Handcrafted Soul

Leurs compositions sont parfois inégales : à cheval sur la folk, la pop et le blues. On se perd un peu dans les ambiances changeantes d’un groupe qui cherche son style. Mais il est difficile de reprocher à un jeune groupe d’être encore tendre.

Toutefois, « The Brat Song » est un sacré tube qui mérite que l’on s’arrête 2 minutes 36 sur ce duo. Véritable bonbon acidulé et kitsch, ce titre est sublimé par un clip léché fait d’images animées.

En espérant que cette piste de qualité ne soit pas la dernière, on retrouvera peut-être sous peu un joli LP dans les bacs…

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ⵜⵏⵔⵓⵏ Tinariwen, le groupe phare du blues touareg ou Assouf, sera de retour avec un cinquième album intitulé Tassili à paraître en août. Enregistré dans le désert dans des conditions exceptionnelles, ce disque a été l’occasion d’inviter Tunde Adebimpe et Kyp Malone de TV on The Radio sur quelques titres dont ce premier extrait clipé Tenere Taqquim Tossam. L’occasion de réentendre le blues chaleureux et enchanteur du désert, intimiste et grandiose à la fois.

Les bluesmen sont des héros modernes. Créateurs extatiques d’un maître-genre, leur histoire et leur relation à leur musique, à leur instrument, valent pour récits quasi-légendaires. C’est l’histoire de ces bluesmen que je propose de narrer ici en y ajoutant l’écoute de leurs plus grands standards.

Aujourd’hui : J.B Lenoir

J.B Lenoir naît dans le Mississipi dans la ville de Monticello le 5 mars 1929. J.B ne désigne pas des initiales mais est son véritable prénom. Il baigne dès son enfance dans un univers musical, ses parents sont tous les deux guitaristes. Il apprend à jouer de l’instrument à 8 huit ans.  En 1940, il quitte Monticello pour prendre la route et gagner sa vie en tant que musicien. Il rencontre alors Alex Rice Miller (Sonny Boy Williamson) et Elmore James qui l’accompagne depuis 1937. Ils engagent Lenoir et s’en vont parcourir les clubs de La Nouvelle-Orléans.

En 1949, comme beaucoup d’autres musiciens de blues, Lenoir monte à Chicago. Il y rencontre notamment Muddy Waters et Big Maceo. Il crée son groupe : J.B Lenoir and his Bayou Boys.

C’est alors que sont enregistrées ses premières chansons qui dénotent déjà, on le verra, une forte contestation politique. J.B Lenoir sera en effet le premier bluesman à développer dans ses paroles une critique de la politique menée par les Etats-Unis. Dans Korean Blues, il vilipende  la guerre de Corée que Truman mène depuis 1950.

La politique économique n’est pas non plus épargnée avec Deep In Dept Blues et surtout en 1954, Eisenhower Blues, condamnation désolée contre les orientations  sociales du président américain.

L’administration Eisenhower demande la censure du morceau, les paroles sont changées et le titre devient Tax Paying Blues. Un brûlot contestataire devient une vulgaire chanson démago propre à anticiper les invectives populos des défendeurs nantis du contribuable, entre Florent Pagny et les abrutis décérébrés du Tea Party.

Avec la montée de la protestation noire, le blues se politise et devient le vecteur de sa colère.

Outre des chansons ouvertement engagées, J.B Lenoir écrit aussi des titres plus classiques au niveau de la narration. Mama, Talk To Your Daugter devient son premier tube. La voix de Lenoir, haut perchée, fait toujours merveille ainsi que ce riff répété en boucle vers la fin et qui produit un hypnotisme absolument génial.

Le blues mûrit socialement avec J.B Lenoir. Il va transformer par son jeu de scène et ses costumes l’image du blues. Il porte boucles d’oreilles et costumes extravagants pour le genre. Avec Lenoir, le blues devient arty. Musicalement, il va puiser ses influences dans le swing de Kansas City. Il introduit dans son orchestre deux saxophones à la formation standard du blues initiée par Muddy Waters (deux guitares, une basse, un piano, un harmonica et la batterie).

Lenoir enregistre quelques morceaux à la fin des années 50 puis quitte peu à peu la scène et les studios. A la faveur d’un revival roots au début des années 60, Lenoir entame une nouvelle carrière. Il délaisse sa gratte électrique et ses costumes excentriques pour une guitare sèche. Il va alors  écrire des folk-blues (ou country-blues, blues acoustique) profondément touchantes et dénoncer le  racisme ordinaire et abominable du sud.

En témoigne en 1965 Alabama Blues, titre prompt à donner un frisson de désarroi et de colère à tout être sensible à l’humanité en général.

