales du moment. Elle est presque vivante, constamment changeante et s’adaptant.

D’un point de vue beaucoup plus large, quels sont vos espoirs et vos peurs pour l’avenir de l’Afrique du Sud ?

Dave : Je préfère ne pas me focaliser sur les peurs qui habitent l’Afrique du Sud. Je crois que c’est déjà assez amplifié comme ça dans les mentalités. Il est certain que l’Afrique du Sud a de vrais problèmes mais je crois surtout que c’est l’un des endroits les plus intéressants où se trouver en ce moment. Il y a tellement de positivité qui y bouillonne.

Tiago : Personnellement, mes espoirs sont, avant tout, que les gens aient un meilleur accès à l’éducation ; qu’ils comprennent que l’argent facile est loin d’être la solution ; que les gens démunis aient un meilleur accès au soins et aux médicaments ; que la police arrête de contribuer elle-même aux crimes (cela passe, je crois, par une augmentation des salaires). Il y a tellement de choses qui ne vont pas en Afrique du Sud en ce moment, et une majorité d’entre elles proviennent directement de la mauvaise gestion actuelle du pays. Par extension, mes peurs sont que tout ce que je viens d’évoquer précédemment ne s’améliore pas, voire empire. J’ai peur aussi que de mauvais dirigeants restent au pouvoir et que le taux de crime ne fasse que s’aggraver. Et puis la question du vide psychologique post-Coupe du Monde risque de bientôt se poser…

Revenons à votre actualité. Est-ce que vous préparez un nouvel album ou vous concentrez-vous simplement sur votre tournée ?

Tiago : On vient juste de terminer notre nouvel album. Il s’appelle Pick A Dream et sortira en France le 12 avril prochain. Nous préparons aussi une tournée pour le présenter.

Que préférez-vous : les concerts ou le processus de création ?

Dave : Nous avons toujours été un groupe de scène. C’est là que nous avons commencé. En plus, j’ai toujours adoré être en tournée et enchaîner les concerts les uns après les autres. En tant que musicien, c’est sur la route que l’on grandit et mûrit.

Tiago : A mes yeux, c’est bien de trouver le juste milieu entre les deux. Faire trop de tournées peut tuer un groupe, et trop de studio peut paralyser les musiciens. C’est bien de passer du temps en studio à façonner quelque chose et après de partir sur les routes. C’est aussi primordial d’être conscient du moment opportun pour retourner en studio, ou simplement faire une pause. Je pense que chacune de ces deux vies influence l’autre.

Et quel sont vos albums préférés du moment ?

Tiago : 2.0 des XX pour sa simplicité, Abbey Road des Beatles parce que ce studio mythique est malheureusement en train d’être vendu aux enchères. J’écoute aussi beaucoup Ready To Die de Notorious B.I.G pour sa réalisation impeccable et Fall Be Kind d’Animal Collective pour la simple raison qu’ils sont à mes yeux les plus proches en ce début de millénaire d’un Tchaïkovski.

Dave : Pour moi, sans aucun doute, Home is where the music is de Hugh Masekela.

Pour finir, pourriez-vous dire nous dire quelque chose de stupide que l’on retiendra contre vous quand vous serez des stars ?

Tiago : Nous ne deviendrons jamais des stars !

(English version downloadable here)

Garder le cap :

• le myspace de TATV
• leur album éponyme sur Grooveshark
• un extrait de Pick A Dream, leur nouvel album
• vous pourrez aussi les retrouver dès la semaine prochaine au Printemps de Bourges et fin juin aux Solidays.

Un peu d’histoire

Nous sommes au beau milieu des années 1700. Malgré sa proximité géographique avec la Suède dont elle n’est séparée que par le golfe de Botnie, la Finlande n’est pas un pays scandinave. Au contraire, elle est baignée par l’influence de la grande Russie et de sa culture, sous la souveraineté de laquelle elle se trouve à l’époque. Cela explique pourquoi le Finnois, langue ouralienne, venue des profondeurs de la Taïga russe, diffère tant du Suédois, langue indo-européenne, plus précisément germanique, venue du centre et de l’Ouest de l’Europe.

