Parce qu’il y a quand même une bonne nouvelle dans cette tragédie : Michel va sortir un nouvel album cet été. Même que ça va s’appeler Être une femme 2010.  Tout un programme. Et au menu il y a donc – je vous le donne en mille – une mise à jour de son morceau des années 80 qu’on ne présente plus. Mais la plus grande nouvelle reste que Michel, pour rester hype du haut de ses 63 ans (coucou la réforme des retraites !), a collaboré avec Laurent Wolf. Oui. Heureusement, malgré son hooliganisme informatique, Michel reste fidèle à ses valeurs et a aussi travaillé avec Didier Barbelivien. L’honneur est sauf.
Je pourrais continuer longtemps comme ça mais je préfère vous laisser constater par vous-même : 50 minutes de bonheur où Michel marmonne deux-trois trucs sur le mauvais théâtre, les gros avions et le sexe.

Et comme il faut bien justifier la blague pourrie qui sert de titre à ce billet, replongeons dans le passé pour se délecter d’un des plus grands morceaux du Michel d’avant, le Michel qui avait de vraies valeurs :

Flux qui m’a permis de découvrir et d’écouter, depuis ma chambre à Paris, Ballaké Sissoko et son associé pour cet album, le violoncelliste Vincent Ségal. Flux qui m’a permis de me téléporter instantanément pour un voyage sensoriel et métaphysique vers l’au-delà de l’âme. Un voyage par le corps. Chamber Music porte bien son nom, cet album est fait pour être écouté chez soi, dans les  tréfonds urbains d’une ville occidentale, afin de s’échapper pendant près d’une heure loin des soucis du quotidien au beau milieu de la faune africaine.

Cet album est un petit chef d’œuvre de composition et d’ambiance, un assortiment de douceurs, de talents et de finesses. Le plus incroyable avec Chamber Music, c’est qu’à la première écoute, Ballaké Sissoko a réussi à me faire complètement oublier qu’il s’agissait d’un son digital que j’étais en train d’écouter, parce qu’en fermant les yeux, je le sentais à côté de moi en train de manipuler sa kora, me berçant dans ma recherche de sommeil. C’est un album pour s’endormir, en effet, car la couleur, la chaleur, la facilité qui en ressort nous fait oublier toute notion de temps qui passe ou de titres distincts. Et pourtant il y a une véritable cohérence, une véritable évolution dans cet album, ceci n’est pas une errance, c’est un itinéraire dans les sonorités, avec étapes de nuit dans différents petits villages et vallons africains, constituées par les dix titres de l’album. Je trouve ainsi formidable cet effet qui rend impossible au premier abord la différenciation entre un titre et un autre, mais qui, après écoute attentive nous révèle la particularité et l’univers de chacun, pour en arriver à des ambiances aussi distanciées que l’aurore de Houdesti et la crépusculaire Histoire de Molly.

Pour conclure, je ne peux que vous inciter à brancher votre sonotone sur Chamber Music, lors d’une interminable soirée d’été, seul ou en compagnie de vos proches, en lisant un bon gros bouquin ou simplement en fond pour accompagner vos discussions qui pourront alors presque revêtir la forme d’un conte ou d’une légende.

Pour aller plus loin

• L’album sur Spotify, Deezer.
• Le reportage de Jav’ au festival Jazz Sous les Pommiers
• Le myspace de Ballaké

Faut toujours qu’il se fasse remarquer celui-là. J’vous jure. Non content d’être un webmaster surdoué, un ami très précieux, un chroniqueur talentueux et un stagiaire heureux, ce satané Pirhoo a eu un accident de voiture. Genre grave. Genre il va pas poster ici pendant très longtemps et rester allongé dans un lit pour au moins autant de temps.

On espère qu’il reviendra bien vite. Et qu’on ne lui manquera pas trop. En attendant, on a pas trouvé mieux pour le remettre sur pied que de concocter une petite playlist spéciale pingouin, spéciale hôpital, spéciale accident, spéciale guérison, spéciale un peu tout. Parce que le bougre nous manque déjà et qu’on a bien eu peur.

Et parce qu’en plus de déboucher les oreilles, on a prétention à réparer les fractures, panser les plaies et accélérer la guérison. Rien que ça. Branche ton Sonotone, donc.