En 1962, James Meredith est le premier étudiant noir à entrer dans une université américaine… sous protection militaire. L’Etat du Mississipi a refusé son entrée. Meredith termine toutefois ses études et organise en 1966 une marche anti-ségrégation, il se fait  tirer dessus par un sniper mais le tir n’est pas fatal. Lenoir va lui consacrer une chanson, l’excellent blues : Shot On James Meredith. Étonnamment, Meredith finira par supporter un ancien dirigeant du Ku Klux Klan au début des années 90, mais cela est une autre histoire.

Comme il l’avait fait contre la guerre de Corée avec Korean Blues, Lenoir dénonce la guerre du Vietnam sur Vietnam Blues.

Lenoir, dans l’air du temps contestataire au milieu de cette décennie 60′s, va rencontrer un certain succès, notamment en Europe où il donnera un concert lors du American Blues Folk Festival en 1965.

Deux ans plus tard, le 29 avril, à 38 ans seulement, celui qui a introduit la protest song dans le blues, le plus politique de tous les bluesmen, une des plus belle voix du genre, J.B Lenoir de Monticello, Mississipi, disparait, à la suite d’une hémorragie interne alors qu’on le transporte à l’hôpital, quelques jours après avoir été victime d’un accident de la route.

Son ami, John Mayall, lui dédiera un magnifique hommage, une perle de blues émotionnel à fendre le coeur : The Death Of J.B Lenoir.

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To be continued

Les bluesmen sont des héros modernes. Créateurs extatiques d’un maitre-genre, leur histoire et leur relation à leur musique, à leur instrument, valent pour récits quasi-légendaires. C’est l’histoire de ces bluesmen que je propose de narrer ici en y ajoutant l’écoute de leurs plus grands standards.

Aujourd’hui : Elmore James.

A 7 ans, Elmore James né le 27 janvier 1918 à Ritchland, Mississipi, confectionne sa première guitare avec un bidon et trois cordes. On imagine le petit garçon jouer de sa gratte d’artisan et épater le quartier.

Aux hasards de premières représentations durant son adolescence dans des barrelhouses – littéralement maisons à tonneaux – , et après formé avec son frère adoptif un duo, James rencontre deux bluesmen qui vont influencer littéralement sa carrière future : Alex Rice Millern, qui prendra bientôt le nom de Sonny Boy Williamson et deviendra l’un des plus grands harmonicistes de blues, et le docteur Faustus du genre, Robert Johnson. Ils prennent tous les quatre la route. Seulement, empoisonné dans des conditions mystérieuses Robert Johnson décède à Greenwood, Mississipi. Il inaugure ainsi la « malédiction » rock n roll des musiciens décédés à l’âge de 27 ans.  Elmore James  est affligé mais le créateur de I believe, I’ll Dust My Broom restera à jamais pour lui un modèle puisque de cette chanson, il produira son plus grand standard : Dust My Broom.

La première version de ce cultissime morceau est enregistré en 1951. Lilian McMurry qui vient de créer le label Trumpet et qui a enregistré avec Sonny Boy Williamson décide de faire de même avec Elmore James. Or, ce dernier, par excès de timidité refuse. Alors qu’il croit répéter avec Sonny Boy à l’harmonica, et deux autres musiciens, Dust My Broom est enregistré à son insu. Le disque paraît et devient le tube que l’on connait. Sa voix déchirante et son feelling de gratte ne sont sans doute pas étranger au succès de ce riff éternel.

Ce feelling justement, c’est la technique du bottleneck qui le produit. Il s’agit de placer sur l’auriculaire un goulot de bouteille et de le faire glisser sur les cordes de la guitare. Cela produit un effet métallique au son de la guitare qui donne la sensation d’un glissement, de là, le nom de guitar slide dont Elmore James est  éminemment l’un des plus grands représentants. Ci-dessous, une version bien plus électrique de Dust My Broom.

A la suite de ce succès, James part vers le nord, Chicago plus précisément, là où se joue la transformation du blues du delta vers un son plus électrique. Il y fonde les … Broom Dusters (les dépoussiéreurs de balai !) et enregistre de nombreux titres sur les labels Flair et Meteor. Seul I Believe, nouvelle mouture (encore !) du même titre I believe, I’ll Dust de My broom, Robert Johnson, s’auréole d’un succès tout relatif.

James change de maison et s’en va signer chez Checker, une filiale du légendaire label Chess. Et devinez quoi ! Il enregistre She Just Won’t Do Right… qui est une nouvelle version de … Dust My Broom, les paroles changent encore, un saxo s’invite mais le riff demeure.

Il quitte le label puis s’en va sur un autre qu’il délaisse plus tard. De ce papillonage de producteurs, James enregistre un paquet de morceaux, notamment avec Ike Turner.

