Prenez ces deux là, mélangez, et c’est à mi-parcours entre deux états que vous rencontrez Baths. Baths est à la trip hop ce que les Pink Flyod sont au rock: un contrepied progressif. Il a bien des façons pour décrire leur musique; aussi, mêler les images d’un mécanisme industriel à celle d’une douceur exacerbée semble opportun, tant pour la place substantielle occupée par une telle combinaison, que pour la matière qui en résulte.

Initié cette année par Ceo, WU LYF ou Tame Impala, Baths suit le courant d’une musique singulièrement joyeuse, imprévisible et complexe. Animals est extrait de l’album Cerulean, paru le 22 juin dernier (et en partie en écoute sur leur espace).

Blockhead,  ce vrombissement infâme de trip hop édulcorée.
The Music Scene, cette thérapie primale, tendancieuse et incantatoire.

Blockhead, cet agrégat putride de black pops démodées.
The Music Scene, cette transe monomaniaque régressive, sans échappatoire.

Il fallait un clip pour illustrer furieusement cette érection pyramidale qui me fait abuser des adverbes comme des adjectifs. Nous somme en 2010, Blockead prend vie en image, tel un bras pénitent qui s’abat sur notre monde à l’aube de l’inéluctable jugement dernier. Je m’empresse de me convertir à  cette religion qui au fil de The Music Scene, l’album du même nom, ce fait l’apanage d’une beauté surnaturelle et inspirée.

Le jeu avec la musique trip/hop actuelle, c’est de savoir créer une certaine profusion instrumentale, synthétique et émouvante, en créant une atmosphère organique, aux limites de la perception humaine. La musique y est à la fois une machine et un être biologique. C’est un coup double qui donne au processus artistique les attraits d’une programmation industrielle: un élément isolé des autres n’a pas de sens, mais dans son ensemble, la chaine nous dévoile quelle interdépendance sévit entre ses composants et à son terme, l’ordonnancement dévoile un résultat imprévisible.

Saycet navigue dans ces eaux là même s’il ne s’identifie pas comme l’un de ses représentants. Je dirais plutôt qu’il en garde le meilleur pour y déposer sa marque, et il y a bien des façons de la décrire. Cette musique est à la fois sous-marine et aérienne, sauvage et maitrisée, urbaine et nature. Produire un genre qui confond autant les paysages, si riche et pourtant si simple révèle un véritable talent. De même, si les percutions électroniques traduisent souvent une certaine violence, avec SayCet elles ne sont jamais plus qu’un facteur supplémentaire pour équilibrer l’équation aux origines de la mélodie.

Mathématique, industrielle, autant de termes pour saluer certaine tendances: la logique, la mécanique ou la rigueur. On pourrait y déceler un manque cruel de spontanéité, je préfère les attribuer à la maitrise et même, à la démarche artistique de SayCet. Animer une telle sensibilité tout en sollicitant des rouages aussi élaborés, voilà un bel exercice de style qui s’accomplit sans faux pas.

Avec Opal, avant de connaitre l’album dans sa totalité, il était évident que la substance distillée par SayCet allait détenir une forte teneur en alcool; suffisamment pour que ses vapeurs provoquent de douces hallucination. Aussi plus ces volutes se font denses, plus la musique prend des accents de mélopée fragile,  que rien ne devrait venir troubler. J’en  conviens, ce minimalisme ne se laisse pas apprivoiser facilement, il en appelle surement à une grande part de notre subjectivité et sans clore cette chronique, la saveur de Through The Window peut difficilement se justifier. Mais il faut au moins lui reconnaitre le pouvoir de créer une atmosphère des plus douces, et parfois, trainer avec langueur sur des séquences électrisantes, voir envoutantes.

Contemplatif, c’est le terme plusieurs fois choisi par Lefeuvre pour parler de sa musique. Plus d’un mois après cette découverte, après l’avoir parcouru dans tous les sens et m’en être complètement imprégné, je donne mille fois raison à son auteur. On parle d’un disque qui se laisse admirer et qui vous effleure d’un contact presque invisible. Et c’est sur ce terme « contemplatif » synonyme d’hypnotisme et d’admiration, que je conclus cette chronique; même si le raccourcie est facile, c’est celui qui résume le mieux l’envergure de ce disque.

L’album Through The Window serra disponible le 22 mars 2010…

Allez plus loin

• le MySpace
• notre billet pour écouter Opal de Saycet
• la chronique de Thibault sur La Quenelle Culturelle
  
• celle de JN sur Derrière La Fenêtre
• une captation démente du Hiboo:

Black Sands arrive le 29 mars chez Ninja Tune…

Bonobo – Eyesdown (Radio Edit)

Avec du recul, je me suis vite rendue compte que c’était aller bien vite en besogne. Tout au contraire, Massive Attack est un orfèvre magistral du trip-hop qui sait manier à la perfection la force de sa musique. Chaque note, chaque tressaillement, chaque silence, tout est parfaitement ordonné et travaillé. Pourtant, et c’est là que la magie opère, l’ensemble parait tout à fait naturel. Cette grande préparation ne nuit aucunement à la spontanéité de l’entreprise.

