Des Suédois, encore. Ils sont trois (deux hommes, une femme). Ils existent depuis 1991. Et je les ai découverts, par hasard, en mai dernier, à la sortie de Music Sounds Better With You.

Ce qui frappe d’abord dans ce dix titres c’est l’agrégation d’une qualité mélodique et vocale impressionnante (une sorte de justesse d’expression) et d’un côté désuet profondément charmant.

La pochette, en soi, résume l’ambiance de l’album : légèreté et sérieux, mise en scène et sincérité, désuétude et modernité…

A en croire leur site, ils seraient l’un des groupes pop les plus célèbres de Suède. A écouter leur album, ça ne m’étonne pas beaucoup.

La recette pop est appliquée à merveille. On retrouve la simplicité efficace des mélodies, la pureté des arrangements vocaux, et cette touche d’inouï qui les démarque du reste du monde.

A la fois enfantins, poétiques et recherchés, pas un des titres de Music Sounds Better With You ne semble moins bon que l’autre. Chacun d’entre eux, en fait, est un tube.

Ne dépassant jamais les trois minutes trente, chaque piste s’apparente à un manifeste.

Et de dire ça n’est pas si exagéré quand on regarde de plus près la démarche du groupe. Les Acid House Kings sont un peu compulsifs, monomaniaques, drôles et intellos.

Leur trois premiers albums ont été produits en quinze ans (un tous les cinq ans), s’inspiraient explicitement des dix disques en dix ans de Felt, et assument leurs influences (des Smiths à Sarah en passant par Elvis).

Le quatrième, selon eux, « aurait dû être dans le Guiness Book ». Pourquoi ? Parce que les 2000 premières copies incluaient un DVD-karaoké. Un peu barjots, je vous le disais.

Et ce nouvel et dernier opus, lui, a juste la prétention de définir ce que sont, selon eux, le sens et l’essence de la pop. Tout un programme !

Seulement, ce qui est fantastique, c’est que la feuille de route est tenue. Et que ce qui naît de ce plan est une véritable madeleine de Proust. Une bouchée sucrée, un suspens de plaisir, une explosion gustative, un sourire, et une expérience marquante.

A la fois sophistiqué et accrocheur, Music Sounds Better With You s’approche de (si ce n’est entre dans) mon top 10 des albums pop.

Plus on en a, meilleur c’est :

• Music Sounds Better With You sur spotify, deezer et grooveshark
• le site des Acid House Kings

L’histoire – qui me fait penser en un certain sens au Lanark d’Alasdair Gray – est divisée en quatre actes. Elle est celle de David, un ouvrier qui travaille dans une usine de fabrication d’ampoules (d’où la pochette) et qui tombe amoureux de Veronica, une anar de type Action Directe.
Les deux amants prévoient de tout faire sauter mais Veronica vient à mourir. S’ensuit une espèce d’aventure initiatique au cours de laquelle on découvre Vivian, l’autre femme de la vie de David.  Ce sera alors l’heure de la rédemption régénérescente, de la renaissance de l’homme vaincu et idéaliste.

Musicalement, il y a de quoi réconcilier des chapelles belliqueuses et fratricides avec Fucked Up. Les guitares sont claires et lorgnent du côté de la power-pop la plus euphorisante quand le chant de Damian Abraham alias Pink Eyes se fait abrasif et hardcore. A ce titre, Queen of Hearts, qui ouvre véritablement le disque est un hymne absolu. Et les thèmes sont universels, de toute évidence. L’amour, la vie, la mort, le désespoir, la renaissance, et encore, infiniment, l’espoir.

Les voix gracieuses de Madeline Follin des Cults et de Jennifer Castle viennent enchanter des perles punk enlevées et roboratives (A Little Death, The Other Shoe). Le rock des Fucked Up est du genre superhéroïque (Turn the season) et envoie suffisamment la sauce pour retourner le cerveau. En live, et déjà dans son salon, l’effet est dévastateur.

Remember My Name semble dans son intro rendre hommage à The Who et à leur grand Won’t Get Fooled Again. Les guitares sont envoyées au front dans l’énergie colérique d’une guerre contre la morosité (A Slanted Stone). La voix de Pink Eyes éclaire de son cri des refrains d’une folie percutante (Serve Me Right).
Entre mélancolie rêveuse (Life In Paper) à la gratte magique et phénoménale et virée sonique destructrice (Ship Of Fools), Fucked Up fait évoluer son opéra, son punk en littérature, vers des sphères de génie tutoyé.

