Le premier parallèle est le plus évident, puisqu’il s’agit tout simplement de Levels d’Avicii, autre hit dont l’auteur (de son vrai nom Tim Bergling) n’est autre qu’un des co-auteurs du morceau de Flo Rida. Sortis presque simultanément durant l’automne 2011, ces deux morceaux entretiennent donc des liens charnels à la limite de la consanguinité la plus malsaine, mais ça ne les empêche pas d’avoir tous deux un terrible succès commercial (entendez par là qu’ils passent tous deux en boucle sur Fun Radio et aux Planches).

En revanche, dès que l’on quitte l’année 2011 pour approfondir la rétrospective du sample, on tombe en 2008 sur un morceau loin de cet enfer commercial : Threats de Blue Sky Black Death avec la collaboration vocale de Jean Grae et Chen Lo. En apparence ce troisième morceau n’a rien de commun avec les deux précédents, mais en réalité Threats contient divers samples provenant de la même chanson que le « Oho sometimes I get a good feeling » vu précédemment. Et autant dire que le résultat est largement plus appréciable et démontre le talent de ce fantastique duo qu’est Blue Sky Black Death.

En remontant à 2006, retour au sample utilisé par Avicii et Flo Rida, cette fois-ci de manière plus originale et subtile par Pretty Lights pour son morceau Finally Moving. Paru dans son premier album, Taking Up Your Precious Time, le titre est un succès immédiat et reste la piste la plus populaire du disque. Il semblerait qu’il s’agisse véritablement de la première apparition du fameux sample, et que l’idée originale d’exploiter le morceau vienne donc  de Pretty Lights avec ce titre éthéré.

Outre ce sampling en long en large et en travers, la chanson originale a aussi été tout simplement reprise pour la comédie musicale Burlesque avec Cher et Christina Aguilera. J’avoue sans complexe ne pas avoir vu le film et ne pas être un grand fan des deux artistes susnommées, mais je ne peux nier que la ré-interprétation du titre original par Christina Aguilera est assez originale pour être remarquée.

Mais trêve de bavardage, venons-en directement à la chanson qui est à l’origine de tout ceci : Something’s got a hold on me d’Etta James. En 1962, une des plus belles voix du siècle précédent chante pour la première fois ce morceau qui aura la descendance que l’on vient d’évoquer, et qui contribuera largement à la popularité de la chanteuse aux yeux félins et à la chevelure platine. Dès les premières secondes du morceau on retrouve la phrase qui sera tant samplée par la suite jusqu’à tourner en boucle 50 ans plus tard grâce (?) à Avicii et Flo Rida.

Last but not least (et c’est le cas de le dire), rappelons que le plus grand titre d’Etta James reste son magnifique At Last, qui — outre son succès naturel — connut un regain de popularité lorsqu’elle fut interprétée par Beyoncé pour le bal d’inauguration de la Présidence de Barack Obama en 2009 (notons aussi la reprise de Christina Aguilera (encore elle) en 2003, mais sa tentative ressemble davantage à un chant tyrolien raté). Bien que présente au bal et couverte d’éloges à cette occasion, Etta James déclara par la suite que Beyoncé mériterait de « get her ass whipped » (je vous épargne la traduction) et qu’elle était désolée de ne pas avoir été invitée à interpréter elle-même son titre, persuadée qu’elle aurait chanté bien mieux que la jeunette Beyoncé.

Nul doute que le morceau de Flo Rida lui inspire des commentaires peu flatteurs.

Mis à jour le 20 janvier 2012 : Si Etta James avait quelconque avis sur Flo Rida, elle n’a pas eu le temps de l’exprimer publiquement. Âgée de 73 ans, elle est morte aujourd’hui des suites d’une leucémie.

Nous sommes le 23 décembre et les tops musicaux de toutes sortes envahissent la blogosphère. Comme en général je ne suis pas d’accord avec les résultats de ces classements – je ne citerai pas de nom -, j’ai préféré mettre en place ma propre sélection. J’ai donc longuement cogité pour trouver une idée originale qui vous intéresserait, vous ferait rire aux larmes ou vous agacerait. A deux jours de Noël, sortir un simple récapitulatif des musiques de Noël les plus connues aurait été trop simple et rébarbatif. Quoi de mieux que de mélanger le rap – musique bien souvent critiquée pour son image « gangsta » – avec la fête d’anniversaire du petit Jésus ? Pas mal non ?!

