Après une décennie d’absence, The Apartments revenait à Paris pour un concert exceptionnel et privé le 22 juin dernier. En plus de pouvoir assister à ce moment unique sur un toit parisien, j’ai eu l’honneur et l’immense plaisir d’interviewer Peter Milton Walsh, grâce à Emmanuel Tellier, sans qui la rencontre n’aurait pu se faire. C’est donc à la fin du concert, dans une atmosphère détendue, que j’ai pu poser mes quelques questions à Peter.

Comment vous est venu le nom du groupe « The Apartments » ?
Ça vient de Billy Wilder. J’adore Billy Wilder, le réalisateur américain. L’un de ses films, avec Shirley MacLaine et Jack Lemmon, a pour titre « The Apartment ». Ce film est magnifique, très drôle et morose à la fois, c’est une sorte de « laugh story » ; un mélange de cynisme, de romantisme et d’amour.

Et qui a eu cette idée ?
C’est moi-même.

Il y a 21 ex-membres de votre groupe ? Pourquoi y a-t-il eu autant de changements ?
Et bien vous savez, les choses changent et évoluent très souvent. Les gens ont eu d’autres préoccupations, comme la drogue par exemple (rires). C’est très fréquent.

Et comment avez vous gérer ces changements ?
J’aurais peut être dû faire plus, essayer de garder une même ligne directrice plus longtemps mais je ne l’ai pas fait et je ne regrette pas. Parfois, vous restez dans un même groupe toute votre vie, vous composez, vous enregistrez, vous partez en tournée etc. et ça marche. Pour nous les choses ne se sont pas passées ainsi, mais c’est comme ça !

Vous arrive-t-il de rejouer avec certains d’entre eux ?
Oui, nous sommes restés amis pour certains. Lorsque j’ai donné mon concert à L’Européen, le batteur, qui est anglais, est venu jouer avec moi. C’est lui qui faisait les maracas et le tambourin.

Le groupe existe depuis maintenant 32 ans. Comment expliquez-vous sa longévité malgré l’absence de nouvelles régulières ?
Je ne saurais pas le dire. Je me contente d’écrire des chansons parce que j’aime ça depuis l’âge de 12 ans. J’aime beaucoup écrire et je pense que c’est tout.

Votre discographie est, elle aussi, en pointillés. Qu’est ce qui, à un moment ou à un autre vous donne envie de sortir un album ?
Tout dépend des maisons de disques. J’en ai eu de très bonnes, notamment un label français, mais j’ai vécu une histoire horrible avec l’une d’entre elles qui m’a mis dehors. C’est une histoire terrible. Lorsque j’étais chez chez Rough Trade, ils ont eu quelques problèmes, j’en étais probablement un moi aussi, et ça s’est arrêté.

Est-ce difficile pour vous de ne sélectionner que quelques chansons parmi celles que vous écrivez ? Comment choisissez-vous celles qui vont composer un album ?
C’est vraiment une question de feeling, il faut que les chansons aillent bien ensemble. Je travaille actuellement sur un album et je n’ai que 5 chansons, alors qu’il m’en faudrait au moins 12, je n’arrive pas à faire en sorte qu’elles sonnent bien ensemble. Il va falloir que j’en écrive d’autres, il y aura sûrement un déclic, c’est ma façon de travailler…

Dans votre premier album «  The Evening Visits », l’un des morceaux s’intitule « what’s the morning for », êtes vous un « homme de la nuit »… ?
Depuis que j’ai des enfants, je suis plutôt matinal. Il y a beaucoup de choses que je pouvais faire à l’époque que je ne peux plus faire aujourd’hui.

Alors vous êtes un homme de la nuit converti en matinal ?
Oui beaucoup plus matinal (rires) !

Et de manière générale, vos chansons reflètent-elles votre propre réalité, vos sentiments ou laissez-vous errer votre imagination?
En général, mes textes ont toujours un rapport avec moi, je ne suis pas particulièrement inventif. Je n’ai pas beaucoup d’imagination, d’ailleurs si j’en avais plus, je serai peut être un Tim Burton ou quelque chose comme ça (rires) !