David comes to life est un album monstre, une tragédie grecque sans dieux ni destin, une cathédrale sonore dont on a pas fini d’épuiser les linéaments de son architecture.
Sans prétention présomptueuse mais avec une réelle ambition qui sied au talent, Fucked Up rejoint sans faille avec ce disque puissant et virtuose la cour des très grands.

Behind the scene

- Le « livret » de l’opéra sur le site consacré à l’album.
- Un mini-doc sur l’enregistrement et la genèse du disque.

Equatorial Ultravox est un titre parfait, évocateur à souhait d’un univers numérique et tropical, à la fois rêveur et digital.

Sur BTS, je vous avait déjà parlé de ce titre fabuleux qu’est Fast Challenge, odyssée en miniature d’un souvenir estival tout en douceur et basse capiteuse. Ce premier extrait a tenu sa promesse, tant les autres titres qui composent Equatorial Ultravox parviennent à atteindre sans écart ce même feeling planant et groovy.

Les synthés ingénieux produisent une mélodie toujours parée à magnifier les amours de coucher de soleil (I Want Your Love).

La pop est sublime comme un ciel bleu éblouissant. Chad Valley, aussi leader du groupe d’Oxford Jonquil a décidé de ranimer son enfance, de reproduire les états mentaux de son jeune cerveau rêveur. Ramener à la vie ses souvenirs d’enfance, dans une tendre mais triste nostalgie, est une ambition que peu se permettent. Si les chansons de Chad Valley nous laissent contenir dans notre état mature, elles ne manqueront pas de produire pour ceux qui y sont réceptifs, des émotions et choses toutes aussi belles (Now, That Im Real). Elles guideront les pieds engourdis dans des pas de danse lascif et funky (Reach Lines).

Tout à la fois enchanteur (Acker Bilk) dans les usages robotiques de sa voix et charmeur (Schell Suite), Chad Valley ne manque pas de titiller avec bonheur les neurones printanières qui finiront pas balancer de leur popotin cérébral pour s’extasier sur Shapeless, dernière escale d’un voyage fabuleux.

Fusionnant le qualitatif et le quantitatif, j’oserais prétendre avec un naiveté – enfantine – qu’Equatorial Ultravox dure 28 minutes magiques qui arrêtent le temps.

Il y a deux façons d’appréhender ce disque. Solution numéro 1: attendre un nouvel Is This It ? et se pendre. Je ne suis pas passé très loin de ce stade à la première écoute. Parce qu’une redite du chef d’œuvre de 2001, il n’en est pas question, mais alors pas du tout. La production est bien plus fournie qu’auparavant, la voix de Casablancas moins (voire pas du tout) distordue, et, ô surprise, des claviers viennent faire coucou. L’exemple le plus frappant est Games, où les guitares sont quasi inexistantes tandis que Julian répète livin’ in an empty world sur fond de nappes de synthés 80′s. De la bénite période il en est aussi clairement sur la deuxième grosse surprise de l’album : Two Kinds Of Happiness, qui ferait presque croire que les Cars ont ressorti un single. Les fans de Juicebox risquent aussi de tomber de leur chaise en entendant Gratisfaction calée entre Instant Karma et Elton John. Tout ça pour dire que malgré les conditions d’enregistrements dont on a (trop) entendu parler, on évite un album qui aurait pu être facile, bâclé et sans aucune recherche de renouveau de la part du groupe. Ce qui m’amène à la solution numéro 2.

Solution numéro 2 donc : Accepter qu’un groupe qui prend des risques n’est pas forcement un mauvais groupe. Parce que ce qui ressort de ce déchirement humain du groupe, de l’absence de Casablancas, de la pause de 4 ans et des projets solos de chacun, c’est une nouvelle dynamique de composition où aucun musicien ne semble s’être interdit quoi que ce soit. C’eût put être foutraque, mais non. L’âme des Strokes est toujours bien là et se mêle délicieusement a des choses inédites pour le groupe. Je pense notamment à l’ultra efficace Machu Picchu, qui ouvre l’album. Ici les refrains rappellent ceux qui ont fait la force de Room On Fire tandis que les couplets explorent un univers presque reggae.