1. Radiohead – Stupid Car

L’angoisse qui se dérobe, une tristesse sourde et une certaine forme de désespoir se nichent dans l’ambiance ouatée de cette chanson; bonus de l’album Pablo Honey. Et quand on connaît les circonstances de l’accident, on ne peut pas s’empêcher, à l’instar de Thom Yorke, de se lamenter sur cette voiture stupide. Stupid, stupid car.

2. Johnny Cash – Hurt

Cette chanson de Nine Inch Nails, reprise par Johnny Cash en 2002, parle d’autodestruction, de désespoir, de mort. Rien de ce qu’on voulait dire avec cette playlist. Mais pourtant, Johnny Cash possède une voix habitée par la souffrance, la blessure, la fêlure, la tristesse. Ce qui la rend réconfortante, aussi. Elle est ce genre de chansons qu’on devrait toujours garder dans un coin de la tête. Car personne ne dit mieux que lui l’inconstance de l’homme et l’incertitude de la vie humaine.

3. The Prodigy – Take Me To The Hospital

Il faut être un peu fou. Oui, un peu fou, pour trouver dans cette imprécation hallucinée, presque schizophrène, une quelconque pharmacopée à l’usage du webmaster amoché. Mais justement, c’est bien là son principal trait de caractère (d’être fou, pas d’être webmaster voyons). En plus, on soignait bien les fous à l’électrochoc. Alors bon. Tant qu’il ne se lève pas de son lit pour agiter ses bras et ses jambes dans une transe extatique provoquée par les beats urgents et la moiteur malsaine de Prodigy, tout va bien. Tout va bien je vous dis.

4. Explosions In The Sky – Catastrophe And The Cure

Post-rock dialectique. Une longue montée en puissance bruitiste, vaporeuse et martiale. Puis le redoux, le dégel, l’apaisement, le havre de paix bienvenu d’une chambre d’hôpital. La catastrophe, puis le remède. On peut tout dire sans prononcer un mot. Cette chanson, parue sur le quatrième et dernier album des texans, le montre bien.

5. The Rolling Stones – Sister Morphine

La meilleure amie de ceux qui luttent contre la douleur et les blessures. Une amie perverse auquel on s’habitue trop vite. Je soupçonne que les mots de Mick Jagger ne s’adressent pas uniquement à « sister morphine », mais plutôt à ses petites copines bien moins sympathiques et plus addictives. Rêverie d’un blessé en souffrance ou égarement d’un junkie en manque ? Peu importe : la beauté infectieuse de ce joyaux de Sticky Fingers n’a pas pris une seule ride, malgré ses 39 ans bien tassés.

6. Cold War Kids – Hospital Beds

Une chanson désespérée, un peu hallucinée mais brillante. Une voix fragile et forte, aigüe et profonde. Un délire de fièvre, une divagation d’un esprit à l’étroit dans un corps meurtri? Un écho des douleurs et des espoirs d’un couloir immaculé ? « I’ve got one friend laying across from me ». So have I.

7. Keith Jarrett – The Cure

Le remède. La musique peut parfois jouer ce rôle. Je peux vous garantir qu’après ces 8 minutes de traitement de cheval, notre Pirhoo préféré galopera comme un bienheureux. Stratosphérique, mirifique, étourdissant, désarmant. Autant d’adjectifs qui semblent coller à cette chanson plus efficacement qu’un strap noué par un infirmier borgne de l’armée rouge. Ne surtout pas respecter les doses prescrites.

8. Eels – Hospital Food

Eels, c’est un des amours de jeunesse de notre webmaster accidenté. Quoique fasse Mark O. Everett, Pirhoo trouve toujours ça génial. Au pire, il aime juste bien. Alors pensez-donc, quand la chanson vient du groupe au temps de sa splendeur et de son relativement-désaxé-et-encore-je-pèse-mes-mots premier album Electro-Shock Blues, le manchot est en émoi.

9. Get Well Soon – Prelude

Rien que le nom de ce groupe pose le décor. Parce qu’on a parlé de blessures, de morphine, de bouffe d’hôpital, mais il est temps de lui souhaiter plein de bonnes choses. Tiens, Konstantin Gropper, du temps où il sortait de bons albums, s’en charge pour nous « rest now, weary head, you will get well soon ! ». Tout est dit.