Et en 1957, de nouveau avec les Broom Dusters, le pianistique The Twelve Year Old Boys.

En 1958, Elmore James retourne dans le sud et anime un émission de radio. A l’écart, un temps, il devient pourtant une star du blues. Il redémarre sa carrière et retourne  à New-York où il va enregistrer de nouveaux classiques comme ce ciel qui pleure de 1960, The Sky Is Crying, quintessence d’un jeu de slide à juste titre larmoyant ou encore Shake Your Moneymaker, furie au groove inimitable repris un paquet de fois par de nombreux groupes.

Il fait alors le tour des clubs mais fatigué, il meurt en mai 1963 d’une crise cardiaque à l’âge de 45 ans, soit au moment, où de l’autre côté de l’Atlantique, un revival blues explose littéralement avec des groupes  tel que les Rolling Stones ou les Yardbirds.

Si James a peu rencontré le succès de son vivant, au contraire de son compère Sonny Boy Williamson, ou Muddy Waters, il a su marquer de son empreinte le blues moderne et a été l’un des initiateurs du son Chicago Blues. Son style a influencé un nombre considérable de bluesmen et de rockeur qui ont trouvé en lui leur King Of The Slide Guitar. Brian Jones des Stones, Peter Green de Fleetwood Mac n’ont jamais caché leur admiration pour le bluesman de Ritchland et  sa place est amplement méritée au panthéon du blues et de la musique pop(ulaire) du XXème siècle.

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To be continued

« J’aimais surtout Karen Dalton, chez Fred. Une chanteuse de blues blanche. Grande, mince, sexy, et du feeling. Je l’avais rencontrée l’été précédent, dans un club de folk, près de Denver dans les montagnes. Sa voix faisait penser à Billie Holiday, son jeu de guitare à Jimmy Reed, et elle se donnait à fond. J’ai chanté une fois ou deux avec elle ».

Bob Dylan, Chroniques Volume 1.

(« Chez Fred » désigne le Café Wha?, un bar à paniers de Greenwich Village où Bob Dylan a fait ses premiers pas sur scène, aux côtés de certains anonymes notoires (Billy the Butcher, Moondog, ou encore ce type qui « s’habillait en curé, avec des bottes rouges à grelots », d’autres moins (Woody Allen).)

Ce nouvel opus de The National est là pour rappeler au rock qui il est, tout en pleurant de nostalgie. Un disque de rock habité par un vague à l’âme terrifiant. Déjà Boxer, foudroyant trait de lumière noire de l’année 2007, portait un message quelque peu similaire. Une idée précise de la musique. Ce mélange de nudité absolue et de grandiloquence émotionnelle. Il était donc relativement compliqué pour le groupe de passer après leur dernier essai, encensé par la presse et plébiscité par le public.

Et pourtant, le choc est à la hauteur de l’attente. Berninger et ses acolytes redéfinissent leur musique sans renier leurs acquis. Les morceaux de ce High Violet sont plus habillés, des choeurs et des arrangements de cuivre et cordes viennent se greffer sur certains titres comme le très beau Bloodbuzz Ohio.

Mais ce qui frappe tout au long de ce disque c’est la puissance des émotions délivrées par le groupe. Le triptyque d’introduction formé par Terrible Love, Sorrow et Anyone’s Ghost en est la plus belle preuve. Hypnotisant et puissant le métronome implacable, recouvert de guitares fuzzées, porte les lyrics tantôt étranges : « It’s a terrible love that I’m walking with spiders », tantôt décharnée et sans détours :  » Sorrow found me when I was young / Sorrow waited, Sorrow won. » . C’est en cela, peut être, que ce High Violet est le plus rock’n roll. Dans cet ultime dénuement des sentiments, cette sincérité de tous les instant. Certes le leader du groupe à toujours mis un point d’orgue à utiliser sa voix éthérée dans cette optique, mais ici on sent une envie nouvelle, plus forte que précédemment peut être.

Ce disque de The National est un pur bijou, un diamant brut qu’il ne faudrait surtout pas polir. C’est un grand disque de Rock, rêveur et le moral un peu bas, mais oui rock. Un rock qui a appris la retenue, qui ne se cache toujours pas, qui sait taper là où ça fait mal sans hurler comme une brute. The National c’est du rock oui, mais du rock classe.

Fais tes devoirs !

Truc indispensable à voir en parallèle à l’écoute de l’album, ces sessions enregistrées dans un château abandonné. Je vous laisse ici Terrible Love et vous laisse le soin de regarder de vous même les deux autres.

Pour le reste, l’album écoutable ici .