Dans le même genre, le tube Taken For A Fool fait la synthèse parfaite entre les deux premiers opus du groupe. Et puis il y a des plongées plus hasardeuses comme l’étrange You’re So Right qui aurait pu trouver sa place sur un album de These New Puritans qui aurait bouffé du Radiohead au dessert. La petite erreur de casting avec Metabolism qui, malgré ses bons moments ( ah Nick Valensi et ses solos…), fait plus penser à du Muse qu’au First Impression Of Earth qu’il est censé commémorer.

Alors avec tout ça j’entends déjà les quolibets visant mon objectivité altérée par la vision de groupie évoquée plus haut et me poussant à hurler au chef d’œuvre. Que nenni. Ce Angles n’est très certainement pas le meilleur album des Strokes et est loin d’être exempt de défauts. Celui qu’on entendra certainement dans beaucoup de bouches, c’est la performance vocale du chanteur. Ça m’arrache la bouche de dire ça, mais le Julian est assez inconstant d’un morceau à l’autre. Sur certains titres comme Machu Picchu, Life Is Simple On The Moonlight ou encore la très jolie Call Me Back, on retrouve avec joie des relans de l’ancien Strokes et du très bon Phrazes For The Young. Cependant certains titres souffrent quelque peu de mélodies voix moins inspirées qu’auparavant ( Metabolism, Two Kinds Of Happiness). Et puis les envolées criées se font plus rares. Mais pour ce dernier point on peut difficilement en vouloir au cordes vocales du mec qui a chanté Juicebox et Last Night pendant des années de tournées si elles on un peu lâché depuis.

Malgré ces défauts, ce disque est un grand disque qui volera certainement au dessus du lot des sorties à venir. Et un grand disque en est un parce qu’il contient de grandes chansons et des morceaux qui marquent. Le single précoce Undercover Of Darkness est de ces chansons marquantes. Déjà un hymne avec les Someday, Reptilia et autres The End Has No End. Avec son Don’t Go That Way imparable et ses mélodies guitares impeccables, on se voit déjà au volant de sa voiture vers les vacances dans cinq ans en train de fredonner un peu automatiquement alors que le morceau défile dans les enceintes de l’autoradio. Dans une autre mesure, le Machu Picchu évoqué plus haut fera très très mal en live enchainé avec un bon vieux Modern Age. Et puis enfin, ce disque possède une très grande chanson pop : Life Is Simple In The Moonlight qui clôt parfaitement l’album. Plein de douceur sur des couplets berceuse au chant timide (dans le bon sens du terme) le morceau atteint un nouveau sommet à chaque refrain qui tirerait presque les larmes avec cette mélodie voix intemporelle qui porte l’un des plus beau textes de Julian Casablancas et cette phrase magique : So we talk about ourselves and how / To forget the love we never felt.

Avec ce dernier titre, tout est résumé. Angles est un grand album par ses morceaux, par son contexte, par cette synthèse entre ce que le groupe était et ce qu’il pourrait devenir. Et ce conditionnel est ce qui le rend aussi si facile et impossible à détester. Entre les discours sur un groupe nécrosé au bord de l’implosion et les annonces de Valensi affirmant qu’un prochain effort, meilleur que celui-ci devrait voir le jour rapidement les Strokes offrent avec cet opus autant d’espoirs et de craintes qu’avant sa sortie. Et c’est la toute la force de ce groupe: être resté l’un des derniers groupes à produire une telle ébullition sans remplir des stades, rester un groupe qui ouvre des portes autant qu’il en claque. Je suis toujours amoureux de The Strokes et je les en remercie.

Et toi ?

J’ai la vive impression que pour comprendre cet album il faut commencer par la fin, et pas uniquement parce que 101, la chanson, est éponyme. Celle ci sonne comme un générique de film au sein duquel tout ce qui nourrit l’album est énuméré, sans aucun manquement. Ce morceau est d’une nostalgie folle, comme un narrateur omniscient qui reconstituerait le fil de toute une vie point par point, comme si Dieu (car c’est bien lui le numéro un dans cette affaire) nous considérait avec froideur, dans un décompte final, celui qui précède le Jugement dernier. D’ailleurs, le psaume 101 de la Bible n’est-il pas dédié à la Justice ? Cet album est intelligent, et je ne peux m’empêcher de croire que tout est lié, absolument.