Essentiellement paysanne, la société Finlandaise vit au rythme des hivers rudes et des printemps tardifs. Lorsque la glace est trop dure et la neige trop épaisse, il faut passer le temps et lutter contre ce froid glacial qui saisit même les plus endurcis. J’imagine assez de placides et musculeux Finnois, assis en rond autour d’un feu crépitant, harassés d’avoir conduit leurs troupeaux de rennes à travers les landes gelées. Je les imagine bien, ces fières et plantureuses Finnoises, engoncées dans leurs tabliers en peau d’élan, trop serrés pour leurs poitrines généreuses, légèrement grisées par l’eau de vie d’airelle, l’œil concupiscent, et le bassin frétillant de la virilité froide et ferme du mâle nordique. Je les imagine, ces longues nuits passées sur des peaux de bête, à tenter de lutter contre le froid. Je m’égare.

Lorsque le printemps arrivait, que la neige retournait à la terre et que le soleil s’élevait enfin bien haut sur l’horizon, je suis sûr que les Finlandais se retrouvaient au centre du village. Ils dansaient tous en rond, bras dessus bras dessous, déchirés à la bière (ou tout autre breuvage que les peuples barbares et sous-éduqués aimaient à distiller lors des interminables soirées d’hiver que j’ai évoqué précédemment).

Pavlov, le sémillant Russe

Dans un de ces petits villages, il y avait Pavlov. Ce jeune et fougueux soldat russe s’était entiché de Marjukka, sémillante trentenaire finnoise, alors qu’il guerroyait contre l’ennemi Suédois. Au lieu de retourner dans les banlieues grises et froides de Saint Petersbourg, il était resté, apprenant tant bien que mal des rudiments de savo, la langue locale. Un soir de printemps, alors que les hommes du village, passablement éméchés, s’étaient vu confisquer les clefs du drakkar par leurs femmes sous prétexte qu’ils voulaient aller casser la gueule à ces salauds de Suédois, Pavlov se mit à chanter une chanson. Une chanson toute bête, avec des paroles que ses camarades ne comprenaient pas. Un air entêtant, quelque chose de joyeux, d’un peu décalé. Ils se mirent à rajouter des paroles, un peu grivoises, par-dessus cet air entraînant. Ca parlait de filles qui dansent, de jeunes guerriers et ça sous-entendait pas mal de trucs un peu graveleux.

Cette chanson dépassa rapidement les frontières du village. Dans les villages alentours, on ne parlait que de cette polka, qui devint rapidement au folklore finno-carélien ce que la danse des canards est aux salles des fêtes franc-comtoises. Un hit, un tube. Une bonne bourrée des familles.

Eivo Kettunen, ce héros

200 ans passèrent, et dans les années 30 cet air enjoué parvint aux oreilles de Eino Kettunen, songwriter finlandais que l’histoire a oublié. Il a cependant le mérite de fixer définitivement les paroles (en Français ici), qui n’ont rien perdu de leur délicieuse grivoiserie. Ca parle d’un jeune homme voulant danser avec Ieva, la plus jolie fille du village. Le bonhomme est bien embêté, car la mère de la donzelle n’apprécie guère l’idée de la chair de sa chair s’abandonnant dans les bras du premier mâle venu. Elle lui oppose un refus catégorique, ce qui n’empêche pas les deux adolescents d’aller, je cite, « s’amuser un brin », « lorsque la lumière est tamisée », en « dansant d’avant en arrière ». Devant un tel art de l’euphémisme, cette chanson fait fureur. Baptisée Ievan Polkka (la Polka d’Ieva, sans déconner) cette chanson continue son petit bonhomme de chemin.

On en trouve la première trace enregistrée dans les années 50. Les bûcherons ont remplacé les paysans mais toute la portée graveleuse et bon-enfant du bouzin reste intacte. Ah, sacrés Finlandais, pas les derniers pour la déconne.

Loituma : le tournant

Vous commencez à voir où je veux en venir. La chanson vivote, on la chante dans les salles des fêtes de Haapajärvi, à la fête de la moisson de Jyväskylä et à la biennale internationale de la rillette de caribou et de la bourrée Carélienne. En 1995, un quintet Finlandais nommé Loituma, spécialisé dans les reprises fleurant le patrimoine enfoui de nos ancêtres reprennent fort logiquement cette Ievan Polkka.