Jazzellerault, festival de jazz de Châtellerault, fait venir chaque année, depuis dix-sept ans déjà, la crème mondial du jazz (Stéphane Grappelli, Herbie Hancock, Michel Petrucciani, Marcus Miller, Yuri Buenaventura,…). L’édition de cette année ne déméritait d’ailleurs en rien. Du 28 mai au 5 juin derniers, se succédaient l’Orchestre National de Barbès, Stacey Kent, Avishai Cohen, Tony Allen, Manu Katché, Roberto Fonseca et Eric Bibb. Ne pouvant malheureusement pas assister aux deux premiers concerts, j’ai toutefois profité, tous les autres soirs de la semaine de l’accréditation que les organisateurs avait gentiment accepté de m’attribuer. Un vrai régal dont voici le compte-rendu:

Avishai Cohen

Ambiance bleue et bougies sur l’avant-scène, le concert s’ouvre sur les enlacements sensuels du contrebassiste israélien avec son instrument. A l’archer ou avec les différents parties de sa main, il le fait geindre de manière saccadée mais mélodique. Puis, Avishai Cohen, de sa voix suave et chaude, entame en hébreu des arabesques vocaux. Accompagné d’un pianiste, d’un batteur, d’une choriste et d’un oudiste, il développe un jazz très moyen-oriental aux thèmes variés. Les belles ruptures de rythme y agrémentent les chants lancinants. Les solos impressionnants d’Avishai Cohen le font s’enrouler autour du manche à mesure que l’improvisation avance. Il remue, s’amuse, tire la langue, opine du chef et, en maître, récupère le thème original à l’apogée de son solo. La voix vacillante de la choriste habille, dans le morceau suivant, des phrases musicales complexes et sautillantes.

Puis, dans un nouveau solo Avishai Cohen se cambre et tend l’oreille. Son pianiste, réussissant à le suivre dans l’arythmie jazzy de ses élucubrations, permet la création d’une alchimie contagieuse. Tout tend peu à peu vers le dantesque malgré la si charmante retenue constitutive du jazz. L’explosion contenue entraîne des regards complices et des invectives en anglais à « se lâcher ». Le titre fait se balancer la salle. Presque funk par moment, il se clôt dans un solo rock suraigu de l’oudiste qui a, pour le coup, pris une guitare électrique. Le rythme oriental et hypnotique du morceau suivant laisse admirer le ballet de doigté de l’israélien qui, incontestablement, fait d’un instrument d’accompagnement un véritable outil créatif et prééminent. Puis, complice, il entame un solo où, rompant avec le thème, il s’approprie un à un quelques grands thèmes jazz. La salle, conquise par la sympathie et le talent du quintet, applaudit frénétiquement.

S’engage alors le dernier morceau, explosif et débridé. A demi debout, le public réclame le retour des musiciens. Seuls le piano et la chanteuse reviennent pour un duo sensuel et nuancé. Puis tous sont de nouveau là pour un titre rythmé et très oriental qui, tout à coup, se brise pour devenir une salsa envoûtante où le chant espagnol nous fait embarquer sans prévenir dans un nouvel univers. Un concert finalement aussi déroutant que jouissif. Joyeux et ensoleillés, Avishai Cohen et ses acolytes sont montés en puissance à mesure que le set avançait. Un petit bijou introspectif et débridé de recherche d’émotions.

Tony Allen

et Tony Allen – Secret Agent

J’attendais beaucoup de cette rencontre avec l’un des derniers mohicans de l’afrobeat. A près de 70 ans, l’ancien batteur de Fela égrène encore les salles du monde entier, cette fois-ci en tentet. Et, dès les premières mesures, pas de doute : ça pulse déjà ! Deux guitares, une basse, un clavier, deux saxs, une trompette, une chanteuse et « Doctor Beat » à la batterie (c’est du moins ce qu’indiquent les strass sur son t-shirt pourpre). Petit bonnet noir à bande doré et lunettes de soleil sur le haut du crâne, Tony donne le tempo à sa clique et perpétue la légende. D’une joie communicative (dès le premier morceau le guitariste et la chanteuse dansent sur scène), les neuf musiciens se lancent dans de longs thèmes à l’intensité sinusoïdale mais au funk indéniable.

Tête haute, le Nigérian, impassible, scrute ses acolytes. Les instruments à cordes sont tenus par des dreadeux aux costumes bariolés, tandis que le clavier et les musiciens à vent, eux, ont plus un style vestimentaire salsa-cubain. Or, si l’habit ne fait pas le moine en toute circonstance, il faut dire que là, le mélange s’avère aussi vrai qu’il est détonant. Avant de se lancer dans un second morceau, Tony Allen prend la parole et réagit au fait que le concert soit assis : « No time for talking now. I’m sure you’ll not seat down all the show along. » Et les voilà repartis de plus belle. Une incompréhension toutefois subsiste : comment la dame à ma droite peut-elle s’endormir ? Parce qu’il faut savoir que les cuivres impulsifs et saccadés rentrent alors dans la danse avec puissance. Impressionnant de facilité, Tony Allen se lance dans un solo sensé où les baguettes voyagent avec une folle fluidité de tom en tom, et de cymbales en caisse claire.