Ah ! Je sens quelques regards sceptiques devant cet emballement, et peut-être me croyez-vous déjà illuminé par trop d’écoutes. Eh bien non, j’ai tout bonnement été envoûté par la voix suave de Keren Ann et, surtout, par sa faculté rare à distiller son talent. La chanteuse cultive l’art de prendre son temps, d’imposer le cadre idéal à ses chansons, celui dans lequel on se glisse progressivement, que l’on abandonne apaisé. Ainsi, quitte à prendre cet album à reculons je ne peux qu’évoquer Strange Weather, qui est à mon humble goût la plus belle pépite de 101, un concentré pur de fragilité bouleversante, un crescendo qui n’en est pas un, subtil et frissonnant. Il me paraît alors bien difficile de parler des autres morceaux après cela, mais tant de choses restent à dire encore.

Le côté cinématographique de 101 est d’une évidence présente à chaque instant, si bien que Keren Ann dresse là la bande originale d’un film en noir et blanc dont la seule couleur visible, conductrice, serait un rouge (Blood On My Hands). Et pourtant, à côté de cette brutalité sombre subsiste le chant lancinant, celui qui vous attire dans les filets des sirènes et que l’on retrouve dans Run With You ou You Were On Fire, élégantes, captivantes. Le choix de la langue anglaise est pour moi excellent. Certes, les puristes regretteront l’absence d’une ballade en français, mais je persiste à croire que cet album n’était pas fait pour être écrit ainsi. C’aurait été une sorte de cohabitation entre Navarro et James Bond, vous voyez ? Non pas qu’il y ait un quelconque fossé entre les langues, là n’est pas mon propos et c’est incomparable, mais la pochette de l’album parle d’elle même, il serait absurde de le nier. Preuve supplémentaire à cet anglais nécessaire, She Won’t Trade It For Nothing aurait pu être signée par Diving With Andy, groupe d’une classe folle dont la veine britannique est pour moi incontestable.

Ainsi, c’est tout naturellement que j’achève cette chronique sur My Name Is Trouble, morceau d’une énergie incisive, porté par une voix de tête cristalline et marquante. C’est un single de qualité, introduction électronique à des sons que l’on retrouvera plus tard, ça et là, passerelles entre dix titres dont la subtile alchimie donne un résultat toujours similaire: 101

Aller plus loin

• Ecouter 101 sur Deezer.
• Le site internet et le myspace de Keren Ann.
• Acheter l’album sur Amazon.

« Undiscovered Colors ». La première minute est longue quand même. Y’a du violon et du piano. Mais y’a pas de guitare, ça me frustre. Je vais surement craquer pour aller rejeter mon ennui contracté au cours de cette longue minute sur du Foy Vance. ALEEERTE ! Y’a du violoncelle. Tiens autour de 1 :30 ça bouge. Tiens, le refrain est arrivé. Tiens, c’est tout à fait génial. Ce mélange électronico-génialissime sonne à mes oreilles comme une révélation.

J’ai fait deux ans de solfège et j’ai toujours du mal pour définir une musique, mais je vais quand même jouer au jeu dangereux du genre musical. Ce premier morceau, je le définirais comme robotico-classique. Je sais ça ne veut rien dire. J’vais donc le faire à ma manière. Ce que j’ai grandement apprécié dans ce titre révélation, c’est cette espèce d’éveil, pendant cette « longue » minute, pour exploser avec ces sons métalliques qui s’entrechoquent avec la douceur des cordes, pour redescendre doucement avec des bribes du violon retrouvé après toute cette excitation électronique.

Pour le second titre, c’est la guitare électrique qui me fait vibrer. On arrive à l’apercevoir, elle fait son bout de chemin entre ce rythme et ces sonorités bien loin d’être acoustiques. Et pourtant, j’aime. Je sais pas encore pourquoi. Je viens de la Folk, un univers ou le bois est traité par leurs musiciens comme Jésus par ses fidèles, ou l’électronique n’est que très peu présent, et ou l’électrique se fait rare. Or là, pour ce qui est des deux choses précédemment citées, je suis servi. Puis « Meadow Crush » arrive. Je ne sais même plus comment sont faits ces sons, tout ce que je sais c’est que l’instrument avec lesquels ils ont été faits n’est pas en bois et ça ne me gêne pas le moins du monde.