10. Johnny Cash & Willy Nelson – On The Road Again

La légende qui reprend une autre légende, en compagnie de ladite légende. Z’avez pas compris? Tant pis. Gardez juste en tête que c’est une bande de potes, qui s’amuse beaucoup, et qui a hâte de continuer comme avant. Ça ne vous rappelle rien ?

« We’re the best of friends,
Insisting that the world keep turnin’ our way.
And our way is on the road again.
I just can’t wait to get on the road again.
The life I love is makin’ music with my friends.
And I cant wait to get on the road again. »

Bisous copain, et remet-toi bien.

• Retrouvez la playlist en vraie qualité sur Spotify !
• Tous les mots doux et suggestions d’ajouts à cette playlist sont les bienvenus en commentaires !

Je suis loin d’être un expert en électronique, mais je crois que le tour de force de ce Nicolas Jaar est le même que ceux que réalisent, chacun dans leur style, des artistes comme Four Tet ou Pantha du Prince : proposer une électronique élégante, d’une richesse sonore époustouflante et exigeante, tout en jetant des œillades appuyées en direction du dancefloor. Entre froideur teutonne et exubérance latine, on va entendre parler de Nicolas Jaar pendant longtemps encore. Sortie sur le maxi Time For Us dont elle est la face B, la chanson Mi Mujer en est une preuve quasi-définitive. Comme on est tous enthousiastes dans l’équipe, soyez certains que vous en entendrez parler ici aussi.

Contrarié de se mouvoir dans un stéréotype d’ado pré-pubère (bon il a 23 ans), Jamie T a eu un jour la bonne idée de faire un skeud bien a lui, et ma foi, il faut reconnaître que c’est pas si mal.

Première approche: pouaaaaa dég’, opportuniste dégénéré, une chanson nommée If You Got A Money, c’est sûrement un traite, vil, lâche vendu au grand capital ! Curieux tout de même (et cupide), je branche le tourne disque, sait-on jamais… Puis vous vous en doutez, vous avez vu la note, c’est une poutrelle d’énergie qui s’abat sur mon défectueux appareil auditif; une vieille guitare qui sature sur trois accords à deux balles, un chant cadencé: c’est un début gentil, la suite est redoutable.
Ce qui surprend c’est d’abord la symbiotique combinaison entre les gymnastiques labiales de Jamie et la basse: Talitoumta, tim tatoum taaa, tomtomtemtétomtom chanté sur des Doum Doum, Da Doumm (je fais hy-per-bien la basse) avec de légers tchink tchink, tchink tchink (ça c’était la cymbale) – à écouter, vraiment. C’est en quelque sorte une autre façon de faire du squat, réellement intéressante et qui fait de cet effort vocal constipatif, un véritable moment de bonheur auditif.
On peut pas dire que le reste de l’album emprunte beaucoup au Jazz… Pourtant c’est la singularité de Jamie T: chanter joliment des bruits, avec une voix cassée d’ado libidineux.

Pourtant il y a un punk qu’on devine assez facilement sur des chansons comme Back In The Game, insolent enchaînement, légèrement blues sur guitare acoustique… Ou encore sur la plus expérimentaleDry Off Your Cheek: le chant est lointain et rauque, avec toujours cette habitude de répéter les syllabes et les mots, avec parfois une dissonance impulsive. Le mélange des genres apparait en fait assez subtil, pas évident lorsqu’on parcoure l’album qu’une fois. La suite nous dévoile par exemple des titres  comme Ike & Tina et Calm Down Dearest qui eux s’accompagnent d’influences Hip Hop.

À l’image de son auteur, cet album est en fait un fourre-tout qui sent la bière et le tabac froid. Dans la déjà évoquée Dry Off Your Cheek, c’est à se demander si Jamie T n’est pas complètement ivre, suintant l’alcool et l’urine. Il devient dégoulinant de mendicité,  produisant une entraînante, voire irrésistible, envie d’aller se planquer sous un pont. Jubilatoire !