Quand avez-vous commencé à faire de la musique ? Y’a-t-il des groupes qui vous ont particulièrement influencé ?
Non, c’est juste que j’aime faire de la musique. Comme beaucoup de personnes, j’adore ça. J’ai eu une guitare à l’âge de 12 ans et j’ai commencé à en jouer à ce moment là. Aujourd’hui je joue aussi du piano.

Il paraît que vous vouliez arrêter de faire de la musique jusqu’à ce qu’un ami vous encourage à continuer…
Et bien j’ai arrêté… Mon premier fils est décédé juste avant ses 4 ans et c’est pour cette raison que j’ai arrêté. Je ne voulais plus continuer. Emmanuel m’a contacté et m’a dit qu’il aimerait que je fasse des choses mais je n’avais envie de rien. D’autres personnes qui aimaient également ma musique voulaient que je continue, malgré mon renoncement. Et ils ne m’ont jamais abandonné…

Votre nouveau single « Black Ribbons » est téléchargeable gratuitement. Est-ce qu’il s’agit là d’une mise en bouche avant un album ?
Oui, oui oui, je l’espère ! « Black Ribbons » est un morceau que je chante avec Natasha Penot.

Il y a quelques mois, vous faisiez une mini-tournée, aujourd’hui vous êtes de retour pour ce concert privé, est-ce une sorte de come-back ?
Je ne saurais pas le dire, tout cela n’a pas été planifié. Emmanuel m’a contacté, il m’a dit que la revue Magic voulait me faire jouer. Il s’agissait de Paris, l’été, sur un toit… c’était difficile de dire non.

Un grand merci à Peter Milton Walsh pour sa disponibilité et à Emmanuel Tellier qui a organisé l’entretien.

Allez plus loin

• Le Myspace de The Apartments
• Notre article de Peter Milton Walsh à l’Européen, Novembre 2009

Sur Magic RPM, retrouvez:

• Une petite captation live « Chansons du Cinquième Étage » de The Apartments,
• une autre, toujours au Cinquième Étage,
• et une dernière, Goodbye Train.

Au premier regard, ces mystérieux Jazz Liberatorz semblaient tout droit venus d’Outre-Atlantique avec leurs sons jazzy à l’ancienne sur lesquels pose gaiement une belle brochette de pointures américaines telles que Mos Def, Aloe Blacc ou encore Buckshot. Détrompez-vous ! Ce trio de producteurs qui a su séduire les plus grands vient de … Meaux. Si la totalité de l’album se savoure avec délectation, le titre My Style Is Fly se démarque tant par la poésie de son instrumentale que par l’efficacité du flow du rappeur Fat Lip, ancien membre du groupe The Pharcyde.

A l’instar d’autres Frenchies qui connurent un certain succès aux Etats-Unis – on attend toujours avec impatience le retour des Get Large -, les Jazz Liberatorz semblent bien partis pour se tailler une belle part du gâteau hip hopien français et pourquoi pas américain.

« More wonderful than the lore of old men and the lore of books is the secret lore of ocean »

H.P. Lovecraft

Crédit Photo CC Flickr : Mathias Barbagallo

Flux qui m’a permis de découvrir et d’écouter, depuis ma chambre à Paris, Ballaké Sissoko et son associé pour cet album, le violoncelliste Vincent Ségal. Flux qui m’a permis de me téléporter instantanément pour un voyage sensoriel et métaphysique vers l’au-delà de l’âme. Un voyage par le corps. Chamber Music porte bien son nom, cet album est fait pour être écouté chez soi, dans les  tréfonds urbains d’une ville occidentale, afin de s’échapper pendant près d’une heure loin des soucis du quotidien au beau milieu de la faune africaine.

