Le quatuor qui rassemble depuis bientôt 10 ans Crazy B, Little Mike, DJ Need et DJ Pone sous ce nom (avant 2002, ils formaient déjà le collectif Scratch Action Hero à eux quatre) a effectivement fait hier soir une halte à Paris, au milieu de son petit tour de France et de Navarre (jusqu’à la Chine en fait) pour le Defiant Order Tour, qui fait la promotion de leur album sorti le 19 septembre dernier. Et dans la capitale, l’accueil est joyeux, le public est ravi. On passera sur les quelques blagues vaseuses que l’on peut entendre au détour des conversations à propos de l’éclat assez mal jugulé lundi dernier sur facebook (résumé rapidement ici). Ce qui marque dès le début de la prestation, c’est surtout l’incapacité dans laquelle se trouvent ceux assis dans les gradins à rester sur leurs sièges plus de cinq minutes.

Effectivement, l’attaque est violente : Lil’ Mike salue rapidement Paris au nom de ses acolytes, un Paris qui est bruyant. Jaded Future, épique, ouvre alors les hostilités, magistrale entrée en matière. Impossible de ne pas réagir, même pour les éventuels néophytes, entendre les morceaux phares du nouvel album joués avec autant de conviction n’étant rien de moins qu’une injection d’adrénaline à haute dose. L’enchaînement se met en place, on alterne entre les succès déjà avérés, notamment de Manual for Successful Rioting, comme un Trans Boulogne Express qui a bien du atteindre les huit ou neuf minutes – à moins que ce ne soit que dans ma tête – et les titres de Defiant Order qui sont encore en phase de rodage et qui, à l’instar de Big City Knights, passent très bien l’exercice. Cadillac Dreams permet de se reposer un peu.

On a le droit à une jolie montée sur Parachute Ending, un truc qui remet toute la fosse du Zénith en nage, tandis que Defiant Order, extrêmement attendu, interdit tout ralentissement de cadence. Et au milieu de cet éblouissant assemblage – j’ai décidé de m’autoriser les superlatifs les plus exubérants, parce qu’il y a quand même un monde entre la simple écoute de Defiant Order et son expérience en live -, Lil’ Mike change de T-Shirt et nous annonce un hommage à DJ Mehdi (je ne parle pas du changement de T-shirt pour le plaisir de rajouter des lignes, mais parce que celui qu’il porte après, c’est celui-ci). Nous sommes donc gratifiés d’un Gare du Nord de Carte Blanche qui ne laisse sûrement pas le temps de pleurer l’homme, trop occupés que nous sommes à célébrer ses réussites. Le public est survolté.

Evidemment, ce cher public – moi incluse – ne supportera pas l’affront que représentera quelques temps plus tard le départ du groupe. Celui-ci y gagne un double rappel. Finalement, c’est sur un Abbesses un peu plus calme que ce à quoi l’on aurait pu s’attendre que l’on termine. Cela n’empêche pas le fait que les quatre ont l’air heureux d’être là. Nous aussi, nous sommes heureux.

(Bon, au delà de mes conclusions totalement jetées, et si jamais ça vous intéressait, le site officiel est là, et l’écoute de Defiant Order ici.)

Crédits photo : Olivier Hoffschir

Une bambouseraie du sud Tibet à l’heure où le soleil nimbe de ses premiers rais les feuilles de jade. Les tiges compactes au pied desquelles serpente la mousse.

Un léger souffle fait bruisser la forêt – ou serait-ce le souffle chaud d’un jeune moine dans une flûte de pan ? : non, ce sont les premières notes de « You » de Gold Panda !

L’animal majestueux, ici recouvert d’une pellicule étincelante, fait son tai-chi au son du gong de Bouddha.

Un demi-tour : et le rêve s’effondre ! C’est juste un jeune dj londonien de 31 ans pour qui le Japon est comme une seconde maison. Gold Panda n’en est pas à son premier fait d’arme, et son électro est une invitation à l’escapade asiatique.

Le souci du détail, maniérisme inspiré de la micro-music, est ici au service d’une ambiance voluptueuse, quasi zen. Et c’est avec une belle dextérité que le jeune shaolin fait passer pour un léger thé de Chine ce qui, en fait, est un bon gros Tetley aux volutes dubstep.

A savourer calmement après une soupe disco ou un bon bol de riffs.