L’ensemble forme en fait quelque chose d’assez complet et abouti. Une compo’ extralucide d’un artiste qui aborde sereinement une tendance très à la mode, de bordel pop et de désinvolture, à l’instar de The Street (désolé c’est le seul exemple que j’ai trouvé). Je vous recommande vivement d’écouter les B-Sides Sheila et Calm Down Dearest qui sont vraiment complémentaires  et inspirés (notamment un duo avec Lily Allen, tendre et réussit, nommé  Rawhide !). Je regrette vraiment de ne pas l’avoir découvert plutôt et j’attends avec impatience l’EP qui ne devrait plus trop tarder…

Défonce toi la membrane

Bref, poursuivons. Avant de rentrer dans le vif du sujet, il apparait nécessaire d’établir un petit éclaircissement sur le personnage. Bon, Hell est, grossièrement, l’une des figures incontournables de la musique électronique des vingt dernières années. Père fondateur de l’électroclash, ce style hybride assez indéfinissable (un peu un mot fourre-tout comme trip-hop)  mélangeant la techno froide de Détroit au son punk-new-wave-disco etc etc des années 80-90, dénicheur de bombes (Gigolo a signé entres autres Miss Kittin & The Hacker, Vitalic, David Carretta…), c’est à la fois le pont entre les pionniers allemands de l’électro, ce style dit krautrock, des Kraftwerk notamment, et une techno futuriste et syncrétique (j’adore ce mot). Sans renier ses origines auxquelles il rend hommage dans Electronic Germany (Transgermania express toussa toussa), Hell dépasse ses influences, les mixe, les triture, les travaille pour obtenir un son léché, tordu, puissant. Une musique totale.

Teufelswerk est sans nul doute un excellent album de musique électronique, appelé à tenir sur la longueur comme un album que l’on écoute et réécoute sans jamais vraiment s’en lasser. Non pas parce que sa pochette est excessivement classe (ce jaune criard, ce noir profond, ces formes droites et brutes et ordonnées, ce corps puissant qu’on entraperçoit, mmmh tout cela n’est pas sans éveiller des fantasmes ayant vaguement trait au nazisme  tel qu’on se l’imagine primairement et le point Godwin est gagné // nan sans déconner c’est vraiment une superbe pochette rétro-futuriste qui colle parfaitement au son). Mais premièrement parce qu’il est riche : en effet, ce double-album se compose comme un diptyque Night/Day sur lesquels Hell laisse libre cours à son inspiration. Deuxièmement, parce que ces deux parties en apparence opposées forment un tout pour donner un double-album global et très cohérent. Une œuvre totale et aboutie en quelque sorte.

L’album commence par Night, ce qui paraît logique puisque la nuit est le lieu de vie du DJ, plus que le jour. Night, c’est 8 titres crasseux, incroyablement puissants, qui suintent le stupre et la luxure. L’album s’ouvre ainsi par U Can Dance, excellente collaboration entre le crooner américain Bryan Ferry et le boss de Gigolo Records, ce qui donne un track moite et charnel qui met en transe, bercé que l’on est par la voix langoureuse  du chanteur. Puis, il se poursuit avec The DJ, ou rien de moins que Sean Combs aka P. Diddy se déchaîne en roue libre et second degré, faisant l’éloge des DJ passant des tracks longs et puissants, because  « I hate the four minute version where you can’t even get into your… your… your… thing ! ». Du grand n’importe quoi dématérialisé. Ce sont là les deux featuring majeur de Night, ainsi que deux des meilleurs titres, bien qu’il soit difficile de dégager une préférence tant l’album, produit par Anthony Rother, est cohérent. Pendant 1h10, l’auditeur est donc bercé de ce qui se fait et s’est fait de mieux dans la techno (un de ses morceaux rend un épique hommage à l’« Electronic Germany ») tant Hell jongle avec les styles et les influences : du krautrock à la techno de Détroit ou Chicago en passant par la new-wave et le punk.

Et puis, Night fini, Day point naturellement. La deuxième partie du diptyque est radicalement différente de la première : elle se conçoit comme son prolongement antithétique (haha mais je dis tellement de la merde sérieux si vous lisez toujours vous devez bien vous foutre de ma gueule et vous avez raison). Si Night suinte la luxure, les boucles crasseuses et synthétiques, et, pour reprendre l’expression sympathique d’un obscur éditeur gardois « les putes résillées et l’électroclash », Day est planant, lancinant, aérien, mélancolique. C’est un album à écouter en regardant le soleil se lever. Celui-ci est plus instrumental que synthétique, ce qui parvient à lui donner une profondeur qui n’est pas le but de Night (qui fait danser suer et forniquer). The Angst part 1 & 2 y est sans doute le plus beau morceau, double-composition lancinante et syncrétique de 14 minutes où toutes les influences de Hell passent à la moulinette : du krautrock à l’ambient en passant par les chœurs les guitares et les synthés. Du très grand.