En m’inspirant librement du festival de Cannes qui décerne chaque année des palmes d’or aux meilleurs films, j’ai donc voulu créer une cérémonie rendant hommage aux chansons de rap de Noël, plus ou moins bonnes, sorties depuis 30 ans. Sapins et pâtisseries obligent, les prix remis au sein de cet article ne pouvaient s’appeler autrement que les « bûches d’or. » Cette sélection n’a bien évidemment rien d’exhaustive, de nombreux autres titres consacrées à cette fête ayant également été interprétés (vous pouvez les ajouter en commentaires si bon vous semble.) Dernière précision, la numérotation de ce classement n’a rien de qualitative, mais permet simplement de ranger dans l’ordre chronologique les quelques perles de Noël ci-dessous.

Et les lauréats sont :

1. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus ancien : Kurtis Blow – Christmas Rapping

1980. Trente ans déjà que le rap inonde les oreilles de millions de personnes pour notre plus grand bonheur. Pourtant, quand les membres de la famille mondiale du Hip Hop regardent ces images, on prend conscience de tout le chemin parcouru. Kurtis Blow, voilà notre homme, celui par qui le rap prit son véritable envol, un an après le fameux Rappers Delight de Sugar Hill Gang. Le rappeur, véritable dandy qui porte à merveille la chemise « col pelle à tarte », s’est tout d’abord fait connaître en cette même année 1980 pour un tube qui fit danser des millions d’amateurs : The Breaks. Il ne se doutait probablement pas qu’il allait après cela lancer une autre mode : celle de la chanson de rap de Noël. En effet, dans la foulée de son premier titre et sur le même album intitulé sobrement Kurtis Blow, le rappeur sort Christmas Rapping, première pierre officiellement posée à l’édifice des chansons de rap consacrées à Noël. Détail assez cocasse de cet hommage à Noël : Kurtis Blow ne reprend aucun classique du genre – comme le feront une grande partie de ses successeurs -, produisant un titre dans l’air de son temps, empreint de funk et de rythmes enlevés.

2. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus connu : Run DMC – Christmas in Hollis

Difficile de s’attaquer à la critique d’un mythe puisqu’aussi bien Run DMC que sa chanson Christmas In Hollis sont depuis longtemps entrés au panthéon des classiques du rap mondial. En effet, le groupe composé de Rev Run, D.M.C. et Jam Master Jay – assassiné en 2002 – a grandement participé dès le début des années 1980 à la démocratisation du rap auprès du grand public avec des titres d’anthologie comme la reprise de Walk This Way en duo avec Aerosmith en 1986. Le succès aidant, les Run DMC furent d’ailleurs les premiers artistes à signer un contrat avec une marque de sport, en l’occurrence Adidas. Comme tout ce que touchait le groupe se transformait en or, ils n’hésitèrent pas à participer à des actions visant à lever des fonds pour la bonne cause. Voilà d’ailleurs comment naquit le titre Christmas In Hollis en 1987. En effet, cette chanson ne sortit pas sur un album du groupe mais sur une compilation intitulée A Very Special Christmas, dont les bénéfices étaient reversés à l’organisation des « Jeux olympiques spéciaux », qui s’adressent selon Wikipédia – eh oui, je ne suis pas infaillible – aux déficients intellectuels âgés de 8 à 80 ans (croyez-moi, je n’ai rien inventé dans cette phrase.) Christmas In Hollis fut un succès que l’on peut également attribuer à son clip hilarant dans lequel les membres du groupe sont invités dans le village du Père Noël – bizarrement situé dans le Queens à New-York – et y rappent, bien emmitouflés dans leurs joggings Adidas, évidemment.

3. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus gangsta : Eazy-E feat. Menajahtwa, Buckwheat, & Atban Klann – Merry Muthafuckin’ Xmas

Tout ce qui est petit n’est pas uniquement mignon. Ça peut aussi être teigneux. C’était le cas du rappeur Eazy-E, 1m65 à tout casser, mort en 1995 du Sida. Ancien membre du groupe NWA aux côtés de Dr Dre et d’Ice Cube, le rappeur n’avait pas la langue dans sa poche, loin de là. Ses attaques envers ses anciens collègues au moment de la séparation du groupe sont d’ailleurs restées dans les annales. Noël étant une fête réservée aux enfants qui ont été sages tout au long de l’année, Eazy-E n’y avait donc malheureusement pas le droit, ce qui semblait un tantinet l’énerver. J’en prends pour preuve la sortie en 1992 de la chanson Merry Muthafuckin’ Xmas extraite de l’album 5150: Home 4 tha Sick, dans laquelle il enchaîne – aux côtés de trois poulains de son label Ruthless Records – les pires insanités qui soient. Des flatulences, des coups de fouet (à ses rennes ?) et des bruits de mitraillette : tout y est ! Et pour finir en beauté, quoi de mieux qu’un long et appuyé « Biiiiiiiiitch » ?! Le pire dans tout ça, c’est qu’au bout de quelques écoutes, on finirait presque par apprécier cette version comptonnienne de Jingle Bells.

4. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël « qui a le plus de chien » : Snoop Doggy Dogg feat. Nate Dogg, Dat Nigga Daz, Bad Azz and Tray Dee – Santa Claus Goes Straight To The Ghetto

Snoop Doggy Dogg, Nate Dogg et Dat Nigga Daz du groupe The Dogg Pound : ça en fait du chien au m² ! Nous sommes en 1996 et le label west coast, Death Row, a le vent en poupe. C’est simple, tout la fine fleur de L.A. enchaîne les tubes sous la houlette de leur maître à tous, Suge Knight. Comme l’argent n’a pas d’odeur et que plus y’en a mieux c’est, une bonne partie de ces rappeurs gangsta s’est mise au diapason avant le Noël millésime 1996 pour pondre la compil’ Christmas on Death Row, littéralement « Noël dans le couloir de la mort. » Charmant. S’il ne fallait retenir qu’un seul titre de cet opus, c’est bien évidemment Santa Claus Goes Straight To The Ghetto, en référence à leur prédecesseur James Brown qui avait sorti une chanson du même nom quelques décennies auparavant. Arborant une barbe plus que bizarre – avec laquelle il ressemble davantage à un orthodoxe juif qu’à un Père Noël – Snoop Dogg ballade ses potes dans une Cadillac qui survole la cité des anges. Des flows efficaces, la voix chaude d’un Nate Dogg au top de sa forme – ce qui n’est plus vraiment le cas aujourd’hui – et une instrumentale smooth qui reprend un sample d’Isaac Hayes déjà utilisé par Big Daddy Kane. Une autre époque !

5. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus déjanté : Saïan Supa Crew – Y’a-t-il un père pour sauver les rennes ?

Il faut bien avouer que je n’avais jamais entendu parler de ce morceau avant de me mettre à concocter cette petite sélection hivernale. Ce titre est pourtant l’oeuvre du célèbre Saïan Supa Crew qui, un an avant de sortir son premier album KLR en 1999, eut la bonne idée d’impulser de sacrés débats autour de du thème de Noël à travers sa chanson Y’a-t-il un père pour sauver les rennes ? Ainsi, 25 décembre ou non, ça n’empêche pas le Saïan Supa Crew d’utiliser ce prétexte pour aborder un thème qui lui est cher : le racisme. Specta, Vicelow et sa bande avaient raison : pourquoi le père ne pourrait-il pas être noir ou rasé de près ? Heureusement, comme à leur habitude, les membres du Saïan savent traiter de sujets plus ou moins sérieux sans se prendre au sérieux justement. Regardez leur clip pour vous en convaincre si vous ne l’êtes pas déjà après une simple écoute du titre. Comme de grands enfants, ils chahutent au milieu d’un village de jouets pendant qu’un couple de poupées se balade dans une voiture miniature, au risque de se faire choper par la police. Tout ça n’a pas vraiment de sens je sais. Au final, cette chanson enjouée dédiée à une fête aussi solennelle que Noël est fraîche et donne une pêche de malade, nous faisant toujours plus regretter la dissolution du groupe en 2005.

6. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus « conscient » : Tandem, Dad PPDA, Eben & El Tunisiano – Meilleurs Voeux 2

La bûche d’or de la catégorie « rap conscient de Noël » ne pouvait naturellement qu’aller à un titre de rap français, tant ce concept – qui semble avoir disparu de la scène hexagonale actuelle – a marqué les années 1990 et le début du troisième millénaire. Sortis sur la compilation Mission Suicide en 2000, les Meilleurs Voeux de ces cinq rappeurs ne sont pas vraiment conventionnels. Au lieu de souhaiter à leurs familles et à leurs amis de belles fêtes, plein de cadeaux et de la nourriture jusqu’à en vomir, Tandem, Dad PPDA, Eben et Tunisiano font un constat froid et cinglant du malheur qui frappe les malchanceux et les déshérités à cette période de l’année. Car à la lumière d’un sapin, bien au chaud devant des coupes de champagne, on oublie trop souvent que la France n’est pas un paradis pour tous, loin de là. Le résultat de cette prise de conscience du 25 décembre est brut de décoffrage : une instrumentale lourde comme à la belle époque sur laquelle des flows acérés croisent le fer avec ardeur. Pour ne pas totalement dénoter de l’atmosphère de Noël, ils ont tout de même décidé d’insérer à la fin de leurs voeux, un extrait de la version originale de Jingle Bells. Sacré contraste !

7. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus « religieux » : Jim Jones featuring Rell, Mel Matrix & Stack Bundles – If Everyday Was Christmas

Avec Jim Jones – qui tient son nom de scène du célèbre fondateur de la secte du Temple du Peuple -, on est habitué aux flows mollassons, aux instrumentales parfois passables, souvent mauvaises. Heureusement, le rappeur des Diplomats aime aussi Noël. Comme tout le monde vous me direz sauf que Jim a prouvé cet attachement par des collaborations à plusieurs compilations de rap de Noël. En 2006, il posait sa voix nonchalante sur la mixtape Dipset X-Mas avant de récidiver deux ans plus tard avec A Tribute To Bad Santa Starring Mike Epps. Le meilleur titre auquel il ait pu participer est sans aucun doute If Everyday Was Christmas. Même s’il n’est pas très enthousiaste et dynamique – comme à son habitude -, ses carences sont en quelques sortes palliées par les rappeurs efficaces qui l’entourent, ainsi qu’une instrumentale à l’ancienne qui allie grelots, refrain R’n'B de haut vol et chants de chorale. Si les messes de minuits étaient célébrées avec des musiques aussi harmonieuses – en faisant fi des lyrics -, il ne fait aucun doute qu’on m’y verrait plus souvent !

8. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus allemand : Sido – Weinachts Song

Y’a pas que le rap français et américain dans la vie ! Nos amis d’outre-Rhin produisent eux aussi un rap « fait maison », avec des sonorités proches de ce qui se fait aux U.S. mais qualitativement un cran en dessous. A la tête de cette armada de rappeurs Made in Germany se trouve Sido, citoyen berlinois de son état et par la même membre du collectif Aggro Berlin aux côtés de MCs tels que Bushido ou Fler – qui l’ont depuis déserté. A la manière de notre Fuzati national, Sido arbore le plus clair de son temps un masque – de tête de mort dans son cas – et interprète des titres plutôt hardcore. Comme les allemands copient allègrement leurs homologues américains, le rappeur s’est lui aussi mis en 2007 au rap de Noël en reprenant à sa manière le célèbre Jingle Bells. Pour ceux qui ne maîtrisent pas la langue de Goethe, Sido nous décrit dans cette chanson ses projets de « Weihnachtsmann » totalement dépravé. Car Sido – dont les initiales signifieraient « Scheisse In Dein Ohr », littéralement « Merde dans ton oreille » – n’est pas un papa Noël comme les autres. Non lui c’est un méchant. Ou plutôt un déviant. Attendez, vous en voyez souvent vous des Pères Noël totalement bourrés qui sodomisent une reproduction d’éléphant à l’échelle 1/6ème ? Si vous voulez que vos enfants continuent à croire au mythe de l’homme en rouge, éloignez-les de cette vidéo !

9. Vainqueur de la bûche d’or du plus mauvais goût : Juelz Santana feat. Starr – Jingle Bellz

Contrairement à son compère Jim Jones des Diplomats, la fête de Noël ne va pas très bien à Juelz Santana. Avec cette reprise de Jingle Bells sortie en 2008 sur la compilation A Tribute to Bad Santa Starring Mike Epps, le rappeur touche le fond et creuse presque la tombe de sa carrière artistique dans le domaine du « rap de Noël. » Comment faire pire, je vous le donne en mille ? Reprendre un classique – déjà saoulant – en ralentissant son tempo, puis y ajouter une tripotée de voix R’n'B quelconques et un flow totalement déconnecté de l’instrumentale : j’en aurais presque des sueurs. En plus de ça, Juelz Santana nous « gâte » avec un clip tellement kitch avec sa Bentley surmontée d’un flot, un faux arrière plan et une fille pas très jolie qui se trémousse dans une combinaison en cuir qui ne procure qu’une seule envie : la fouetter. Après avoir vu et écouté ce clip, difficile de ne pas avoir les yeux qui piquent et des acouphènes aux oreilles. En tout cas, si Juelz Santana n’a plus de cadeau déposé sous son sapin depuis 2008, il ne peux s’en prendre qu’à lui-même !

10. Vainqueur de la bûche d’or du titre de rap de Noël le plus récent : Kanye West feat. Cam’ron, Vado, Jim Jones, CyHi Da Prynce, Pusha T, Big Sean – Christmas in Harlem