Poursuivre son tai-chi :

- le site de Gold Panda et son myspace.

- sa discographie sur spotify et deezer.

Aloe Blacc a deux masters : un en communication, l’autre en psycholinguistique. Le lendemain de chaque concert, il regarde les vidéos du show de la veille pour perfectionner un peu plus celui à venir. Il est l’auteur d’un des plus grands succès musicaux de l’année 2010 avec « I Need A Dollar », tube soul et engagé. Intelligent, professionnel et inspiré, Aloe Blacc a tout pour être une star. Alors, quand il est arrivé sur scène ce mercredi 16 mars, engoncé dans sa classe – chemise pourpre et gilet argenté –, rien ne semblait lui résister.

Seulement, il manque encore un petit quelque chose au jeune homme pour venir titiller les grands noms de ce monde fermé et sélectif qu’est la soul music. Pas assez personnelles, pas assez innovantes, pas assez mûres, les productions du Aloe Blacc version Good Things résistent mal à la puissance de son titre phare.

Il y a dans les chansons soul d’Aloe Blacc un côté formaté, presque commercial, que même le live n’éclipse pas. Le tout est de bonne facture, bien pensé, bien rythmé, agréablement enrobé… mais après une petite demi-heure, ça commence à tourner en rond. Il manque, en fait, une petite pointe de piment, un soupçon de génie, de surprise, pour que le tout s’enflamme et prenne la teinte si flamboyante d’un « Mr. Pitiful », ou d’un « Sexual Healing ». Mais puisque le garçon vient de se lancer dans un nouveau style musical, abandonnant un hip-hop pourtant très, voire plus, prometteur, on peut penser qu’il a encore besoin d’un peu de temps pour prendre toute la mesure de ce que maître de la soul veut vraiment dire.

Malheureusement donc, tout tourne autour de ce fameux dollar sans jamais réussir à le dépasser. J’en veux pour preuve la surprenante conclusion du set sur une reprise du titre phare. Mais ça, c’est aussi le problème des phénomènes de mode : le public n’est là que pour un titre, et tant qu’il ne l’a pas il l’attend ; puis quand il l’a eu, eh bien… il n’attend plus grand-chose.

Or, c’est à ce moment précis que toute l’étendue du talent d’Aloe Blacc se dévoile – car il est grand, ne vous détrompez pas sur mes propos. Sa science du rythme, son altruisme, le mystère de son sourire voilé par le chapeau noir, sa voix chaude et sa capacité bluffante à improviser dévoilent un artiste bien plus complet et profond que ces titres du soir ne le laissent entendre. C’est dans la difficulté, face au manque de réaction de la salle, que l’on découvre le vrai Aloe Blacc. A mi-chemin entre le flow sincère de Shine Through et la classe désinvolte mais talentueuse de Good Things se tient un artiste complexe – flambeur profondément humain, jeune homme en quête d’un style, étoile filante qui pose sur la société américaine un regard sans fard.

Mais ce personnage ne sort pas encore pleinement de la coquille qui l’enserre. Il avait trouvé une ouverture, malheureusement pas assez grande, dans le hip-hop. La nouvelle tentative soul ne démérite pas, mais si la tête passe, ce sont les épaules qui coincent encore. Aloe Blacc dévoilait récemment qu’il rêvait de changer de style musical à chaque album. Comme si tout n’était que la recherche d’un univers assez large pour que le corps entier de l’artiste puisse enfin se lever sur l’autel de la sincérité.

Espérons donc qu’Aloe Blacc saura un jour faire la synthèse de ce qu’il est pour se livrer enfin comme le grand Monsieur qu’il promet d’être.

A contre-temps : le contrepied de Pierro

Si je rejoins le point de vue de Dr. Javnaire sur le côté encore un peu léger du sex-symbol Blacc, cela ne m’a pas empêché de passer un excellent concert, tout particulièrement lorsque Aloe et son groupe ont invité le public à chanter avec eux, à rentrer dans leur « Church of love and happiness » ou encore à se déhancher voluptueusement dans un corridor humain (le fameux « Soul Train »).

Mais il est vrai qu’il manque encore un peu un côté épicé et punchy : la faute peut-être à une composition exclusivement masculine du groupe ? Ainsi quand la première partie et acolyte du dollar-boy Maya Jupiter débarque sur scène avec son flow incisif et sexy pour deux trois featurings bien sentis, l’ambiance change radicalement, moite et électrique, comme si l’élément manquant, une femme, était enfin là pour faire monter la sauce.