3D et Daddy G, Karajan de la nouvelle musique électro, n’ont rien laissé au hasard, et encore moins à la médiocrité. S’ils ont pris leur temps pour réaliser ce nouvel opus, c’est qu’ils ont réussi à entrainer dans leur sillage un nombre impressionnant d’artistes. On retrouve les habitués : la fée soul Martina Topley-Bird et Horace Andy, le papy reaggeaman. S’y ajoutent également une pléiade d’autres musiciens comme Hope Sandoval (ex-Mazzy Star), Tunde Adebimpe (TV on  the radio) ou Damon Albarn (Blur). Comme dans un orchestre, chacun est choisi pour son talent et sa couleur de voix.

Pour leur cinquième album studio (si on élude la BO de Danny the dog), Massive Attack nous emmène sur le minuscule archipel d’Heligoland, propriété teutonne. Je n’ai pas encore pu élucider la signification de ce choix de titre. Si vous en savez plus, vous serez bien aimable de me le laisser savoir.

Ce que l’on peut dire d’emblée est que cet album est plus abordable que ce qui a pu être fait auparavant. L’accent est mis sur le chant, souvent très beau, ce qui rend ainsi les morceaux plus structurés et moins perturbants (Splitting the Atom, Flat of the Blade). On se perd moins dans de grandes envolées décalées. C’est un poil plus convenu, mais cela reste tout à fait dans l’esprit que l’on connait bien.

Cela dit, Heligoland est loin d’être fade ou conventionnel. On retrouve une basse puissante, prête à réveiller Solo et Séguin de là où ils sont, un beat de batterie rapide et râpeux, figure de proue du trip-hop et des surprises sonores à tous les coins de rue. Oh, la jolie guitare (Psyche). Oh, on dirait Vanessa Paradis – oui, j’ose (Babel).

Dans l’ensemble, cet album est plutôt plus tranquille que les précédents, et plus léger également (Paradise Circus). A part la première piste, Pray for Rain, dont les roulements de tambour sont légèrement inquiétants, les autres morceaux sont positifs, presque enjoués. Cela semble trancher avec la nostalgie habituelle de la musique de Massive Attack.

Cet album mérite amplement de multiples écoutes, dans l’ordre ou dans le désordre, afin de s’appesantir sur tel ou tel détail… un clavier, un grain de voix, un bout de phrase. J’ai beau tenter de lancer des morceaux au hasard, j’ai du mal à trouver un fil commun entre les dix morceaux qui, au final, sont très disparates – bien que toujours marqués du sceaux de Massive Attack. Cela tient sans doute en partie au fait que l’interprète changeant à chaque piste, il imprègne forcément beaucoup son passage de sa patte personnelle.

Au final, un très bel album, reposant et introspectif, mais qui sait aussi rappeler à l’auditeur que son originalité n’est pas en berne. Des cuivres, très bien intégrés sur Girl I Love You aux synthés débridés d’Atlas Air, l’heure n’est pas au déjà vu.

Avec Archive en 2009, Massive Attack en 2010… Portishead en 2011 ? Le trip-hop tient son rang de la plus belle des façons et entend bien continuer à se révéler à l’avenir. Je dors sur mes deux oreilles.

Écouter

Aller plus loin

• L’interview de Sound of Violence
• La chronique de Benjamin sur Playlist Society

Le 16 novembre dernier, nous étions étonnamment peu nombreux, en cette vaste halle Tony Garnier, a nous êtes déplacés pour entendre le Massive Attack nouveau, quelques mois avant la sortie de « Heligoland« , prévu pour février prochain. C’est donc dans une configuration réduite de la salle, avec environ 3500 personnes, que Martina Topley-Bird a engagé la partie, presque seule en scène.

Le public, très hétérogène, l’accueille chaleureusement, mais sans toutefois l’enthousiasme débordant donc étaient peuplés les concerts de ma jeunesse – ce qui reste compréhensible, et même souhaitable. Nous avons donc décidé de profiter, bien qu’illégalement, des sièges en bois tout creux et rigolos, qui permettent une bonne vue de l’ensemble du spectacle.

Très jolie dans sa grande robe rouge, Martina s’empare de la scène et sait ménager son effet : ballades tranquilles où sa voix officie en maître, mélodies entraînantes parsemées de rythmes africanisants et même un morceau rock pour clôturer son show. Mention spéciale à son « Ninja« , un curieux individu multi-instrumentaliste surdoué, donc on ne verra jamais le visage.