Pour résumer, ce Teufelswerk ne laisse aucun goût d’inachevé : au contraire, c’est un précis monumental de musique électronique intelligente, à la fois diaboliquement dansante (comme son nom l’indique) et teintée de rêverie mélancolique,  à la fois charnelle et émotionnelle, à la fois tournée vers le passé et fondatrice. Et, pour finir la conclusion d’une manière aussi putassière que l’amorce introductive : cet album aux deux visages puissants, élégants, pertinents aurait plutôt mérité le nom de Januswerk. Désolé.

Laisse Méphistophélès susurrer à ton oreille

Les portes de l’enfer

• DJ Hell sur Myspace où l’album est intégralement disponible à l’écoute
• Le site Infernal

Elle fait partie de toute cette team hypo-arty genre Gonzales, Soulwax, Tiga, James Murphy, Digitalism, Simian Mobile Disco etc. dont elle s’est d’ailleurs entourée pour accoucher d’I Feel Cream ce quatrième album relativement plus abouti que les deux précédents, où Peaches tente de montrer une autre facette de son personnage de braillarde disco-punk-latex-porno. En effet, si l’on se souvient de Fatherfucker ou Impeach my bush, on retiendra des tracks très électro-rap-pute-bitch-dick plutôt freshs mais assez lassants et répétitifs à la longue sur fond d’électro-punk plus ou moins agressive et minimaliste.

Mais à 42 ans, Peaches a décidé qu’il était temps de changer un peu, se calmer sur les poses suggestives et le crachage d’insanités, en gros, ne pas faire sa Madonna II, une vieille pute qui refuse l’érosion de l’âge en adoptant illégalement des enfants au Swaziland. Sans doute l’effet des premières bouffées de chaleur, cette prise de conscience quadragénaire de la finitude imminente de ces menstrues incommodantes auxquels on s’habitue pourtant. C’est pourquoi, Meryll Nikster aka Peaches a franchi le pas : sur cet album, elle utilise à bon escient son très bel organe. Vous l’avez parfaitement compris : elle chante des vraies mélodies et tout et tout, un peu comme Miss Kittin dernièrement. Avec sa voix -juste- elle amène une once de douceur voire de calme (prélude à la tempête érotique). Ce qui fait donc une différence notable avec les précédents albums : celui-ci nous ménage quelque temps de repos entre les uppercuts salvateurs des rushs rappés de la bad girl en combi latex intégrale qui nous plongent violemment dans le stupre.

Le meilleur exemple de ce compromis entre tracks agressifs et plus calmes est sans doute le morceau éponyme I Feel Cream et son titre aux 10000 sous-entendus scabreux, sans doute l’un des meilleurs, construit comme une espèce de house progressive qui se monte lentement comme une crème fouettée (on me pardonnera la comparaison culinaire), ou un orgasme, les deux étant de toute façon très compatibles. Sur ce morceau, Peaches chante (bien) dans des refrains toujours aussi putasso-pêchus, alterne avec des passages raps, sur fond de ligne de basse distordue et régulière assez entêtante.
La chanson Lose you, elle, est plutôt surprenante : elle fait preuve une fois plus d’un degré de finesse supérieure : oui, c’est une balade électro ou Peaches parle de quelque chose qu’elle ne veut pas perdre sans prononcer le mot fuck. C’est un poil chiant mais pas tellement. Bon, je vais pas non plus vous faire une analyse détaillée des chansons de Peaches parce que ça aurait pas tellement d’intérêt : le personnage de punkette électro-porno-féministe et ses poses sexuellement outrageuses n’a pas bougé d’un poil, il a simplement dévoilé une autre facette de son art.