Cet album est un petit chef d’œuvre de composition et d’ambiance, un assortiment de douceurs, de talents et de finesses. Le plus incroyable avec Chamber Music, c’est qu’à la première écoute, Ballaké Sissoko a réussi à me faire complètement oublier qu’il s’agissait d’un son digital que j’étais en train d’écouter, parce qu’en fermant les yeux, je le sentais à côté de moi en train de manipuler sa kora, me berçant dans ma recherche de sommeil. C’est un album pour s’endormir, en effet, car la couleur, la chaleur, la facilité qui en ressort nous fait oublier toute notion de temps qui passe ou de titres distincts. Et pourtant il y a une véritable cohérence, une véritable évolution dans cet album, ceci n’est pas une errance, c’est un itinéraire dans les sonorités, avec étapes de nuit dans différents petits villages et vallons africains, constituées par les dix titres de l’album. Je trouve ainsi formidable cet effet qui rend impossible au premier abord la différenciation entre un titre et un autre, mais qui, après écoute attentive nous révèle la particularité et l’univers de chacun, pour en arriver à des ambiances aussi distanciées que l’aurore de Houdesti et la crépusculaire Histoire de Molly.

Pour conclure, je ne peux que vous inciter à brancher votre sonotone sur Chamber Music, lors d’une interminable soirée d’été, seul ou en compagnie de vos proches, en lisant un bon gros bouquin ou simplement en fond pour accompagner vos discussions qui pourront alors presque revêtir la forme d’un conte ou d’une légende.

Pour aller plus loin

• L’album sur Spotify, Deezer.
• Le reportage de Jav’ au festival Jazz Sous les Pommiers
• Le myspace de Ballaké

Évidemment, je n’allais vous infliger le sempiternel morceau de U2 qui est tant populaire que ça en devient insupportable. En revanche j’ai pensé au trop peu connu titre éponyme de John & Yoko, et dans le même ordre d’idée post-Beatles on citera aussi le tout aussi bon Give Ireland Back To The Irish par The Wings. Mais mon goût pour l’art de la reprise m’a ramené vers U2, je rappelle donc celle de Richard Cheese que le Dr Javnaire vous avait déjà fait découvrir auparavant sur BTS. Mais mon choix s’est porté sur un quatrième morceau, lui aussi une reprise du trop mythique titre de U2.

Hier, mon sonotone a été miraculeusement attiré par le nom de Ba Cissoko que je n’avais me semblait-il jamais croisé auparavant. Sans avoir la moindre idée de ce que à quoi je devais m’attendre, j’ai écouté sa reprise sans préjugés, ce qui est assez rare pour être terriblement agréable. Et mon souffle s’est coupé, tout simplement. Mis à terre par le talent de la reprise, j’ai immédiatement et fébrilement fait des recherches sur cet artiste, pour découvrir qu’il était plus connu sous le nom de Ballaké Sissoko, et qu’il était de surcroît largement apprécié parmi plusieurs la rédaction de BTS. Summum de l’heureuse coïncidence, Nao a chroniqué aujourd’hui même son plus récent album, procurant à BTS une double dose bien mérité de ce talentueux artiste. Sans honte, je cite directement mon collègue qui a eu le même sentiment que moi : « à la première écoute, Ballaké Sissoko a réussi à me faire complètement oublier qu’il s’agissait d’un son digital que j’étais en train d’écouter, parce qu’en fermant les yeux, je le sentais à côté de moi en train de manipuler sa kora, me berçant dans ma recherche de sommeil « .

On veut plus !

• Écouter In The Name of Love, l’album dont est tiré le morceau de Ballaké Sissoko : une compilation de reprises de U2 par divers artistes africains.
• Écouter la reprise du morceau de John Lennon par The Wolf Tones, habilement suggérée par Theobald Théodore.