Car Aloe Blacc et son band ne sont jamais aussi bons que lorsqu’ils sortent des formats type albums. L’impro balancée au rappel avec un public qui donne le rythme à un BPM saisissant est une apothéose qui met le sourire au lèvre : les larrons sur scène s’éclatent totalement et montrent qu’ils sont capables d’aller chercher encore plus loin l’extase en montant, montant, montaaaant vers un climax attendu tout le concert. En tout cas, le futur s’annonce prometteur pour le trentenaire au chapeau : qui vivra Aloe verra !

Crédit photo : Aurèle Nourisson.

Stay on the scene, like a sex machine :

-le site officiel d’Aloe Blacc et celui de Maya Jupiter

- Good Things (2010) sur deezer et spotify

- Shine Through (2006) sur deezer et spotify

- le site du Confort Moderne

- les autres concerts suivis au Confort Moderne par BTS

Pourtant, les Da Brasilians viennent de Saint-Lô, dans la Manche. Comme quoi, les sens sont trompeurs (qu’aurait dit Condillac ?) et les univers musicaux, eux, s’entremêlent à merveille quand il s’agit de brouiller les pistes.

Leur premier album, sorti l’année dernière, fait suite à leur éclosion tardive (ils se sont crées en 1999) sur le CQFD des Inrocks. Leur son très seventies, s’apparentant parfois presque à du Neil Young, serait une petite praline fondant sur le bout de la langue s’il devait se manger. Au toucher, ce serait une moquette pourpre aux poils longs, vraiment très longs, dans laquelle on viendrait s’ébattre comme si c’était des hautes herbes reverdies depuis peu par les giboulées de Mars.

Mais je m’égare !

Da Da Da :

- le myspace du groupe

-leur album éponyme sur deezer et spotify

Le 17 février dernier, le Confort Moderne de Poitiers accueillait le temps d’une soirée l’une des auteurs-compositeurs folk les plus en vue des Etats-Unis. L’occasion pour Branche Ton Sonotone de partir à la découverte des grands espaces qui composent son univers musical.

Quand l’Oreille Est Hardie #6 : Laura Veirs.

Laura Veirs n’est pas née de la dernière pluie. Elle a ce regard profond et soutenu derrière lequel se cache souvent un esprit vif. Elle n’est venue à la musique qu’assez tard, presque par hasard, après de longues études de géologie et de mandarin dans le Minnesota. Lors de l’un de ses premiers emplois, une expédition géologique en Chine, Laura s’ennuyait. « J’avais emmené une petite guitare dans mes bagages. J’ai commencé à écrire des chansons juste pour passer le temps… Et puis, je me suis prise au jeu. »

Quelques années passent ; deux ou trois albums la lancent tranquillement sur la rampe du succès. Avec Carbon Glacier en 2004, elle donne enfin l’impression d’avoir trouvé ses marques, d’être en accord avec son style. Years Of Meteor (2005) et Saltbreakers (2006) installent, sans trop de remous, la jeune fille de Colorado Springs dans le paysage folk américain. Produite par son mari, Tucker Martin, le producteur de Sufjan Stevens, R.E.M et The Decemberists, c’est sans peine qu’elle décroche dates et couverture médiatique.

Et puis, à la fin du mois de juillet 2008, l’inspiration pour un septième album lui tombe dessus au beau milieu d’un marché, sur un étal de fruit : « J’ai vu le nom de cette pêche [July Flame] et j’ai pensé que ça ferait un bon titre de chanson. Notamment parce que ça m’évoquait des tas de choses. Pour moi, à cet instant, ça sonnait vraiment comme de la poésie. Et puis, à mesure que j’écrivais d’autres pistes pour l’album, je me suis rendu compte que ce titre irait parfaitement à l’album dans son ensemble. »

De fait, July Flame, sorti l’année dernière, a la saveur estivale d’un fruit juteux. Il regorge de métaphores sucrées et d’ambiances duveteuses. Tout en cet album invoque nature et paysages. « Je vis à Portland, mais j’ai le sentiment que la nature nous englobe entièrement, même si l’on habite en ville. Il y reste encore le soleil, la pluie, les arbres. On peut trouver la nature où que l’on aille. Et, au fond, c’est de ça dont j’essaie de parler. » Mais July Flame, comme son nom l’indique est aussi un album qui se veut incandescent : on y retrouve « la flamme du brasier, de la fumée et de la guerre » ; on y perçoit le feu de l’été, celui « de la chaleur et de la pollinisation » ; on en ressort, enfin, envahi d’allusions intenses et intimes à la fièvre « des passions et de l’amour ».