Puis les titres défilent, à mesure que je fais défiler les pages sur Internet, cette musique m’accompagne partout où je vogue. Je pars du principe que j’aime un album soit quand j’ai le coup de cœur comme on dit, soit quand j’ai tout écouté sans y faire attention, comme si c’était naturel de l’avoir dans les oreilles. Je me remets à l’écouter, et encore. Et au fur et à mesure je comprends, avec l’enchainement des accords, un rythme, comment j’ai pu apprécier la bête. Avec Arboreal, c’est ce mélange entre douceur et … je trouve pas le mot. C’est ni agressif, ni violent, loin de là. Et le dernier morceau, « Tomorrow Untrodden » me le confirme, avec ses lignes de violons dignes d’un titre du Seigneur des Anneaux ou autre épopée mythique. J’aurais dû m’en douter, j’avais aimé quelques titres de Ronald Jenkees, et un album entier de Saycet. Me manquait plus que ce magnifique album, à mes yeux, de The Flashbulb pour activer l’envie d’en connaitre bien plus sur ce style musical, que nous appelerio Ambient.

Paru en septembre dernier, je ne me suis mis à écouter que très récemment ce disque. Depuis, il ne cesse de revenir hanter ma platine virtuelle.  Pour ceux qui ne connaissent pas encore ce groupe ni cet album, Deerhunter vient d’Atlanta. Son leader est Bradford Cox, aussi connu en solo sous le nom d’Atlas Sound dont l’album torturé Logos est sorti l’année dernière.

Alcyon Digest est le quatrième album du groupe et sans doute le meilleur et le plus abouti, après le double album épique Microcastle/Weird Era Continued. La pop pénètre avec douceur dans ce shoegaze-rock magnifié. La voix de Cox, souffrant du syndrome de Marfan, est errante, belle, et tente malgré tout de nous guider dans cet amoncellement d’arpèges en majesté. La musique de Deerhunter est un paradis de souffrance. Quelque chose de maniaco-dépressif se tient. De profondément romantique aussi, manière XIXème, cela va de soi.

Il y a un sens de la mélodie, de l’arrangement, qui confère aux morceaux une chaleur propre à faire méditer, à penser sa vie alors que la pluie tombe, lourde et continue. Il y a quelque chose qui veut échapper complétement à toute raison. S’y mêle tristesse et espoir, langueur et ardeur.

Musicalement, on retrouve un certaine prépondérance velvetienne, et bien-sûr les influences courent de My Bloody Valentine à The Jesus and Mary Chain. Tout n’est pas que vaporisation shoegaze et certaines envolées pop plus propres sur elles si l’on peut dire s’échappent par-ci par là. Mais qu’importe.

Il faut plonger dans ce disque, s’y noyer, s’asphyxier, mourir, revenir. Et replonger.

Quant au reste…

Quelques gouttes

Le clip de Helicopter

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Le blog de Bradford Cox

Alcyon Digest est 18ème du top des blogueurs 2010.

Finalement, le résultat final prouve que l’on s’était largement fourvoyé. Le génial auteur de Minimal Nation, véritable bible de tout dj adepte de minimalisme qui se respecte, a encore une fois frappé dans le mille. Sombre à souhait, diablement puissant, l’album, sorti sur son label M-Plant s’inscrit dans la tradition hoodienne, mais se dote du détail qui fait la différence : un son absolument parfait. Les basses y sont en effet d’une profondeur à faire pâlir la nouvelle garde techno teutonne. Le changement de basse sur Omega (End Times) qui clôt l’album procure ainsi une jouissance rarement atteinte auparavant, comme si nos oreilles explosaient dans un nuage brumeux et doux, coincé au cœur d’un ouragan strié d’éclairs, dévastant tout sur son passage.

Ce titre est le lointain écho d’Alpha, qui donne lieu à un impressionnant fracas métallique. On retrouve ici la puissance industrielle chère à Luke Slater aka Planetary Assault Systems sur son dernier album Temporary Suspension ou sur son récent remix du Drastik signé par Terence Fixmer. L’esprit futuriste et désespéré d’Underground Resistance, dont il est avec Mike Banks aka Mad Mike et Jeff Mills l’un des créateurs se perpétue d’ailleurs tout au long de l’opus, et ce notamment dès le premier morceau Alpha (The Beginning) qui fait résonner des voix venues d’outre espace, ou alors s’entrechoquant dans une gigantesque usine issue de la folie des hommes.