Avec son look décalé, Ben L’oncle Soul débarque tout droit des sixties pour reprendre des titres contemporains de genres musicaux divers et variés – ses reprises de Crazy de Gnarls Barkley et Seven Nation Army des White Stripes ont déjà fait un tabac – à la manière des plus grands crooners soul. Le succès est au rendez-vous, les médias s’y intéressent de près et sa participation au titre A mi-chemin d’Hocus Pocus témoigne de son ascension fulgurante sur la scène française.

Si Ben L’oncle Soul ne semble pas manquer d’audace, ce n’est pas le titre Barbie Girl qui va venir me contredire. Notre vendeur de lessive a ni plus ni moins repris le tube acidulé du groupe danois Aqua en lui donnant une dimension soul que personne n’aurait pu imaginer. Une voix sortie de nulle part, un piano aux relents nostalgiques: la recette fonctionne à merveille et nous renvoie aux plus grandes heures de la musique afro-américaine.

Selon certaines études, les Danois seraient le peuple le plus heureux du monde. Je n’ai aucune idée du bien-fondé scientifique de ce genre d’affirmation, mais l’écoute de ce long format m’a conforté dans ce sentiment. La pochette de Take it respire la sérénité et annonce parfaitement la douceur et l’insouciance mélodieuse distillée par ces jeunes danois. On y voit un sous-bois fleurant la fin d’après-midi, les champignons et la mousse séchée, éclairé d’une jolie corolle de cheveux blonds au milieu des halliers.

Comme de nos jours, il faut tout cataloguer (sic), je vais essayer de trouver un qualificatif à la musique des Elephants. Fuzz-Folk semble être un terme approprié, tant ces fragiles accords caressés m’évoquent les plus belles heures du célèbre collectif Elephant 6 (le nom du groupe serait-il un clin d’œil ?). En effet, il flotte ici un parfum désuet d’Apple (In Stereo) et de Neutral Milk Hotel, que répandent aisément quelques cuivres épars, et autres guitares aux mélodies alanguies et inattendues.

Mais The Elephants saupoudrent aussi leurs mélodies d’une pop fine et délicate, évoquant les chaudes envolées de Jens Lekman, dont la voix du chanteur est par ailleurs très proche. L’album forme un tout homogène, un amoncellement pastel rappelant parfois l’incertitude bricolo d’un Seabear qu’on aurait réveillé. Mêlant la clarté du glockenspiel, les fuyantes voix des trompettes, et parfois même quelques pirouettes électroniques, Take it témoigne d’une impressionnante maîtrise orchestrale.

Vous allez me dire que la recette est connue, et que l’album risque vite de tourner en rond. Pourtant, on se prend vite au jeu, et l’on rentre dans ces buissons danois pour s’y sentir vraiment bien. Jouissant de cet étrange plaisir que l’on a à rester dissimulé lors d’une longue partie de cache-cache. Parfois mélancolique, assombri, mais souvent chaleureux, cet album de canapé communique une agréable douceur de vivre, sans jamais ennuyer.

Alternant charmantes ballades (Eva), et ritournelles plus pêchues, comme le single Take it ! ou le conclusif What Happened ?, l’album repose sur une clé de voute, Turtle Strugle, une longue montée extatique parsemée de gimmicks digne du Postal Service, et d’une guitare fuzz dansante.

Si sur l’album précédent, nos doux pachydermes semblaient avoir du mal à se détacher de leurs influences, ils nous livrent là un joli disque ensoleillé de fuzzpop de chambre, à écouter en pique-niquant. Voilà donc un groupe prometteur qu’il faudra suivre de près.

Aller plus loin

• L’album sur Spotify
• Le Myspace du groupe
• Le clip de Take It:

Ramona Falls c’est fait connaitre en 2009 avec Intuit, album comptant probablement parmi les derniers disques indispensables de cette première décennie. Aussi, nous ne nous sommes pas privés de le souligner, le groupe est arrivé en tête du Top Des Blogueurs…

La chanson seule est déjà sublime, mêlant une instrumentation sinueuse à un parcourt vocal excitant. Le clip colle parfaitement: une histoire un peu absurde, un rythme irréel et une passion qu’incarne ce romantisme troublant que Ramona Falls cultive avec juste mesure.