2010 aura été selon certains l’année du grand retour de Kanye West grâce à la sortie de son album My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Pour tout vous dire, cet opus m’a laissé de marbre, certains Good Fridays m’ayant bien plus intéressé. Ah oui, pour ceux qui ne le savaient pas, le Don Louis Vuitton s’est amusé à sortir chaque vendredi – d’ou le nom Good Fridays, vous me suivez – des titres plus ou moins inédits pour alimenter le buzz autour de sa personne, et ceci jusqu’à la parution de l’album. Possible résurgence de cette tradition, Kanye West nous a livré un genre de Good Wednesday en lien avec Noël la semaine dernière. Ne faisant pas les choses à moitié, le rappeur a donc invité six rappeurs en featuring pour interpréter Christmas In Harlem. D’ailleurs, parmi ces invités de marque – issus du quartier de Harlem comme vous l’aurez compris -, on retrouve à nouveau Jim Jones, qui à cette allure va véritablement se spécialiser dans le rap de Noël. Le titre s’avère très plaisant avec cette instrumentale parsemée de boucles de piano sur laquelle viennent s’égosiller rappeurs et choristes dans une atmosphère chaleureuse. Au fait, j’espère que vous aurez remarqué la ressemblance physique frappante entre Kanye West, auteur du titre de rap de Noël le plus récent, avec Kurtis Blow, le précurseur en la matière. Est-ce une coïncidence ? Je ne crois pas…

A découvrir aussi :

• The Treacherous Three & Doug E. Fresh – Santa’s Rap
• Juice Crew All Stars – Cold Chillin’ Christmas
• Run DMC – Christmas Is
• Master P & C. Murder – Christmas In The Ghetto
• Puff Daddy feat. Run DMC, Snoop Dogg, Mase, Salt-n-Pepa, Onyx & Keith Murray – Santa Baby (remix)
• De La Soul – Millie Pulled A Pistol On Santa
• Kery James feat. Namor & G-Kill – Meilleurs Voeux
• Ludacris – Ludacrismas
• Lil Wayne feat. T. Pain, Drake & Nicki Minaj – This Is My Merry Christsmas Song (remix)
• Snoop Dogg – My Little Mama on Xmas
• Dirty Dahn - The Christmas Song

(Remerciements à Manolo Woods dont l’aide me fut précieuse pour retrouver certaines de ces pépites)

Alina Orlova possède ce curieux penchant, celui de ne pas savoir sur quelle borne se tenir. Une voix ténue, transie par un tumulte complexe, entre déchainement et tristesse. Une composition fuligineuse et incertaine, éclairée par l’audace d’une joie qui dodeline.

La tension dégagé par Alina est de ce goût là. À sa source, ses facettes sont multiples. Son issue est pourtant singulière, esthétique et touchante.

L’album Laukinis šuo dingo est sur Grooveshark.

Crédit photo: Cane Rosso.

Et maintenant, je me demande comment je vais vous expliquer le pourquoi de cet enthousiasme, car la nuance risque d’être difficile dans ma description, mais bon, au diable l’objectivité, existons en tant qu’être subjectifs détenant chacun une vérité suprême, ça vaudra mieux pour tout le monde.

Pour faire simple : à l’écoute de ce monstre, j’ai eu l’impression que Dieu me prenait par la main pour me montrer un peu comment c’était dans son bureau là où il crée l’univers et d’autres choses de ce genre. Une musique à base de rythmiques électroniques, mises en harmonies dans de longues et lentes plages de plusieurs minutes qui nous amènent de samples en samples, qui sont eux-mêmes tant d’univers poétiques infinis à traverser et à retraverser inlassablement, sans jamais décevoir notre esprit en quête d’échappatoire ; le mien, indéniablement, a toujours trouvé quelque chose à interpréter et à ressentir pour se rassasier, me donnant parfois la sensation de rêver, de me balader au-delà de toute expression du temps, ou même d’être un génie incompris, et bien d’autres choses encore que je ne prononcerai pas ici par pudeur.

Je ne sais pas trop comment dire cela autrement, simplement : ma machine à penser se met en route lorsque j’écoute Nicolas Jaar, et j’aime ça. Pourquoi ? Tout d’abord parce que les longues plages rythmiques dont je parlais tout à l’heure sont incroyablement bien agencées, si bien que les sept minutes qui séparent les deux premiers samples, par exemple, passent en un instant, tout en restant pour autant sept véritables minutes avec une progression et une structure incroyables, dignes, à mon humble avis, des plus grands de l’électro. Ensuite parce que les samples sont originaux, inattendus et dotés d’une puissance poétique assez hors du commun, tant ils sont soigneusement placés aux moments stratégiques, nous prenant juste au moment où il faut nous prendre, comme si le jeune prodige avait lu dans l’essence de nos sonotones et de nos affects afin de savoir quand et comment nous emmener avec lui, dans son univers intérieur apparemment sensible et à fleur de peau. Il faut d’ailleurs noter dans les samples qui jonchent ces quarante et une minutes, un en particulier doué d’une énergie et d’une beauté indescriptible : cette voix de jeune garçon qui nous chante La Bohème d’Aznavour à la neuvième minute me soulève juste les tripes et les poils à chaque écoute. D’autre part, l’alternance entre passages minimalistes, jazzys et parfois plus latinos ou black constitue une alchimie parfaite pour un voyage dans l’hétérogénéité et l’éclectisme constitutifs de notre société moderne. Car oui, je suis convaincu qu’en plus d’être une œuvre atemporelle, ce Live Fall 08′ n’en reste pas pour autant une composition très actuelle, capable de parler et de témoigner de la beauté, des enjeux et des paradoxes de l’humanité telle que nous la connaissons aujourd’hui, c’est en tout cas ce qu’il me fait ressentir lorsque je le contemple.