L’afrobeat très profond du tentet prend aux tripes. Les cuivres et les guitares plus aigus s’immiscent dans votre tête tandis que la basse et la batterie vous remuent l’estomac ; et c’est envahi que vous applaudissez la fin d’un thème qui perpétue et excède la tradition du Black President. Dans le bourdonnement bouillonnant du morceau suivant, Tony chausse ses verres fumés. « Secret agents see your life », serine la choriste. Happés par le beat, le public commence à se lever. A la fin du titre, l’enfant de Lagos reprend le micro : « I have a big problem ! … Ask me what my problem is ? » Un spectateur se dévoue et lui hurle : « What is your problem, Tony ? » Le batteur sourit à pleine dents, puis reprend : « We need you to jump ! », et dès qu’il prononce le dernier mot, la musique repart, enflammée et volubile. Convaincue, une partie du public se lève et vient se placer en dansant devant la scène. Les autres, restés debout, applaudissent en cadence. Sur la scène, il y a le feu. Le batteur lance un « Thank you » de ravissement, comme si le concert, enfin, était lancé.

A la fin du morceau, le Nigérian se lance dans une explication théorique de ce qu’il veut que sa musique nous apporte. Par un « take you back and bring you forward », il montre à quel point il a conscience que sa musique est en mouvement. Mélange métissé d’époques variées et de styles éparpillés, l’afrobeat de Tony Allen est une offrande. C’est d’ailleurs pour cela qu’il enchaîne avec une chanson aux paroles équivoques : « Every day, I say, is good to celebrate ». Les solos s’y multiplient : basse en slapping, trompette festive et guitare hurlante et compagnie. Mais déjà le set est fini. Un rappel vigoureux fait revenir la troupe tout sourire. En récompense le surpuissant « Afro-disco beat ». Le deuxième morceau de rappel, lui, s’ouvre sur un tonitruant solo d’intro. Et quand tout se clôt, ne reste qu’un unanime bravo pour celui qui, fièrement et à bout de bras, de l’afrobeat porte le flambeau.

Manu Katché

Pour la première fois depuis l’ouverture de cette édition, la salle est comble. Personnage médiatique qui s’est donné, un temps, le rôle de l’expert intransigeant des plateaux de la Nouvelle Star, Manu Katché est (c’est un fait) peu connu du grand public pour ce qu’il est réellement : l’un des tous meilleurs batteurs de jazz de sa génération. Il a pu certes le prouver à plusieurs reprises sur le plateau de « One Shot Not », sa très belle émission de musique sur Arte, cependant, rien ne vaut la preuve en vrai. Quelque peu antipathique de prime abord, Katché n’est pas sur scène le personnage qu’il donne à voir. Batteur éclectique et arrangeur de talent, il est reconnu par le monde professionnel comme capable de donner de l’envergure rythmique à n’importe quel style de musique. La légion de musiciens avec qui il a eu l’occasion de jouer semble d’ailleurs le prouver : The Bee Gees, The Dire Straits, Jean-Jacques Goldman, Joe Satriani, Michel Jonasz, Jean Garbarek, Peter Gabriel, Laurent Voulzy, Tears For Fears, Simple Minds, Stéphane Eicher, Tracy Chapman, Yousou N’Dour, et j’en passe.

Ici accompagné d’un clavier, d’une basse et d’un saxophone, il entame un premier titre léger et aérien où la partition du saxophoniste (tout d’abord à la clarinette) s’en va virevoltante et joyeuse. Manu Katché semble, dans un premier temps, simplement accompagner l’instrument à vent. Après l’intro au piano solo du deuxième morceau, le thème, toujours subtil, s’accélère toutefois et mont d’un ton. Les rythmes donnés par Katché son complexes et carrés et permettent d’offrir un jazz extrêmement vivant, presque insouciant. La partition de batterie se fait ensuite un peu plus sourde, plus profonde tandis que le live monte en puissance et que le thème s’éteint à l’unisson.