Louis Pasteur a découvert le vaccin contre la rage en partie par hasard, en laissant traîner des cultures de diverses bactéries et autres bacilles alors qu’il allait se dorer la pilule en vacances (ou à un quelconque congrès de grosses têtes de l’époque).

On peut donc faire de grandes découvertes par hasard.

J’ai découvert Budam, dont la voix (puissante, belle, stridente, écorchée – pas de mention inutile) résonne depuis les Îles Féroé, en tapant le nom de mon chien sur Deezer, un soir de (profond, très profond) ennui et de vide musical intense.

Eh bien, oui, je le répète, on peut faire de grandes découvertes en laissant faire le hasard.

Dans ma bibliothèque musicale, Budam est un OMNI (Objet Musical Non Identifié), et il est probablement une de mes plus belles découvertes de la décennie passée (2000-2010 si vous me suivez). Il a rendu chèvre les vendeurs de tous les disquaires de mon rayon d’action, parce que le premier album de Budam, Stories of Demons, Angels, Lovers and Murderers, est introuvable et c’est honteux, car Budam est incroyable. Il chante comme un acteur, écrit comme un conteur. Et curieusement, cet excès permanent dans l’interprétation, cet univers et ce timbre de voix si particulier, tout est charmant. Quand Budam en fait des caisses, on a l’impression qu’il brode au point de croix, c’est fabuleux. Et en plus d’être un compositeur, un interprète, et un personnage hors-norme, il parle de musique, de religion, et de la vie d’artiste d’une façon qui donne envie de se caler le menton dans le creux de la main et de l’écouter sagement pendant des heures, comme Alice au Pays des Merveilles devant la chenille bleue qui fume un drôle de narghileh. Il a accepté de répondre à quelques questions, pour mon plus grand bonheur, avec le ton mi-sage, mi-mystique, mi-énigmatique (oui, ça fait trois moitiés, non, rien ne me fait peur) qui le caractérise.

(Cette interview a été réalisée en anglais et a donc été traduite. Pour ceux qui préféreraient la Version Originale, dans la langue de Shakespeare, Mickey Mouse et Steve Jobs, rendez-vous ici).

Pour commencer, comment vous définiriez-vous, musicalement parlant?

J’essaie d’être ouvert à tous les types de musique. Écouter et jouer différents  genres me donne une certaine polyvalence en tant que compositeur et interprète.

En ce qui concerne l’interprétation, j’ai de l’expérience dans le théâtre. J’ai été élevé dans une famille d’acteurs. Mon enfance a été pleine de folie et de mélodrame. Ça m’a beaucoup inspiré. Plus généralement, être ouvert aux imprévus de la  vie est ce qui fait de moi l’artiste que je suis.

Quand j’ai écouté votre musique pour la première fois, j’ai été émerveillée parce qu’elle ne ressemblait à rien que j’avais déjà entendu. Mais quand même, vous devez avoir quelques inspirations ? Quelques musiciens qui vous auraient donné envie d’en être un ?

Il y a énormément de musiciens que j’admire. Tout d’abord, la musique de mon album Stories of Devils, Angels, Lovers and Murderers est inspirée de multiples façons de Tom Waits et de Nick Cave. C’est chez ces deux fantastiques artistes que j’ai trouvé le type d’interprétation que je voulais réaliser en tant qu’artiste. Mais j’ai aussi été inspiré par tant d’autres « grands » : Leonard Cohen, Neil Young, Björk, John Coltrane, Miles Davis, Beethoven, Maria Callas… et ainsi de suite.

Si je devais vous résumer en une phrase, je dirais : “La littérature a la Fantasy, la musique a Budam”. Que pensez-vous du fait que je vous considère comme l’équivalent musical de la Fantasy ?