Que dire de plus, pas grand-chose en fait, ça ne servirait à rien de continuer ainsi, je pense que vous avez compris à quel point la découverte de cet ovni musical a chamboulé ma perception des choses et m’a peut être même permis d’entrevoir des zones encore insoupçonnées dans mon esprit, c’est pourquoi je ne vous conseillerai que trop d’au moins essayer cette expérience hors du commun que constitue l’écoute approfondie de ce Live Fall 08’.

Pour aller plus loin

Le Live Fall 08′ en intégralité :

Nicolas Jaar Live Fall 08′ by Clown and Sunset

• Myspace
• On a déjà parlé de Nicolas Jaar ici même !

Voilà pour la partie showbizz. Dans les faits, la musique que propose Beast est une recette extrêmement efficace qui allie une chape électronique classique beat-basse lourde et bourdonnante saupoudrée d’instruments acoustiques, d’effets divers et d’une voix féminine punchy qui lorgne tantôt du côté de la soul ou d’un hip-hop très riot grrrl. Ainsi la plupart des morceaux proposent un périple au format classique des 3-4 minutes avec une structure couplet, refrain, et montée en puissance symphonique étayée par des chœurs féminins du meilleur effet. Pas de révolution musicale ou d’inspiration divine mais une grosse énergie charnelle véhiculée par des compositions qui tirent du côté de l’électro abrasive sur Devil ou vers un gospel-hip-hop de « bâtard démoniaque » (merci Pirhoo) dans le bien nommé Satan. L’inspiration vient d’en bas, de la terre, du feu, des puissances organiques hostiles et telluriques.

Mue par un indéniable aspect festif et une belle énergie communicative sans prise de tête, la musique de Beast prend alors tout son sens dans la moiteur sudoripare du live ou dans la forte écoute casquée d’un périple urbain solitaire, lorsque les cascades crépusculaires s’apprêtent, silencieuses, à mourir sur les masses citadines qui sous les notes saturées de puissance bestiale se dépouillent de leurs illusions, arrachent leurs costards gris et dansent nus sous la pluie fine. Mais je m’emporte.

Le clip primé de Mr. Hurricane

Tape des mains et lève le poing

• Le site de Beast.
• Beast sur Spotify.

Sous le délicieux pseudonyme de Pom Pom (records) se cache un (des?) anonyme(s?) dont on ne sait rien ou presque, si ce n’est qu’il est l’auteur, entre autres, de ce petit bijou. On devine à la profondeur des sons employés qu’il ne peut être bien éloigné des papes de la techno minimaliste berlinoise Mark Ernestus et Motitz Von Oswald (derrière les projets Maurizio et Basic Channel notamment), mais cela importe finalement peu, tant sa musique parle d’elle-même et ne nécessite pas de s’encombrer d’une pesante biographie.
Sa trente-deuxième (!) sortie sur format vinyle sembla un moment être la dernière, car depuis 2008 le silence radio était de mise. Jusqu’au mois de février dernier, où son dernier opus vit enfin le jour! (nous n’avons malheureusement pas encore réussi à mettre la main dessus à l’heure qu’il est). 2008 vit également la parution d’un CD, événement exceptionnel et unique dans la carrière de Pom Pom, sobrement intitulé 001, évidemment intégralement noir (les deux faces du disque comprises), et composé de quatorze titres (dont tous ceux présents sur 32 ), forcément « untitled ». Mais cet anonymat ne sert pas à entretenir un mythe autour de l’artiste, mais bien à rechercher une certaine forme de discrétion destinée à mettre en avant la seule musique, comme ont pu l’expérimenter certains projets d’Underground Resistance du côté de Detroit.