Justement, Laura Veirs vient d’être maman. Chamboulée par l’arrivée de ce nouveau-venu, elle relativise déjà sa relation à l’art : « Je suis vraiment très occupée par lui. Du coup, je n’écris pas autant que je le souhaiterais. Mais déjà, je sens que je suis plus relaxée dans mon approche de la musique. J’ai maintenant le sentiment que la musique ne représente plus tout pour moi, qu’il y a désormais quelque chose de plus grand, de plus fort. J’essaie juste de profiter de la musique, et de profiter de lui, et de réussir à combiner les deux. » Par extension, sa prestation scénique est en demi-teinte. Pas totalement dedans, ne cherchant pas à captiver son public, l’Américaine joue bien, nous fait voyager, mais ne dégage pas assez pour que se recrée l’univers si particulier de son dernier album. Malgré la belle pêche savoureuse promise par July Flame, le spectateur reste sur sa faim.

Mais, déjà tournée vers de nouveaux horizons, la chanteuse ne compte pas en rester là : « Je veux continuer à creuser cette musique simple et élaborée que je tiens depuis maintenant quelques années. » Quant à savoir ce à quoi elle aspire, rien de bien surprenant : « Faire encore une dizaine d’albums de qualité, avoir une famille, une belle carrière et pouvoir aider mes proches. » La critique, elle, le lui rend bien : Laura Veirs est arrivée, en décembre dernier, à la dixième place du classement de la NPR (National Public Radio) des meilleurs songwriters américains de l’année. Juste derrière Neil Young et Arcade Fire.

Alors, en attendant de savoir ce que lui réserve véritablement l’avenir, laissons faire Mère Nature.

Abandonner tout espoir de fruit :

• le site de Laura Veirs
• July Flame sur spotify et deezer
• le site du Confort Moderne
• les 5 premiers numéros de « Quand l’Oreille Est Hardie » sur BTS.

Première impression – certes paradoxale – à l’écoute de ce long-format, cette disco-là ne se danse pas. Plus capiteuse et organique que le commun des sèches extrapolations auxquelles on avait pu être habitués de ce coté là, les deux danois sont plus orienté couch-music que dancefloor. Attention cependant, rien d’ennuyeux ou de rédhibitoire de ce côté, au contraire. La musique des deux danois est un véritable vivier musical, foisonnant d’expérimentations. Alternant des montées fiévreuses (la monumentale Stars) et des chœurs d’un kitsch délicieusement à-propos, les clins d’oeil balearic d’un surprenant bon goût, et les ballades vocodées (something in the wind), Visti & Meyland emballe souvent, agace parfois (ou devrait-on dire rarement).

Malgré la durée relativement longue de la galette (plus d’une heure de musique), les variations ne gênent pas et l’ensemble s’avère étonnement homogène. Cet album est résolument psychédélique, dans son plus pur sens hallucinatoire, en témoigne la pochette éthérée giclée d’une purple haze liquide, que ne renieraient pour rien au monde les grands noms du prog-tock d’antan. Loin des martèlements grossiers et saturés des traditionnelles productions du disco-revival, cette sortie brasse large et elargit les horizon d’un genre en devenir.

V&M, avec cette exaltation sonore, nous offre son plus crâne argument et son plus flagrant défaut. Du bijou baroque à la bouillie rococo, la ligne est ténue.

Écoutez « Stars »

Pour aller plus loin…

• La chronique des Oreilles Dans Babylone
• Leur page Facebook

« Undiscovered Colors ». La première minute est longue quand même. Y’a du violon et du piano. Mais y’a pas de guitare, ça me frustre. Je vais surement craquer pour aller rejeter mon ennui contracté au cours de cette longue minute sur du Foy Vance. ALEEERTE ! Y’a du violoncelle. Tiens autour de 1 :30 ça bouge. Tiens, le refrain est arrivé. Tiens, c’est tout à fait génial. Ce mélange électronico-génialissime sonne à mes oreilles comme une révélation.