Quelques temps plus tard, Massive Attack entre en scène et éveille un public un peu endormi. Le set jouera sur les deux tableaux : des titres cultissimes allant de « Teardrop » à « Risingson » en passant par « Mezzanine », comme de nouveaux titres que j’ai découvert sur le tas : « Psyche », « Babel » ou « Spitting the Atom ». L’ensemble est très bon, on se sent planer, rebondir, décoller.

Les guest stars habituelles du groupe se succèdent : Martina Topley-Bird est de retour pour de nombreux morceaux (elle figure sur le prochain album), mais aussi Horace Andy, le reaggeaman jamaïcain, vieux papa à la voix tremblante et au charisme incroyable, et Deborah Miller, bouillonnante et fascinante.

Derrière les musiciens, un curieux écran composé des dix bandes pixélisées diffusera pendant toute la prestation divers messages : des noms de médicaments et de drogues, des chiffres, des citations en français… et plus étonnant, des titres d’articles de médias français assez subversifs, parmi lesquels j’ai identifié ceux de Rue89. Un temps divertissants, ces textes ont vite eu le désavantage de trop détourner l’intention vers eux. On en serait pas à oublier ce qui se passe sur scène mais presque.

D’autant plus que le concert connaitra quelques petites longueurs, pendant lesquelles le bruit semblera prendre le pas sur la musicalité. Mais pas d’affolement, très vite, 3D et sa bande reprennent le dessus pour nous transporter dans leur monde peuplé de voix langoureuses, de guitares aiguisées et de beats pressés, accompagnés de leur cadence toute particulière, énergique et rêveuse.

On en ressort détendu, ardent, serein, endiablé, amoureux… un combo d’émotions semblable à la musique de Massive Attack : blanche, noire, pop, électro, enlevée et tranquille.

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Si pour débuter mes explications, je commençai par évoquer le frisson qui me parcours l’échine au moment où Not Going Anywhere me traverse la tête, ma tâche n’en serrait que plus complexe. Ici l’instrumentation est un tumulte incessant d’émotions extrapolées, le délire génial d’une voix hypnotique, celle de Keren Ann. Difficile de passer à coté d’une inspiration aussi extraordinaire, la timidité légère et voilée du chant associée à la puissance explosive de l’orchestre, font de cette ode un festival surnaturelle de beauté.

En effet avant d’en exhiber la beauté, il est nécessaire d’exprimer la noirceur profonde de La Ballade. Avec un talent certain,  Barði Jóhannsson compose la beauté avec le plus sombre de lui même, c’est le paysage obscure derrière le sourire énigmatique, celui qui attire les foules et qui donne une profondeur immense au tableau. Il n’est pas juste hypothétique de supposer que l’islandais manipule des émotions tellement profondes qu’elles sont communes à tous. Si par définition le génie s’abreuve d’inventivité, il puise ici dans la genèse des émotions pour en recréer les sensations. Quand on pense à Mono ou Portishead, on se dit que le trip hop caresse systématiquement les ombres et la souffrance. Il n’y a donc rien d’exclusif à dire que Barði s’imprègne des mêmes sentiments pour composer sa musique. Je trouve pourtant formidable la franchise de ses murmures, la délicatesse de ses mélodies dont résulte une lumière salvatrice dans la pénombre du genre. J’en traduit peut-être à tord un espoir fantastique, une beauté sans cesse renouvelée qui force l’optimisme. Mais manifestement, l’association des deux personnages renforce cette idée: Keren Ann si douce, si claire et Barði Jóhannsson monstre brut aux attraits sages et énigmatiques.

Inside illustre à la perfection ce commun accord entre ombres et lumière. Ce morceau introduisait déjà à merveille Something Wrong de Bang Gang, il est ici revisité avec la même progression, mais s’achève sur une tempête instrumentale absolument fascinante et grandiose. La présence de l’orchestre n’aura pourtant pas beaucoup inspiré Barði dans ses ré-interprétations puisque on déplore ici une volonté ostensible de sublimer ses œuvres dans la puissance, alors qu’une telle instrumentation aurait dû encourager l’audace du compositeur. Néanmoins Ghost from the past, The world is gray ou Forward and reverse offrent le même spectacle effervescent de beauté symphonique qui éveillent chez moi un émerveillement puérile mais spontané. J’éprouverais donc un mal fou à vous dire que je n’ai pas apprécié.