Inutile de préciser qu’avec ce genre de composition, le support vinyle s’avère indispensable, car on ne fait pas que l’entendre, on la ressent à travers tout son corps. On plonge dès les premiers instants au cœur d’un son puissant et épais, de nappes extrêmement riches et de beats métalliques. Cette techno minimaliste qu’on qualifie parfois un peu abusivement de « dub » est bien éloignée de la musique minimale sirupeuse et répétitive par manque d’inspiration dont on nous bassine actuellement les oreilles. Elle se situe dans la droite lignée du travail d’un Philipp Glass ou d’un La Monte Young : la répétition et les lents développements de ses structures sont la marque d’un intense travail et constituent son âme même. Si bien saisir les plus subtils détails nécessite une bonne dizaine d’écoutes, la première confrontation aux titres de ce trente-deuxième opus nous jette dans un univers tout bourdonnant et nous entraîne immédiatement au sein d’un rythme lancinant, profond, qui finit par prendre possession du moindre de nos mouvements. On se plait ensuite à explorer l’extraordinaire variété des sons utilisés, et on reste béat devant une telle qualité de production, que l’ère du « tout compressé » semblait pourtant avoir voué aux gémonies. Si l’ensemble se veut résolument hypnotique, tous les morceaux sont traversés d’une énergie inextinguible qui nous fait rapidement nous balancer d’un côté puis de l’autre selon le claquement langoureux de la pulsation. On a l’impression que l’air vibre autour de nous, qu’une sorte de coton sonore nous enveloppe pour mieux faire ressortir les battements de notre cœur. Les basses sont magnifiques d’amplitude, les aigus d’une douceur infinie, bien que la plupart des soundsystems soient tout à fait incapables de les retranscrire correctement. La construction des boucles se révèle d’une finesse rare, si bien que l’apparition d’un nouveau son nous prend toujours par surprise, mais sans jamais nous heurter. Les pistes s’achèvent toutes dans de longs essoufflements synthétiques qui s’éteignent progressivement, tout en ne perdant rien en intensité.

Rien que du très bon, rare, et précieux dans ces titres dont on apprécie la réédition, tant ils apparaissent éminemment nécessaires à la médiathèque de tout amateur de musiques électroniques.

(#10, extrait de l’album 001, et dont la compression inhérente à Youtube traduit mal la richesse)

et C1, issu de sa toute dernière sortie vinyle

Hélas, rien à se mettre sous la dent (ou dans le tympan, plutôt) du coté de son nouvel opus puisque celui-ci se révèle bien maigre et plutôt médiocre. J’en suis donc retourné à ce que Breakbot fait de mieux : les remix. Ironie du sort, le meilleur d’entre eux est issu d’un morceau de Metronomy, qui sont eux-même passés maîtres en l’art du remix, loin devant le novice Breakbot. Ce dernier a ainsi retouché un des morceaux phares de l’excellent Nights out, à savoir A thing for me, pour un résultat des plus agréables.

Mise à jour le 11 juin : Le coloré clip de Baby I’m Yours est désormais sorti avec grand bruit, voir l’avis de Byghosta.

Les olympiades à peine commencées, rien de tel pour dévaler les pistes à fond les Balloons (c’est le nom d’un de leurs EPs…soyez pas sévères sur le jeu de mot). Bref, bonne glisse!

Qu’à cela ne tienne, il y a de très belles choses dans l’œuvre de Laura Marling, il serait dommage de ne pas en parler. On n’est d’ailleurs pas les seuls à lui porter attention, ils sont plus d’un à s’entendre pour saluer le talent de cette jeune auteure/interprète (20 ans) et pour preuve, on la retrouve à plusieurs reprises aux cotés de Neil Young, Andrew Bird, The Rakes ou Noah and The Whale.

La chanson qui va suivre est extraite de son premier album.

Night Terror est certes obscure, mais cette ambiance tient moins de la nuit de terreur que du matin brumeux, à l’éveil de la ville. Tambours battants, violoncelle ardent, le départ épuré de ce titre se transforme vite en une orchestration mystique, à la progression démoniaque et pour le moins enchantée.

Ne vous inquiétez pas, malgré ma passion débordante pour cet artiste et son œuvre, je vais présenter The Renaissance de manière à être le plus objectif possible. Promis. Bien avant de passer à l’écoute des douze titres qui composent la galette, arrêtons-nous un court instant sur la pochette proprement dite. Je sais qu’après mon évocation négative de celle de l’album de Raekwon dans ma chronique précédente, j’ai l’air d’un fétichiste névrosé mais l’illustration mettant en scène Q-Tip a tout son sens. La pochette en présence rappelle tout d’abord l’esthétique du clip du titre de Raphael Saadiq, Get Involved, sur lequel posait Q dix ans plus tôt. A l’époque, les personnages se baladaient avec des télés à la place de leur tête. Ici, ce qui fait office de tête à notre MC est une MPC 2000XL. Derrière ce terme barbare se cache l’instrument de base de tout bon producteur de Hip Hop. C’est grâce à lui que notre artiste a pu concocter les trois quarts des sons de l’album – dix titres sur douze – ne laissant que des miettes au regretté J-Dilla, fidèle compagnon de route disparu en 2007 et auteur du très soul Move. L’autre morceau ayant eu recours au talent d’un autre producteur s’intitule Won’t trade – incrusté de samples de Ruby Andrews – et est l’œuvre de l’anglais Mark Ronson que l’on a notamment pu voir aux côtés d’Amy Winehouse ou encore Lilly Allen. La MPC n’est toutefois pas la seule marque de fabrique de cet album qui a aussi la particularité – pour un album hip-hop – de faire appel à une flopée de véritables musiciens comme le guitariste Kurt Rosenwinkel, présent sur le titre final Shaka, et qui collabora également à l’album Kamaal The Abstract.