Le morceau suivant, calme et lent, s’il est plus sombre, laisse cependant apprécier la gestuelle originale, très aérienne et mesurée, de Manu Katché. Très élégant, ce souci de précision fait presque penser au doigté d’un pianiste. Sur ce thème nostalgique, la partition minutieuse de la batterie joue dans le détail et illumine le contretemps. Y succède un nouveau titre beaucoup plus rapide. Chaude mais toujours un peu mélancolique, la trame de ce morceau demande plus d’engagement, comme le montre la partition de saxophone virevoltante et acharnée. Musicalement très varié, le set permet d’entrevoir avec une clarté grandissante l’hallucinante et irréprochable précision du batteur français. Sa gestuelle, ample et aérienne, rend en effet un son pur et clair, un son qui, s’il est retenu, est pourtant vif et prégnant. Aux mélodies suaves et recherchées, répondent les multiples subtilités du jeu de Katché.

A la fin du thème, le batteur prend un micro et s’avance. Il explique que si son dernier album est plus électrique que les autres, il a toutefois souhaité mélanger, pour le live, ses trois derniers albums, qu’il espère que c’est plaisant et qu’il remercie le public de s’être déplacé en masse. S’ensuit un morceau enivrant et impulsif où se déploie un jazz frénétique et puissant toujours aussi subtil. Le saxophoniste me fait forte impression. De manière assez surprenante, une heure et quart après que le set a démarré, s’annonce déjà la fin.

Au rappel, Manu Katché revient seul et nous offre une véritable démonstration déchaînée de ce qu’est un très bon batteur de jazz. Dégageant une incroyable sérénité, son amplitude singulière et sa précision à toute épreuve font mouche dans un solo de trois-quatre minutes mémorable. Avant qu’il ne s’arrête, les trois autres musiciens reviennent et reprennent dans un enchaînement parfait. Le morceau, dynamique et volontaire, laisse libre cours à la diversité et à la vitesse de jeu du batteur. En terminant par une ballade rassérénante, le quartet aura rendu une copie aussi convaincante que complète que Manu Katché clôt à merveille : « Devant un public comme vous, chaleureux, interactif et à l’écoute, eh ben, on est meilleur. Merci ! ».

Roberto Fonseca

et Roberto Fonseca – Zamazu

Plus décevant, le pianiste cubain qui joua un temps pour le Buena Vista Social Club m’est apparu un peu trop sûr de lui et expansif pour me plaire pleinement. Pourtant, tout était réuni pour ce quintet qui donnait là son dernier concert européen. Le premier morceau est très rythmé, presque mouvant. Fonseca chante le même thème que le saxophoniste. Un vieux monsieur qui dénote par rapport au batteur, au contrebassiste et au percussionniste qui, eux aussi, sont de jeunes musiciens. Toujours très expressif, Fonseca sourit et semble prendre un véritable plaisir à jouer. La majorité du temps de trois-quarts, il jette des regards complices à son batteur avec qui s’entame un savant jeu d’échos. Si d’un point de vue musical, les rythmes sont dansants et plutôt bons, le garçon se la raconte beaucoup, joue à une main, commente son propre jeu et paraît très fier de la musique qu’il nous offre. A la longue, c’est un peu exspérant. Et, alors que le saxophoniste fait désormais chanter sa clarinette, le pianiste cubain, lui, danse, se couche sur son piano puis soudainement se cambre.

Toutefois, le jeune homme, petite star de la musique cubaine, joue avec une grande facilité et une dextérité à toute épreuve. Véritable petite bombe d’outre-Atlantique, la salsa que le quintet développe est vive et entraînante. Fonseca, lui, s’amuse à improviser en réinventant sa propre musique sur l’instant. Cela lui permet de tester la réactivité de son batteur, ce qui le fait beaucoup rire. Le pianiste se lève de son siège et remue le bassin en hurlant de plaisir le bonheur qu’il a de jouer ainsi. Tous ses musiciens s’éclatent et se marrent. Il est dommage que j’aie peu accroché à cette ambiance très expansive car le niveau, pourtant, était très bon. S’ensuit un solo d’intro beaucoup plus calme où Fonseca exprime sa musique par de nombreuses petites mimiques, comme si les phrases musicales formaient pour lui des unités de sens, un dialecte intelligible.

On assiste alors à un petit « trou » de deux-trois morceaux dans le set où les thèmes semblent moins précis qu’au début, surtout dans les montées et les changements de rythme. Une heure après le début du concert, donc, je décroche un peu. Dans le morceau salsa qui suit, Roberto Fonseca en fait des tonnes. Commentant de grognements son propre jeu, il invective même ses musiciens à le suivre dans son solo. Plutôt que de nous raconter une histoire, il semble finalement se la raconter tout seul. Pourtant, les musiciens (surtout le batteur) sont assez impressionnants. Au morceau suivant, le jeune cubain se lève de son piano et vient chanter sur l’avant-scène. Il fait participer le public. Puis, charmant, il tente de parler français. Quelque peu perdu, il demande conseil à son batteur. Tous (y compris le public) sont morts de rire. Voilà qui finit de conquérir la salle qui maintenant se lève pour frapper en rythme les sérénades cubaines. Dans un morceau plus calme, Fonseca me séduit néanmoins de sa voix au registre très large dont les incantations frôlent le frénétique. Le dernier est une apothéose salsa où s’incorpore une très belle digression sur « Besame Mucho ». La salle de Châtellerault aura le droit, pour le dernier concert européen du pianiste cubain, à quatre morceaux de rappel : un véritable bonus de plaisir pur de la part d’un quintet qui se connaît par cœur et s’amuse.