J’ai fait deux ans de solfège et j’ai toujours du mal pour définir une musique, mais je vais quand même jouer au jeu dangereux du genre musical. Ce premier morceau, je le définirais comme robotico-classique. Je sais ça ne veut rien dire. J’vais donc le faire à ma manière. Ce que j’ai grandement apprécié dans ce titre révélation, c’est cette espèce d’éveil, pendant cette « longue » minute, pour exploser avec ces sons métalliques qui s’entrechoquent avec la douceur des cordes, pour redescendre doucement avec des bribes du violon retrouvé après toute cette excitation électronique.

Pour le second titre, c’est la guitare électrique qui me fait vibrer. On arrive à l’apercevoir, elle fait son bout de chemin entre ce rythme et ces sonorités bien loin d’être acoustiques. Et pourtant, j’aime. Je sais pas encore pourquoi. Je viens de la Folk, un univers ou le bois est traité par leurs musiciens comme Jésus par ses fidèles, ou l’électronique n’est que très peu présent, et ou l’électrique se fait rare. Or là, pour ce qui est des deux choses précédemment citées, je suis servi. Puis « Meadow Crush » arrive. Je ne sais même plus comment sont faits ces sons, tout ce que je sais c’est que l’instrument avec lesquels ils ont été faits n’est pas en bois et ça ne me gêne pas le moins du monde.

Puis les titres défilent, à mesure que je fais défiler les pages sur Internet, cette musique m’accompagne partout où je vogue. Je pars du principe que j’aime un album soit quand j’ai le coup de cœur comme on dit, soit quand j’ai tout écouté sans y faire attention, comme si c’était naturel de l’avoir dans les oreilles. Je me remets à l’écouter, et encore. Et au fur et à mesure je comprends, avec l’enchainement des accords, un rythme, comment j’ai pu apprécier la bête. Avec Arboreal, c’est ce mélange entre douceur et … je trouve pas le mot. C’est ni agressif, ni violent, loin de là. Et le dernier morceau, « Tomorrow Untrodden » me le confirme, avec ses lignes de violons dignes d’un titre du Seigneur des Anneaux ou autre épopée mythique. J’aurais dû m’en douter, j’avais aimé quelques titres de Ronald Jenkees, et un album entier de Saycet. Me manquait plus que ce magnifique album, à mes yeux, de The Flashbulb pour activer l’envie d’en connaitre bien plus sur ce style musical, que nous appelerio Ambient.

Et c’est une enfilade de petites perles dont l’orfèvre n’est autre qu’Agnès Obel, une abyssale alchimie entre Cat Power et Keren Ann, un feulement vers la sensibilité: Philarmonics. J’avais déjà effleuré, au cours des dernières semaines, l’album de la demoiselle, mais sans jamais m’y attarder particulièrement. Ah! J’en viendrais presque à regretter de m’y prendre si tard… et un rattrapage s’impose.

Car si j’ai été troublé par cette danoise, ce n’est pas uniquement par ses arrangements célestes, mais aussi parce qu’elle sait ne rien dire. Constellant l’album, quelques instrumentaux, quelques petits éclats de mélancolie, déchirants. C’est alors l’éclosion de milliers de fleurs à droite (Wallflower), une ritournelle muette à gauche (Louretta)… Alice! Je vous avais prévenu. C’est poétique, « C’chiant! » beuglera peut-être votre cher ami fraîchement revenu, tout excité de tenir entre ses mains la dernière boucherie musicale signée NRJ… mais cet ami on lui envoie nos papillons psychédéliques et notre sinistre théière paillettes or à la figure non? Continuons.