Venons-en à la teinte musicale de l’album. Q-Tip est resté fidèle à sa ligne de conduite adoptée depuis les années ATCQ, un mélange de jazz-soul-hip-hop qui déroute aussi bien les partisans d’un hip-hop « de la rue » aux sonorités rudes que les adolescents abreuvés par les bruits stridents des navets de Flo Rida ou autres Soulja Boy. Ça c’est dit. Les groupies de Q-Tip sont donc souvent plus proches de la trentaine, et vivent dans la nostalgie du début des 90’s, une époque où Q et ses amis des Native Tongues arboraient des habits bariolés pour chanter des discours non-violents. Tout ça est malheureusement bien fini mais l’auteur de The Renaissance en n’oublie pas pour autant son passé. Ainsi, les featurings de son album sont de vieilles connaissances puisque deux larrons – membres du célèbre collectif Soulquarians - constituent les têtes d’affiche de ce LP. Le bankable Raphael Saadiq pousse la chansonnette sur le déroutant We fight/We love – jouant sur l’ambigüité sempiternelle entre combat pour l’amour et la guerre au sens strict du terme – alors que le sérial lover D’Angelo vient susurrer quelques mots – sa marque de fabrique – sur le très spirituel Believe. Deux femmes posent pour la parité sur cet album où la légèreté – à travers les sonorités employées – prime lorsque l’amour est omniprésent. Norah Jones épouse parfaitement les contours de l’instrumentale de Life is Better, dont la combinaison pleine d’émotion avec Q-Tip symbolise parfaitement l’ode faite au Hip-Hop.

On pourra peut-être regretter le fait que notre rappeur ait un peu plongé dans la facilité en cédant à la mode du « naming », puisqu’il ponctue son couplet presque uniquement de noms d’MC’s de légende dont il croisa le chemin durant sa longue carrière. Quant à Amanda Diva, elle philosophe en compagnie de l’ex-leader des A Tribe Called Quest sur les relations hommes/femmes sur Manwomanboogie. L’amour est à nouveau le thème du déprimant You qui met en scène l’homme dans sa tristesse la plus profonde au moment de se remémorer l’être aimé mais désormais absent. A noter deux autres excellentes tracks qui ponctuent cet album constant – tant dans la qualité proposée que dans le style cohérent qui est imposé -. Ainsi, les titres Johnny is dead – qui n’est pas une prédiction scabreuse sur l’état de santé de notre Johnny national, je vous rassure – et Gettin up – premier single de l’album – prolongent le plaisir de l’auditeur en adoptant certaines touches frôlant la pop à certains moments. Alors que The Renaissance regorge de trésors à l’image des titres précédemment cités mais aussi du groovy Official, le morceau Dance on Glass semble un cran en dessous. On peut imputer la baisse de régime de Q-Tip au trop long a capella qui débute ce titre assez court.

Cette revue en détail de la richesse de l’album semble toutefois trop brève pour en retranscrire toutes les qualités. Aussi bien le son, que les thèmes abordés à travers des textes très travaillés nous permettent de ranger The Renaissance dans la catégorie des classiques indispensables. La critique de l’album qui a pu être faite – par des journalistes américains notamment – sur l’absence de légitimité de Q-Tip à représenter la rue n’a aucun sens. Bien sûr, ce rappeur n’est pas le stéréotype du gangster visible sur tous les médias et on peut s’en réjouir. Acteur du passé, conscient de l’héritage qu’il incarne, Q-Tip a marqué les esprits en faisant bouger les B-Boys dans des temps anciens. La fougue caractéristique de la jeunesse n’est malheureusement pas éternelle. Si cette dernière s’est peut-être envolée, l’envie du MC de continuer à propager un message « Peace, Love, Unity and Having Fun » dans une ambiance soul/ jazz constitue l’essence même du Hip-Hop.

Aller plus loin :

Q-Tip (feat R. Saadiq) – We Fight / We Love

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