Votre question est merveilleusement abstraite, donc je suppose que ma réponse devrait l’être aussi. Si la lumière de la Lune est en réalité celle du Soleil, alors pourquoi fermons-nous les yeux ?

J’ai entendu dire que vous avez été élevé par un conteur et une actrice. Votre écriture montre combien vous êtes doué pour raconter des histoires, et votre façon de chanter reflète un vrai talent d’acteur. Est-ce que vous avez en quelque sorte choisi de suivre la voie de vos parents ou est-ce plutôt une influence plus inconsciente, voire freudienne ?

D’une certaine façon, je n’ai pas vraiment eu le choix, en ce qui concerne ma vie d’artiste. Comme je l’ai dit plus tôt, mon enfance tout entière a tourné autour du théâtre. Je ne savais pas qu’il existait quelque chose d’autre.

Parlant de raconter des histoires, vous pouvez me raconter celle de votre album?

La plupart des morceaux de mon premier album a été composée dans un petit cottage en haut des montagnes andalouses, où j’ai vécu en ermite pendant cinq mois. J’avais pour seule compagnie un chien errant, à l’occasion, une araignée sur le mur, le soleil et la lune, mes pensées et mon ordinateur. Je n’avais pas prévu de faire un disque, je ne voulais pas faire un disque, les chansons me sont juste venues, l’une après l’autre, et il n’y avait rien que je puisse faire contre ça.

Qui est la dame avec une jolie voix qui vous accompagne sur Gabriel’s song, The Yoni, et Do that thing?

Il y a en réalité deux charmantes dames. L’une est une célèbre chanteuse Férouèse, Eivor, et l’autre est Ása Wraae.

Sérieusement, comment avez-vous pu concevoir une chanson comme The Yoni (chanson à écouter ici, en écoutant attentivement les paroles, sans rougir) ? Elle est si osée et subtile à la fois…

Je voulais écrire une chanson à propos de l’endroit le plus merveilleux de la Terre.

Plus généralement, où trouvez-vous votre inspiration et comment avez-vous réussi à créer un univers aussi special?

Les histoires et les chansons que j’écris viennent toutes de la vie quotidienne. Un artiste est souvent quelqu’un qui n’est pas très doué pour vivre, mais doué pour observer. Ce qu’il observe, c’est la vie de tous les jours. Mais, comme il trouve que la vie de tous les jours est ennuyeuse, il essaye désespérément d’en faire quelque chose de moins ennuyeux : de l’art. Bien sûr, il n’y parvient que très rarement.

“Balthazar and the Angel”, “Gabriel’s song”… Avez-vous fait exprès d’inclure plusieurs références bibliques dans vos chansons?

Pour moi, les religions (les dieux, les écritures, les livres, les hymnes, les rituels, les histoires, les mythes et caetera) sont des produits de la créativité humaine. La religion est créée par des artistes, des écrivains, des peintes, des musiciens et des interprètes, qui trouvent tous la vie de tous les jours ennuyeuse.

Quels sont vos projets pour le moment?

En ce moment je travaille sur mon deuxième album. Il s’appellera Man, et c’est un album concept. Il explore quatre grands aspects de la vie humaine : la nature, Dieu, l’amour, et la mort. Ce sera un des plus grands albums jamais entendus, donc je suis très enthousiaste.

Je travaille aussi sur une pièce de théâtre. Elle sera jouée le 13 octobre cette année au festival Les Boréales à Caen. Ça aussi, c’est très excitant.

Et puis, d’autres projets en rapport avec le théâtre.

Pour aller plus loin, je ne peux que vous conseiller de courir écouter le premier album de Budam sur Spotify ou sur Deezer, ou de vous rendre sur son Myspace, et d’écouter, quand il sortira, son deuxième album Man, dont vous aurez sans doute des nouvelles par ici.