Quand je vous parlais de Cat Power, c’était pour Over the Hill, un des morceaux les plus bouleversants, quelque chose de The Greatest dans le piano, des murmures, du dense quoi! Toujours ces voix qui se relayent dans des fondus au noir que je n’avais pas entendu depuis longtemps. Car, j’avais besoin d’un peu de tristesse, de déprime dans les transports en commun (quelle banalité, oui, j’men fiche), besoin de faire un peu la tronche, en somme… et le pire, c’est qu’Agnès Obel me donne envie de continuer. Je veux bien passer des heures entre une petite vieille malodorante et un pré-pubère boutonneux, oui, en contemplant les folies de la ville qu’ Avenue balaye en quelques secondes. Parfois Agnès se tait, mais quand elle chante, elle devient un orchestre, de ses seules modulations elle porte ses morceaux, ce qui explique à la fois l’étonnante richesse de ses chansons et le peu d’instruments que l’on peut y trouver. Mais le titre qui m’a le plus scotché, celui que j’ai du réécouter tant j’ai voulu retrouver cette sensation mystique, ce truc indescriptible qui vous fait fermer les yeux pour mieux les écarquiller, c’est Close Watch. Une reprise de John Cale dont l’exercice est réussi, qui donne aux parfaites et exactes 2 minutes et 43 secondes (je l’ai noté ouais, c’est inutile mais ça permet de revenir en arrière sur l’instant T, vous voyez bien), un nouvel éclat au timbre de voix de la chanteuse. Je vous le dis, à chaque réécoute de l’album, j’ai réalisé en full HD les oeuvres de Lewis Carrol, et sans LSD.

Mais oui, je vous vois venir! Moi aussi j’aimerais qu’Agnès Obel s’énerve, pousse une petite gueulante bien artistique pour nous faire redescendre aussitôt que l’on monte du septième ciel musical. Je vous le concède, c’est parfois un peu fade (même Just So, le single, comme quoi) et il faut être amateur ou curieux d’ambiances tamisées, éprouver simplement le désir de se déconnecter un peu de ce que l’on écoute d’habitude pour aborder cet album.

Car je ne pose aucun genre sur Philarmonics, c’est alternatif sans en revendiquer l’appartenance, mais surtout d’une qualité et d’une magie assez rares. De pâles ballades portées par une pochette désuète… vous y croyez encore? Une froideur nordique livrée à brut, j’vous dis.

Aller plus loin

• Le myspace d’Agnes Obel
• Ecouter l’album Philarmonics sur Deezer
• Acheter Philarmonics que Amazon

L’Oreille est Hardie, mais le chroniqueur moins. C’était il y a trois mois, mais ça n’arrive que maintenant. Il faisait déjà froid, mais le groupe était des plus chauds.

The Jim Jones Revue, ce soir-là, s’était fait le plaisir d’enflammer le Confort Moderne poitevin de son rock rétro et extatique. Véritable machine à danser, le groupe se compose de quatre bêtes de scène qui n’ont qu’une idée en tête, comme l’indique le titre de leur dernier album : Burning Your House Down.

Sous les doigts aguerris d’un pianiste en furie, se développent des mélodies lourdes en provenance directe des States. Pourtant, les quatre rock stars sont britanniques. Paradoxe ? Non ! Par amour !

Quand l’Oreille Est Hardie #4 : The Jim Jones Revue.

English version downloadable here.

Dr. Javnaire : On connaît tous la tragique histoire de la secte du Temple du peuple, dont Jim Jones était le gourou. Pourquoi avoir choisi un tel nom, et qu’est-ce que cela signifie pour vous ?

Rupert : C’est juste parce que Jim Jones est le nom du chanteur. Ce qui s’est passé c’est que lorsqu’on a commencé à jouer ensemble, un ami qui tient un club nous a entendu jouer et nous a dit « vous devez jouer chez moi ». On lui a répondu qu’on ne se sentait pas encore prêts : on n’avait même pas de nom. Il a répondu qu’il s’en foutait et que l’on s’appellerait The Jim Jones So Punk Revue, et que ça irait très bien. Voilà tout.

Du coup, c’est juste le nom qu’un mec nous a donné. Mais le concert ce soir là était vraiment extatique, les gens dansaient sur les tables. Nous n’avons pas trop eu l’occasion de changer de nom après ça. On a commencé à être connu en tant que Jim Jones Revue. Et c’est après ça seulement que toutes les connexions avec l’autre Jim Jones ont été faites.

Dr. Javnaire : Préférez-vous que l’on vous compare au premiers temps du rock, au garage, ou à la musique punk ?

Rupert : Je crois que la chose à retenir de nous, c’est qu’on prend indéniablement un tiers dans chacune des branches. Mais c’est aussi un big bang de musique populaire. Ces trois éléments se rejoignent. Et vous avez cette explosion de musique excitante et de black-out sauvage qui s’unissent.