Eric Bibb

et Eric Bibb – New Home

T-shirt rose large et délavé, pantalon de costard, chapeau à bord large noir, Eric Bibb, enfant spirituel du bayou, entre seul en scène avec sa guitare acoustique. Dès les premières mesures, un blues galvanisant envahit les sonotones. De sa voix caverneuse où pointe un grain, le bluesman se lance dans un chant repentant. Même au plus fort des solos d’entame, seule la tête d’Eric Bibb bouge. Pincements de cordes et remuages de guitare vibrants font de ce premier titre un titre blues très classique. Dès le deuxième morceau, une belle ballade mélancolique, Bibb chauffe et s’active, dansant légèrement d’un pied sur l’autre. A la fin de la chanson, arrivent ses musiciens (un batteur, un contrebassiste et un guitariste électrique).

Le titre qui s’ensuit, « Blues Walkin’ Again » fait monter le concert en puissance. L’indéniable apport des musiciens étoffe les partitions vocale et instrumentale de l’Américain. Au son d’« I’m building a new home », la salle cadence le rythme d’un  vrai bon blues. Puissante et tellement communicative, cette musique est ici maîtrisée à la perfection : c’est jouissif ! Alors qu’il finit sa chanson face au public en délire, Eric Bibb regarde, complice, ses musiciens et, heureux d’avoir une salle enflammée, reprend de plus belle le thème qu’il vient de clore. Je n’avais jamais assisté à une telle pratique (qu’il exécutera trois fois durant le set) en concert mais il faut avouer que c’est rudement efficace pour attiser encore un peu plus la ferveur d’un public conquis.

La chanson suivante, beaucoup plus calme et commémorative, revient sur la grande inondation de 1926-27 dans le Mississipi. La guitare électrique, distordu en suraigu, envoie des plaintes lancinantes abrasives. Sur la fin, la chanson va crescendo et Bibb, si souriant face au public acquis à sa cause, bouge un peu plus. Tanguant d’un pied sur l’autre avec plus d’amplitude, il tape en rythme les pulsations de son blues. Le guitariste new-yorkais prend le micro et déclare tout sourire : « Now, a song called ‘‘Connected’’, ‘cause that’s what we are, connected ». Sur ce morceau ultra entraînant, les mouvements saccadés de Bibb deviennent presque frénétiques. Comblé, il se déchaîne et sa voix se fait plus caverneuse encore. Les allants soul de ce titre viennent ponctuer en beauté les attentes de la salle. « Thank you so much. I’m feeling you tonight ! », lance-t-il avant de reprendre en alterné, trois morceaux durant, deux thèmes calmes et nostalgiques et un titre plus musclé aux paroles hédonistes. Pour le dernier morceau du set, le bluesman dévoile un titre unificateur à la rythmique contagieuse où résonne un appel au partage : « Open up the door. Get on board ». Et, pour conclure, il nous tend « For You » en rappel. La rythmique ensoleillée et communicative propulse des paroles d’union : « Give me your dreams : together we’ll make them come true ». Et, au bout d’un solo déchirant et en hommage à un public conquis, il ferme son concert en français, en s’époumonant : « Pour vous ! ».

Mieux les connaître :

• le site officiel de Jazzellerault.
• le site officiel de l’Orchestre National de Barbès, leur myspace, et sur deezer et spotify.
• le site officiel de Stacey Kent, et sur deezer et spotify.
• le site officiel d’Avishai Cohen, son myspace, et sur deezer et spotify.
• le site officiel de Tony Allen, son myspace, et sur deezer et spotify.
• le site officiel de Manu Katché, son myspace et sur deezer et spotify.
• le site officiel de Roberto Fonseca, son myspace, et sur deezer et spotify.
• le site officiel d’Eric Bibb, son myspace, et sur deezer et spotify.

Le précédent postulat s’est vite vérifié, Gush en a dans le pantalon, j’ai les oreilles dans les chaussettes. Croyez moi, j’ai depuis changé mon fusil d’épaule. Pour les présenter: on parle d’un quatuor de 4 gueules défraichies; 4 coyotes qu’on croirait tout droit sortis des seventies, tant par le chant que par l’audace. Mathieu, Vincent, Xavier et Yan forment un groupe fougueux, qui trouble tous nos repères.