Une jeune fille, un poireau, la recette de la gloire (et du mème)

Cette chanson aurait pu rester cantonnée au folklore, et amuser les mamies finlandaises bien mises et leurs maris imbibés, observant d’un œil torve les jeunes filles de 14 ans, un reste de ragoût d’élan coincé dans les pré-molaires. Mais non, car arriva Internet, et sa cohorte de petits chenapans prêt à s’amuser d’un rien. En 2006, l’un de ces joyeux lurons, membre de 4Chan, tombe sur la version de la polka d’Ieva par Loituma. Après avoir passé toute une nuit à jouer à des Meuporg sans parvenir à sortir cette chanson ingénue, rigolote et entraînante de son crâne, il prend une image du manga Bleach, rajoute la chanson par-dessus, et balance le tout en loop sur son site.

Instantanément, c’est la folie furieuse. Le non-sens absolu de cette japonaise qui fait tourner son poireau, la tension sexuelle sous-jacente, le fond rose, les spirales vertes, cette chanson à l’air absolument brillant, universel et cet air mi-goguenard, mi-défoncé de cette héroïne de manga sont imparables. Les amateurs de WTF et les aficionados du LOL sont ravis. En moins de temps qu’il ne faut pour embedder une vidéo Youtube, la vidéo s’empare de la toile, devenant un des premiers mème de l’Internet.

Concept sociologique développé dans les années 70 (notamment par Dawkins), le mème a trouvé un écho tout particulier dans les nouvelles pratiques du net. C’est une pratique, un comportement, une image, un son qui se répand d’individu en individu, à l’image d’un gène qui se multiplie, à travers un processus d’imitation, de duplication. On voit bien à quel point l’écosystème d’Internet se prête à la propagation de ce genre de phénomène. Les mèmes Internet, c’est une vidéo devenue légendaire qui se multiplie partout (Rickroll), une pratique qui se répand (Lolcats, Demotivational posters…) ou simplement une expression (MER IL ET FOU)…

Dans notre cas, le mème, c’est la vidéo virale. Complètement virale. En 2006 et 2007 elle aura été vue plusieurs dizaines de millions de fois. L’éthologiste Richard Dawkins, insiste sur la dimension d’adaptation, de réinterprétation du message ou de la pratique transmisen quand on parle du mème. Et des adaptations de cette fille, de ce poireau et de cette chanson, vous allez en avoir à toutes les sauces. On y retrouve tous les grands types de reprises et d’adaptations du mème.

Des centaines de versions et d’adaptations

Évidemment, c’est le monde de la musique qui s’est d’abord saisi du phénomène. Deux écoles s’opposent. L’adaptation dans la plus pure tradition du mème, dans un but complètement désintéressé. Ainsi, on pourra noter cette version techno, presque de bon goût (pas tout à fait quand même, hein).

Ou une reprise metal, empruntant tous les codes du genre.

Malheureusement, devant la portée du phénomène, les maisons de disques ont très vite compris que derrière ce poireau se cachait une occasion de vendre des disques. Ce que n’a pas manqué de faire Jamba, une boîte allemande chargée d’abreuver les marchés Européens avec des sonneries de téléphone et des chansons cheap (Crazy Frog, c’est eux. Oui.) avec un hippopotame qui danse sur une chorégraphie de Kamel Ouali :

Les dancefloors ne sont pas en reste, et le David Guetta Suédois, Basshunter (que les utilisateurs de Spotify connaissent bien, pour avoir été abreuvés de sa publicité) en a commis une reprise. Autant dire qu’on se situe ici à une proximité inquiétante des bas-fonds les plus insondables du mauvais goût.

La puissance évocatrice de la chanson n’a pas non plus échappé à l’œil sagace des publicitaires, qui se sont fait fort de la mettre au service de leurs produits. Pour un fournisseur d’énergie hollandais, ou pour du porridge anglais :

De la même manière, le marché des sonneries de téléphone (oui, à l’époque où ça existait encore) s’est largement emparé du phénomène.