Pour résumer, cet album de la Canadienne gagne un tout petit poil en finesse sans rien perdre de son côté biatch, il peut s’écouter aussi bien en salon que se voir sur scène où il doit toujours arracher : on imagine parfaitement Peaches en star disco décadente second degré qui allume une scène entière en combi latex (dorée, de préférence) armée de godemichés. Il y a toujours ses chansons raps aggressivo-féministes  (Billionaire, Serpentine), mais avec des passages posés, du chants, de la mélodies. Un album un poil plus consensuel, un poil plus étoffé que ses derniers : objectif donc réussi pour l’artiste qui va sans doute réussir à gagner quelques gallons mainstream (bah ouais) et pourquoi pas passer un jour sur MTV entre Miley Cyrus et Avril Lavigne. Oh oui, soupir de jouissance perverse un poil déçu quand même.

Dilate ton organe

Liens

I Feel Cream sur Spotify

Le site de Peaches

Ainsi Pedro Winter, SebastiAn, DJ Medhi, Mr Oizo, Uffie, Kavinsky, Mr Flash sans oublier Justice déchaînent les foules partout où ils posent leurs sons brutaux et sans concessions à base de cu-cu-cut-ups chafouins.

Pourtant, parmi cette bande de jeunes gens agités du ProTools, il y a un mec plutôt quelconque, assez discret, et surtout très chauve, qui s’appelle Pierre-Antoine Grison (pfffrrrtt), ou plutôt Krazy Baldhead (la folle tête chauve quoi hohoho). Et qui a sorti, il y a quelques semaines, l’étonnant The B-Suite. Ce qui en fait bien sûr un événement pour le fana d’Ed Banger, mais aussi pour le curieux qui découvrait sans doute un artiste un poil méconnu du label, et qui s’en démarque d’ailleurs par ce joli coup d’essai.

Autant le préciser tout de suite, Pierre-Antoine Grison a fait le conservatoire durant une dizaine d’années en tant que jazzman, et il déclare avoir « passé les années 90 à écouter du jazz ». Ainsi, The B-Suite n’est pas un album électro comme les autres. D’abord parce que, inspiration classique ou non, il est découpé en 4 mouvements, oui des mouvements, comme dans les symphonies, eux mêmes découpés en 3, 4, ou 5 parties. Ce qui donne donc un album extrêmement cohérent, de bout en bout, qu’on écoute non pas sporadiquement mais d’une seule traite comme on écouterait un concerto (pierre manie les références classiques à la truelle, excusez-le, ce n’est pas son monde) de musique classique, ou un disque d’improvisation jazzy.

The B-Suite est donc un étonnant objet qui prend un peu le contre-pied du style Ed Banger : « ffft ffft ffft fffffffffffft bam bam bam boum ffffffftchaaaak binbin BOOOOH». Non, Krazy Baldhead a choisi de donner un côté sérieux à son travail, loin de l’aspect cartoonesque des Justice ou Uffie, ce qui est d’ailleurs très visible sur la pochette de l’album : désignée par l’inévitable So_Me en évitant cette fois les profusions joyeusement bordéliques de son style. Sobre, sérieux, cohérent, bref, mature, voilà donc un album qui dénote chez Ed Banger (qui est finalement toujours capable de surprendre son monde).

Ainsi sur le plan musical, c’est un objet très agréable à écouter, qui alterne avec des tracks plutôt hip-hop boum boum (2 movement part 2 aka Time feat TES, Katana Powa) voire funk (Sweet Night), où les réminiscences jazzys sont évidentes à l’intérieur même du « son Krazy Baldhead » où l’on croit parfois reconnaître des cuivres saturés et encrassés à l’extrême (l’excellent et progressif Saturnication). Bien sûr la patte Ed Banger est toujours un peu présente dans ce son saturé, limite crasseux, parfois distordu à l’extrême, mais qui évite les excès  « infra-cut-up » à outrance, un peu lourds à la longue.

Cependant, l’écueil du disque est sa relative répétitivité, ainsi que des tracks assez faibles, voire anecdotiques, engloutis par d’autres grosses bombes, mais tout cela est bien sûr dû au format très original de cette Baldhead-Suite, qui a fait le choix de la cohérence et de la continuité ! Pour toutes ces bonnes, et mauvaises raisons je mets un 7,547, que j’arrondis à 8/10, en vous encourageant à aller y voir de plus près, si vous aimez l’électro, si vous être ouvert à tous les styles en général, et même, et surtout, si le côté paillette du prescripteur de hype Ed Banger vous débecte.

Pierro.

Branche ton sonotone

Liens

Krazy Baldhead sur Myspace

The B-Suite sur Deezer.