Dans un interview pour Marie Claire (archivée ici), ils décrivent leur jeu assez singulier puisqu’ils font tout à 4 (sans que ça soit scabreux), échangeant guitare, batterie et chant:

Ce n’est pas toujours facile, on doit se mettre en place, faire des essais … Il n’y a pas de leader qui dirige les opérations, donc ça peut parfois devenir compliqué. Mais la plupart du temps, c’est simple : l’un de nous arrive avec une idée, il la joue, puis les autres se greffent dessus et ça se passe très bien. En plus, c’est cool, créatif, ça permet de changer de version en inversant les rôles sur scène, donner différentes interprétations.

En essayant d’énumérer leurs influences, j’ai encore failli me casser la gueule. Décidément rien ne va. Car Gush est singulier, avec un nom qui sonne comme une onomatopée, une cadence rock, saturée par une voie rouillée, apaisée par une mélodie en filigrane, portée par les claquements de main, et qui laisse tout l’espace à la rythmique de la batterie. Pas de refrain, pas de couplet, tout n’est qu’intro ou final. C’est ainsi que leur son sait vous marteler avec insistance. Gush fait les choses à sa manière.

L’énergie prodiguée par Back home donne le tempo aux mouvements de hanches. Ce morceau contribue à l’inertie de cet album qui, comme soutenu par des ondulations sismiques de haute volée, provoque l’animation des corps en masse. Le credo apparent de Gush, c’est de se lancer, l’air de rien, sur des chemins complexes. Il est toujours difficile de prévoir le tournant que va prendre une chanson et c’est souvent une belle surprise.

On m’avait dit que ce groupe prenait toute son aisance en concert, je n’ai aucun mal à l’imaginer. Quand ce n’est pas pour taper partout, Gush réalise des crescendos électrisants – You Really Got Style image ça très bien. La tension monte et avec, c’est une foule qui s’agite derrière le micro. Le chant est légion, les cœurs se mêlent, s’emmêlent, sur ce point on note un subtil travail sur les harmonies qui n’est pas sans effet. C’est en partie pour cette raison que le groupe invite à l’émeute festive. Français et insolents, cela va de paire. Non seulement Gush peut revendiquer une énergie folle mais en plus, il s’exécute comme s’il avait toujours était là. Everybody’s God donne une sacrée leçon aux anciens du genre et c’est pourtant leur 1er disque.  Aussi, pour ne pas avoir été réceptif tout de suite, je dirais qu’on a affaire avec l’un de ces albums qui s’amplifie plus on l’écoute, gagnant chaque fois en profondeur. La faute peut-être à cette voix habitée.

On trouve aussi sur ce disque d’énormes surprises, notamment avec P.nis. À une lettre près ça devenait obscène, ils le disent eux même « à la première écoute, [P.nis] a l’air d’être une chanson tout à fait jaillissante si je puis dire, c’est l’impression qu’elle donne, et à juste titre, mais c’est aussi une façon de parler d’amour » (Gush en interview chez Brain Magazine).   Avec une intro aussi bluesy, c’est le calme avant la tempête. Après 2 minutes de répit, la musique reprend sur un air inattendu, funk presque disco. J’avoue avoir du mal à décrire ce morceau mais il est couillu, oui, et pour sûr réussi.

Je ne regrette pas de l’avoir laissé murir. Tous les disques ne sont pas faciles à appréhender et celui-là réunit tous les ingrédients pour vous décoller la plèvre. Finalement, un grand disque pour ce début d’année, qui devrait arriver dans 4 jours (le 15).

Le myspace du groupe; Let’s Burn Again en écoute ici…

En 2007 le trio du Butler et sa fougue incontestable nous soufflaient encore depuis les antipodes. Un retour après 3 albums aussi excellents (disque de platine puis disque d’or c’est pas rien) et une tournée qui aura fait parler d’elle, on l’attend de pied ferme. Souvenez vous, on parle d’un type coiffé de dreads, jovial, engagé, au sens rythmique incroyable et qui mélange bluegrass, rock et folk.

Sans ce couvre-chef capillaire qui lui allait si bien, on croirait le Butler vieilli. « Point du tout » me direz vous, car sur One Way Road c’est sans détour qu’on retrouve l’esprit (la jeunesse ?) perdu depuis Sunrize Over Sea; comprenez une fougue naturelle, brute, celle qui donne toute sont âme au trio. Enfin… puisque ce trio n’est plus le même et que seule sa tête pensante demeure, c’est plutôt l’identité du leader qu’on peut prétendre retrouver.

Pas encore de date prévue pour April Uprising, l’album sur lequel figure le présent morceau.

Via Soul Kitchen.