Énumérer toutes les versions de la chanson serait évidemment bien trop long et trop douloureux pour un cerveau normalement constitué. Mais si la curiosité vous y invite, vous avez aussi, en vrac, une reprise par Dark Vador (on remarquera que le vice aura été poussé jusqu’à remplacer les spirales vertes par des chasseurs TIE) une version Russe folklorique, la très traditionnelle reprise chiante au piano, la non moins traditionnelle reprise par une chorale (chiante, aussi), une version Chipmunk (oui, Chipmunk) très WTF, une version dont la voix est celle d’un logiciel, voire un montage avec Borat, une autre avec Super Mario. On trouve également des choses d’un goût plus alternatif, comme ce montage, qui fleure bon le racisme mal refoulé. Les figures célèbres, de Staline à Ben Laden en passant par Hitler (LOL) sont aussi de la partie.

Pourquoi cette polka est-elle la plus vieille chanson pop du monde ?

On a bien rigolé. Mais cette accumulation de reprises, d’adaptation, de versions, ainsi que l’âge de la chanson, doit nous questionner. Ne tiendrait-on pas la plus vieille chanson pop du monde ? Évidemment, si l’on considère l’acception du terme pop telle qu’elle a été forgée dans les années 50-60, complètement indissociable du mouvement musical qui porte le même nom, cette affirmation n’a pas lieu d’être.

Mais si on élargit la définition ? D’un côté, on peut considérer que « pop » peut tout simplement renvoyer à populaire, à une idée de culture de masse. D’un autre, on peut raisonner en terme plus qualitatif : est-ce que pop, ça ne voudrait pas dire que ça véhicule une certaine image de la société à un instant T, une image des pratiques, des usages, des habitudes d’un groupe, d’une population ?

Cette chanson est populaire, c’est certain. Pour qu’elle naisse au fin fond des plaines de Russie et qu’elle parvienne jusqu’aux oreilles d’un Finlandais au début des années 30, il fallait que la chanson ait un minimum de retentissement. Depuis 2006, c’est une nouvelle popularité qui lui est donnée, véhiculé par Internet, reprise par tous les vecteurs de la culture populaire contemporaine (TV, Musique, Publicité, Vidéos virales…).

Bien sûr, cette chanson a à nous dire sur le moment où elle a été composée. Mais dans sa propagation et ses réadaptations, c’est aussi une chanson qui reflète bien les usages nouveaux de l’Internet, ces nouvelles pratiques, cette popculture du XXième siècle. Même si elle consiste à regarder des personnages de manga faire tourner des poireaux.

Quand on y réfléchit, si on considère la pop comme courant musical, on trouve des points communs avec cette polka : des paroles qui parlent d’amours contrariés, de sexe et de danse, le tout sur une mélodie qui a pour principal mérite de s’incruster dans votre crâne avec acharnement.

Mais avant tout autre chose, ce qui rend cette chanson pop, c’est surtout le fait que de New York à Tokyo, de New Delhi à Sao Paulo, et de Brive la Gaillarde à Novossibirsk, on s’est bidonné devant un dessin de manga qui fait tourner un poireau sur une chanson traditionnelle finlandaise vieille de presque 300 ans. Si ça, c’est pas pop…

Si vous n’en avez pas eu assez

Vous pouvez aussi écouter de vieilles versions de la chanson, datant des années 50, par deux chanteurs traditionnels Finlandais, sur Spotify (mais si, je vous assure, vous le voulez).
Ici, et là.

Si le visage des deux suédois est souvent masqué dans leurs prestations scéniques, leur musique elle, tant bien mystérieuse que spontanée, est totalement dévoilée, sans aucune entrave auditive. Le mélange des genres est osé, et l’excellent Silent Shout, première piste de l’album, est une mixture initiale qui montre que les ingrédients utilisés rassasient une faim de puissance rythmique. Orfèvres confiants, ils placent fermement leur album entre nos mains et nous invitent à les refermer pour ne pas laisser s’échapper cette musique ciselée avec minutie. Le faciès de leur musicalité est parfois dur, parfois détendu. Ses traits sonores sont d’acier ou de coton, et sa bouche nous offre une voix pure ou tranchante, qui contraste avec le côté électro alarmant dans Like a pen par exemple. Dans ses yeux profonds, on y peut voir des arbres courbés, des invitations au songe, des préludes au mouvement, des romances braisées (Heartbeats, mollement repris par José Gonzalès, dans l’album Deep cuts que je n’ai globalement pas apprécié), des évasions, ou un étrange voyage introspectif.