Le prélude inaugure une montée sonore qui exprime un tumulte au loin, les voitures se mêlent et parviennent à la BQE. Une fanfare accueille cette équipée automobile. Le premier mouvement démarre : un piano à la Debussy, des cordes frémissantes. Une autoroute peut-elle être aussi belle ? C’est l’aube et son soleil se drape sur le bitume (Movement I : In the Countenance of King), les premiers véhicules s’affairent, quelques uns osent des klaxons qui dansent pour se réveiller de leur nuit de prolétaires (Movement II : Spleeping invaders). Premier interlude, ritournelle cinématographique à la John Williams. La route s’est vidée, elle est aux insectes volants (Dream Sequence in subi circumnavigation). On se disperse et en voluptueuses valses se lancent les moteurs de l’heure de pointe (Movement III : Linear Tableau with Intersecting Surprise) et là, oh oui surprise, et magnifique, le trafic explose et balance dans l’atmosphère new-yorkaise les vrombissements orgasmiques et électroniques  de la vie urbaine (Movement IV : Traffic Shock), Terry Riley fait de l’électronica : old school et jouissif. L’après-midi se dessine sur l’expressway (Movement V: Self-Organizing Emergent Patterns), les motifs précédents se prêtent au jeu des thèmes et variations et se muent en fanfare circa Gershwin et balancent sans complexe un siècle de musique américaine. Thema con variazoni toujours pour deux charmants petits interludes dans lesquelles de légères et rondes flutes courent parmi les mosaïques pressées des cuivres (Interlude II : Subi Power Waltz & Interlude III: Invisible Accidents).

Le crépusucule, comme dans un dessin animé, les voitures se mettent à danser sous les étoiles, leurs roues se cabrent et les pare-chocs s’embrassent dans une joyeuse communion (Movement VI—Isorhythmic Night Dance with Interchanges).

La nuit ! Dangereuse, plus mystérieuse que mille Mulholland Drive, en tout cas plus cartoonesque, plus burlesque, la Brooklyn-Queens Expressway s’épaissit de lumières divines pour briller sous ses propres feux titanesques (Movement VII (Finale): The Emperor of Centrifuge). Cela se passe tous les jours sur la Brooklyn-Queens Expressway. C’est le patrimoine de ceux qui n’en ont pas ou peu (Postlude: Critical Mass).

The BQE, C’est de la symphonie pour asphalte et vieux gasoil. Ça fonctionne mais parfois ça fait pschit, ça fanfaronne mais souvent ça fait cheap.  A trop chercher la qualité, et pour sûr elle est bien présente, il manque une once de véritable spontanéité. Sufjan Stevens n’épargne aucun poncifs en convoquant les grands moments de la musique pour orchestre américaine. Si la première écoute est foncièrement agréable et surprenante, si un sentiment d’exaltation se produit d’abord, c’est malheureusement pour ensuite mieux s’affaisser et laisser place à une certaine déception. Une déception particulière car elle ne provient pas d’une attente préalable d’une écoute mais s’opère a posteriori de la première écoute. C’est comme un malabar plein de promesses avec ses gouts de « fraises » et de « citrons » qui explosent en bouche pour disparaitre tout à fait après quelques minutes. On note aussi que la construction de l’œuvre laisse parfois à désirer, si certaines transitions sont plaisantes (comme celle entre le mouvement III et IV), on a du mal à juger de la cohérence pour d’autres, mis à part la reprise du même thème dans les différents mouvements de la seconde partie du disque.

Bon, c’est le meilleur malabar que j’ai jamais bouffé mais comme pour tous les autres, sa saveur disparait bien vite.

On The Road

Un petit trailer du film

Again

• Le site officiel de Sufjan Steven qui redirige sur son label (intelligent…) ou son Myspace.
• La page officielle sur The BQE où vous pouvez procurer le disque en l’achetant (même si c’est un acte qu’est plus à la mode).
• Le billet de Pirhoo sur le mouvement VI.

Note : les photos qui illustrent l’article proviennent de Flickr et sont placées sous licence Creative Commons. Placez votre curseur sur la photo pour connaitre son auteur.