Ce que l’on fait, c’est juste tracer une ligne entre tous les groupes rock’n'rolls excitants de ces année-là. Et ça peut prendre racine chez des groupes récents avec Grinderman, ou quelques années plus tôt avec The Jon Spencer Blues Explosion, et ça va encore plus loin jusqu’aux Sex Pistols, aux Clash, et ainsi de suite, jusqu’à Little Richard et Robert Johnson. Et puis, c’est sans fin…

Jim : Mais les fifties, c’est le moment où tout a explosé ! C’est le moment où la musique blanche et la musique noire se sont rejointes sous un même message. Ca a duré très peu de temps. Il n’a pas fallu longtemps pour que les gens réalisent qu’on pouvait se faire de l’argent. Et tout ça est devenu commercial, adouci. Et après ça, plus jamais personne n’a essayé de retrouver cette énergie originelle, et cette vie originale, de la première percée. Et nous, nous faisons partie de ceux qui essaient de  porter un peu de cette lumière. Mais ce n’est pas de la nostalgie : on ne veut pas faire des chansons sur les Cadillacs roses, tu sais. Ni rien de tout cela. On parle d’être vivant aujourd’hui…

Dr. Javnaire : Oui, de Londres et de la vie moderne aussi…

Jim : Oui ! Et d’auteurs comme Charles Bukowski, ces gens qui ont réussi à parler de la vie normale, mais qui peuvent résumer les choses en quelques lignes et dire quelque chose qui vous met en arrêt. Je ne dis pas que je peux écrire comme ça, mais c’est ce qui m’influence et c’est la manière dont je pense les choses que je travaille les paroles d’une chanson. Et puis, je parle juste de ma vie, vous savez.

Dr. Javnaire : Mais avec toutes ces influences, comment est-ce que vous décririez votre musique alors ?

Jim : Rock’n roll ! (rires)

Pierro : Juste du rock’n roll ?

Jim : Ouais… ça fait un peu « juste du rock’n roll », mais c’est déjà si fort. Et puis le rock des années 50, c’est vraiment comme la clé de contact de tout ce qui suit.

Pierro : Et à part Charles Bukowski, quels écrivains vous inspirent ?

Jim : Euh… un bon paquet. Mais, j’aime surtout… Ernest Hemingway, et tous ces auteurs qui savent dire des choses avec un peu de remue-ménage… J’aime aussi William Burroughs et les écrivains russes, comme Dostoïevski ou Mikhaïl Boulgakov…

Dr. Javnaire : Tu nous as dit que pour vous la création n’avait rien à voir avec la nostalgie, mais est-ce qu’on ne peut quand même pas dire que vous êtes nés 30 ou 40 ans trop tard ?

Jim : Je ne crois pas, non. Malgré toutes les choses qui paraissent attractives dans un retour en arrière, je ne voudrais pas y aller. Vous savez, ma vie est maintenant. Est-ce que je perds tant que ça au change ? Nous sommes tous tels que nous sommes. Et cela signifie que l’on doit en quelque sorte s’accrocher au quotidien et nous exprimer là où nous avons l’occasion de le faire.

Et puis, il y avait pas mal de problèmes à l’époque, vous savez. D’un point de vue musical, les années 50 c’était essentiellement des labels indépendants qui étaient obligés de lutter pour avoir un peu de succès. Ils travaillaient comme des acharnés ! Quelqu’un comme Little Richard a seulement réussi à percer à force de persistance, de sang et de tripes, et d’énergie. C’était dantesque !

Pierro : Que pensez-vous du public français ?

Rupert : On l’adore. Je veux dire, la France a vraiment été le premier pays à piger ce que l’on faisait. Plus que la Grande-Bretagne, notre propre pays, vous savez. Très vite on était en tournée, on jouait dans des festivals et on faisait de la télé en France. Environ deux ans avant que nous explosions au Royaume-Uni, alors… On garde une place privilégiée pour la France dans notre cœur. C’a été un peu comme une réaction chimique entre les Français et notre musique. Je ne me rappelle plus trop, mais je crois que c’est notre cinquième tournée, ou presque, en quelques années seulement, et à chaque fois c’était génial. Et ce soir on a fait un super show, et, vous savez, ça continue à se passer comme ça ! Cette tournée a été la meilleure de toutes : on a fait des concerts fantastiques ici, à Poitiers, mais aussi à Paris, à Lyon, Marseille ou Bordeaux. Et le public est à chaque fois phénoménal. J’adore la manière dont le public français réagit à ce que l’on fait ; ils chopent le truc instantanément. Il n’y a rien d’intellectuel, tu vois, ils veulent juste passer un bon moment.