La tonalité se fait discordante (We share our mothers health), languissante puis bondissante. Assurée, et soudain incertaine. Le rythme change et tour à tour la lumière sonore est tamisée puis aveuglante, la voix fluette devient grave et inquiétante, murmurée. Les doigts contrôlés par un dictateur dont on ne devine jamais la présence dominante, courent sur le clavier, apeurés mais toujours ordonnés, dans une musique initiale qui nous invite à rester bloqués dans un ascenseur. Les ondes endossent des habits de lumière qui surprennent toujours les ténèbres répétitifs. Le cœur du rythme, dynamique, est parfois dissimulé sous une horde de voix chevrotantes mais contrôlées. La pression atmosphérique de leur base sonore donne, sur une cape brumeuse, un rythme pluvial, soutenu par des voix qui se perdent dans des dédales de notes enfantines. The Knife engage une joute mentale, paradoxale, de berceuses et de réveils saccadés et irréguliers, et nous invite à un jeu de rôle étonnant (notamment dans One Hit).

Nouvel opus, Tomorrow, in a year, accrocheuse dilatation temporelle, opéra techno, prévu pour le 1er mars, est déjà en écoute intégrale sur Spotify, me chuchote le Flux. Oh.

Cours nu dans les forêts

Silent shout sur Spotify.
Tomorrow, in a year sur Spotify.

Commençons donc par le commencement (je hais cette expression), à savoir Elvis Presley. En plein dans sa période gospel, il ne pouvait passer à coté de ce morceau et sortit donc du placard son chœur de chanteurs (The Jordanaires) pour se livrer à son interprétation de Run on. Le résultat est typique du gospel : une chanson joyeuse et entraînante aux thèmes religieux tout à fait déprimants mais qui passent inaperçus grâce aux voix du chœur. Nos amis anglophones se rendront bien compte en lisant les paroles que le fond de la chanson tranche radicalement avec sa forme dans cette interprétation d’Elvis Presley.
Pour être honnêtes, notons tout de même que les premières secondes de la chanson sont plutôt calmes. Ça se gâte dès la 8e seconde, pour notre plus grand bonheur.

Faisons maintenant un saut d’un demi-siècle en avant pour rejoindre l’ami Moby, qui en fouillant dans de vieux vinyles en trouve un de Bill Landford & The Landfordaires, datant de 1947 et intitulé ― ô miracle ― Run on for a long time. Notons au passage que les auteurs de cette interprétation ne sont connus que pour celle-ci, et pour quelques morceaux de la bande originale de Ladykillers ― mais nous nous égarons. Le vinyle en main, Moby décide d’en sampler les voix pour cuisiner le morceau à sa sauce, avec quelques autres samples et une pincée d’arrangement personnel. De ce doux mélange émerge une nouvelle version de la chanson qu’il insère dans son futur blockbuster Play, sorti en 1999.
Et comme si cela ne suffisait pas, Moby décide de tourner un clip et en confie la réalisation à Tony Kaye (oui oui, celui de American History X, mais nous nous égarons encore). Le résultat est délicieusement délirant et absolument absurde, histoire que notre sonotone ne soit pas le seul à profiter.

Mais bon, les chanteurs de gospel, le paradis, la joie et la bonne humeur, ça va deux minutes. Avec Johnny Cash, il est maintenant temps de voir tout en noir et de pleurer un bon coup. Commençons déjà par dire que son interprétation de God’s gonna cut you down est parue en 2006 lors de la publication posthume de l’album American V : A Hundred Highways. Déjà, pas de quoi mettre le sourire aux lèvres. Mais quand le morceau commence vraiment, là c’est carrément la pulsion suicidaire qui approche. Finis les joyeux chants de rédemption bisounours, ici on sort le vice et les pêchés pour les expier dans le sang et la douleur. Et bizarrement, ça fait un bien fou aux oreilles.
Allez, rangez votre corde et votre tabouret, je vais essayer de détendre l’atmosphère grâce au clip (posthume aussi, donc). Certes, il n’a pas l’air marrant comme ça, mais essayez un peu de me citer plus de la moitié des artistes qui y figurent, et on reparle. Le premier qui me poste ça dans les commentaires ― sans tricher ― a gagné un flacon de cyanure.

(indice pour les nuls : Byghosta, Martin et Mercy y trouveront tous leur compte)