Comment ne pas également voir Detroit, ville devenue fantôme suite aux différentes crises économiques, et dont le centre ville est peuplé d’immeubles éventrés, à travers Towns That Disappeared Completely, comme une vision prémonitoire de l’avenir de sa ville. La référence au film de Sagal fait alors sens, comme une métaphore où le musicien techno serait l’unique survivant d’une espace urbain ravagé par une catastrophe humaine et industrielle. On retrouve d’ailleurs dans ce morceau des boucles brutales, telles celles qu’ont pu créé Scan 7, autre rejeton d’UR.

Les talents de compositeur de Robert Hood, que l’on a trop souvent tendance à décrire comme un simple orfèvre sonore, éclatent au grand jour sur The Family Watches. La structure de ce morceau évolue de manière extraordinaire, passant de claps de TR-909 irréguliers à un beat carré et destructeur, tandis que des bleeps comme on n’en entend plus que très rarement parsèment l’ensemble.

Peu avant l’explosion finale d’Omega (End Times), on assiste à un fulgurant déchaînement de violence à l’occasion de War In The Streets, qui porte magnifiquement bien son nom. On ne serait guère surpris d’entendre ce véritable massacre dans une rave de hardcore.

Le message de Robert Hood se fait donc on ne peut plus clair : si l’on souhaite échapper à la violence vers laquelle ce monde nous mène inexorablement, il faut réagir par nos propres moyens, et entamer une révolution qu’on l’imagine penser aussi bien musicale que sociale. Avec cet album, et malgré quelques titres un brin plus anecdotiques, il remplit parfaitement sa mission : nous offrir une musique tournée vers le futur, mais bien ancrée dans un présent d’une violence inouïe.

L’extraordinaire exploit de 36 est de parvenir à réunir les deux communautés apparemment inconciliables en un album fédérateur. Il n’y était pas tout à fait arrivé avec la sortie de son premier album, Hypersona, bien que celui-ci regorgeasse de promesses. Les subtiles mélodies, la rêverie ouatée, emplissaient toutes deux l’album de leur douceur, mais l’ensemble manquait de cohérence, et hachait un récit qui sans cela aurait sûrement été sublime.
A l’occasion de la sortie de ce nouvel opus, Dennis Huddleston surmonte cet écueil avec une extraordinaire classe. C’est bien une histoire qui nous est ici contée, à travers les nappes ténébreuses et les notes surgies d’un bel ailleurs. La structure de l’album est idéale, d’une ouverture tout en douceur à un explosion d’un noir de jais, à laquelle succède l’accalmie qui suit toujours la tempête. Il y avait bien longtemps qu’un titre comme Home ne nous avait transportés aussi loin.

Il est difficile de choisir certains morceaux plutôt que d’autres, tant c’est l’album en son entier qui fait sens, annulant du même coup la prédominance d’un titre sur un autre.

Ce qui fait la réussite d’ Hollow, c’est son extraordinaire densité sonore, couplée à une légèreté de tous les instants. On croirait marcher à travers un épais rideau de pluie, que de fins rayons de soleil viendraient transpercer épisodiquement. Les nappes sont sombres, d’une profondeur insondable, tandis que d’innombrables craquèlements peuplent nos oreilles. Les mélodies, d’une clarté presque surnaturelle, sont autant d’éclaircies sans lesquelles l’écoute serait ardue. Les montées s’effectuent tout en douceur, mais sont empreintes d’une puissante dévastatrice. On ressort de cet album profondément marqué, dans nos oreilles et dans nos esprits.

Avec cet album, 36 frappe très fort dans le milieu de l’ambient, et Hollow fera date dans celui-ci. On croirait retrouver les plus grandes heures de Boards Of Canada : tout est dit.

La plus vieille des femmes dans un lieu plein de lumières et de miroirs. Depuis 20 ans, le futur son de Londres.

the oldest lady

Ambiant post-eno. Depuis la Papouasie Nouvelle-Guinée, un classique. Absolu. Intemporel. Le sens de l‘être. Le troisième environnement.

La répétition est une forme de changement.

Ens dicitur multipliciter

L’intelligence. La dance. La musique.

Un piano, des craquellements de disque vinyl. Des nappes et des beats.

Du bruit et des figures. Des mélodies essentielles. Se mettant en abîme, Le troisième environnement survole les océans des œuvres maîtresses, il finit par s’y poser.

absolution

L’obscur Héraclite écrit : le plus bel ordre du monde est comme un tas d’ordures rassemblées au hasard.

Le monde dans un sampler.

the Empty Land