Jim : Je crois aussi qu’il y a quelque chose dans la culture française qui est en lien direct avec le rock’n roll : c’est cet esprit d’indépendance et de liberté. Et tous ces trucs qui signifient « Fuck you ! », tu sais. Si des gens commencent à empiéter sur les libertés, des gens du gouvernement, les Français ne supportent pas ça. Et directement ils se mettent en grève,…

Pierro: Strike spirit… fuck spirit!

Jim : Ouais ! Il y a un parallèle avec l’idée de rock’n roll autour du fait de s’exprimer en tant qu’individu et ne pas trop se faire écraser, tu vois. Dans un sens positif ! Et notre musique, c’est ça : c’est plein de folie et d’agression, mais c’est pensé pour être positif et euphorisant.

Pierro : Une autre question à laquelle je viens juste de penser : quel a été, pour vous deux, la première émotion qui vous a donné envie de faire de la musique ?

Rupert : Ce qui m’a véritablement donné envie de jouer de la musique c’est (j’étais très jeune) quand j’ai vu les Ramones en concert. C’a eu un effet immédiat sur moi, vous voyez. J’ai pensé que c’était assez simple et que je pourrais être capable de le faire moi aussi. (Rires) Même si j’ai vite découvert que ça ne l’était pas. Ca m’a paru assez naïf, comme les jeunes enfants, et c’était le déclic initial.

Jim : Je crois, pour ma part, que c’était probablement Chuck Berry. Quand j’étais jeune, à l’école, pendant la pause de midi, quelqu’un m’a montré comment faire le style Chuck Berry. Et là, j’ai réalisé que peut-être je pourrais le faire aussi… mais il y a eu plein d’autres événements après ça, aussi.

Dr. Javnaire : Vous venez juste de réaliser un nouvel album. Alors, que préférez-vous : les lives ou le processus de création en studio ?

Rupert : Pour nous, c’est un peu la même chose parce que quand on va en studio, on joue comme en live. Je veux dire, la principale différence c’est que l’on peut retoucher ce que l’on a joué, et peut-être lui donner le son que l’on trouve le plus excitant. Du coup, les deux sont vraiment liés. Ce n’est pas comme si on allait en studio et que l’on enregistrait chaque piste individuellement ; on fait ça vraiment en groupe. On a juste plus de temps pour développer les choses. L’album que l’on vient juste d’enregistrer s’est fait en compagnie de Jim Sclavunos. Il était batteur pour les Bad Seeds et pour Grinderman. Et c’était super parce qu’il a joué avec un paquet de musiciens que nous adorons, comme les Cramps, Sonic Youth, etc. Donc, jouer avec lui comme producteur était vraiment un grand moment.

Dr. Javnaire : Pour terminer, on ressent une vraie alchimie dans votre groupe. Pensez-vous, tous les cinq, que ce groupe est celui dont vous rêviez ?

Rupert : Ce qui est frappant avec ce groupe, c’est que la première fois que nous avons joué ensemble, il y a eu une sorte de chimie immédiate. Depuis la toute première chanson que l’on a joué ensemble, « Hey, hey, hey, hey » de Little Richard, nous avons été conscient qu’il se passait quelque chose. Après ça, on a joué avec plein d’autres musiciens, mais on n’a jamais retrouvé ça. De manière presque instantanée, on a trouvé quelque chose de différent des autres groupes.

Crédit photo : Aurèle Nourisson.

Un peu plus de claviers hurlants  :

• the english version of the interview
• le myspace de The Jim Jones Revue
  
• Burning Your House Down sur spotify et deezer
• le site du Confort Moderne
• Quand l’Oreille Est Hardie #1 : Kowalski, #2 Rubik, et #3 Chloé par BTS.

Une chanson qui revient en boucle, qui s’attache aux contours d’un polaroïd jauni. Des voix qui se fondent, indistinctes et lancinantes. Entre la pluie et le soleil, une mélodie insistante qui hésite, se perd. Un écossais d’ascendance indienne, qui ne sait pas trop où ancrer sa musique, alors la lance à l’aveuglette, sans garde-fous. Insolemment ensoleillée et parsemée d’ombres, à la fois débridée et scandée par les percussions, c’est une chanson qui restera longtemps, quelque part entre le printemps et l’été.

Plus d’infos, crédits photo.