Tout bien réfléchi, La Ballade de Lady & Bird, dans son ensemble, est un enchantement d’audace et d’élévation. D’abord parce que leur musique inspire des transports immenses mais aussi parce qu’elle donne a ses deux voix une place centrale, de celles qu’on retrouve dans les opéras et qui nous font dire que les chanteurs tiennent tête à l’orchestre. Néanmoins Keren et Barði sont deux enfants dans l’histoire de Lady & Bird. Deux enfants atteints du syndrome de Peter Pan et qui forment ici deux petites voix discrètes. Ça ne les empêchent pourtant pas d’occuper tout l’espace et de glisser avec beaucoup de naturel sur une symphonie qui semble-t-il, épouse amoureusement les vocalises du duo.

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• L’album sur Deezer
• Un live-report de Lady & Bird au Pleyel le 29/10 (unique concert en France, j’ai les boules)

Keren Ann je ne la connais mais alors pas du tout. Juste un peu sur ça première collaboration avec Bardi en 2003, sur le premier album (s.t.) du duo gracieusement nommé Lady & Bird.

Lady & Bird a eu une nouvelle idée lumineuse. Celle de ré-enregistrer un album, qui cette fois est un live Symphonique à Reykjavik (Islande). Alors bien-sûr on y retrouve  les morceaux propres au duo, mais également des reprises de Bang Gang. Parmi lesquelles figure Inside, issus de l’excellent Something Wrong.

Inside en version trip hop et électro c’est le titre qui met tout le monde d’accord. Le véritable passage avant l’immersion mélodique qui se trame tout au long de Something Wrong. Ici le cover symphonique et la voix de Keren Ann apportent un nouveau relief. C’est l’une des grandes composition de Bardi Johannsson et quand je dis « grande », c’est un euphémisme abominable. Ici la musique atteint une puissance unique, elle vous scotch à votre chaise autant qu’elle vous transporte. On glisse doucement d’un mouvement léger et intime, à une explosion instrumentale démesurée. Une musique dans laquelle il faut s’abandonner car elle caresse de trop près la perfection pour ne pas tenir du divin.

Lady & Bird – Inside

Quand on attend longtemps un concert, on a comme une petite boule au ventre. On redoute une douloureuse voire intolérable déconvenue si le groupe vient à décevoir. C’est donc avec la légitime angoisse de la mère avant l’accouchement, du thésard avant la présentation, bref du footballeur avant le match, que je me suis rendue ce mercredi 7 octobre au Transbordeur de Villeurbanne, tout près de Lyon.

Sans première partie et sans préliminaires, Archive balance le premier titre de son « Controlling Crowds » au son des sanglots longs des synthés. Et peu à peu les musiciens se dévoilent sur scène. Ils sont 7 mais parmi eux, je peine à reconnaître le chanteur Pollard Berrier et Darius Keeler, courbé sur son clavier. En effet, l’ingé lumières s’avérera brillant, ou sous acides, et ne dévoilera que très peu les visages des musiciens, accentuant le concourt de leurs corps. L’effet est réussi, l’ambiance est installée.

Tout de suite, la puissance du son et de la composition prennent aux tripes, d’une façon incroyable. C’est tellement fascinant et envoutant que je reste là, sans bouger. Un écran géant diffuse sur quelques morceaux des images d’accompagnement, très justement choisies. Sur Controlling Crowds, une foule d’hommes identiques masqués de blanc avance, comme sous l’influence d’une force mystique supérieure. Mais la foule rassemblée au Transbordeur ce soir n’est pas une controlling crowd. Nous sommes seuls, nous sommes des centaines, le cœur cintré, sous le sortilège de cette voix, de ce piano insensé bloqué sur repeat, de ces lumières qui nous aveuglent. En sample, la voix déchirante d’un homme qui hurle. Et ces hommes qui avancent, avancent. Archive nous balance la folie de ses mots, de ses sons. « I refuse to follow! ».

Autant vous dire que mon état physique à la fin de ce premier morceau est plus qu’inquiétant. J’oublie plusieurs fois de respirer, fais de la tachycardie et voudrais une intubation. Mais pas le temps de me lamenter, c’est Bullets qui déchaine maintenant les passions. Le morceau, suite logique, perpétue cette atmosphère saturée de violence et d’aliénation qui ne nous lâche plus. J’ai l’impression d’être un patient en psychiatrie, pied nus sur du verre pilé, ou dans la même veine. Sur l’écran, des corps dénudés se tordent. De douleur, d’amour, de folie ? Tout est-il à ce point vicié ?

Par la suite, Archive déroule son album jusqu’à la piste 9. Tous les sentiments nous attaquent, de solitude de Words On Sign à la paranoïa de Danger Visit (FEEL. TRUST. OBEY.). Sur Quiet Time, le rappeur Josko John entre sur scène, sous l’ovation du public. Ce morceau ne m’a vraiment fait bondir de joie, mais lorsqu’il est revenu pour la seconde fois, sur Bastardised Ink, la dynamique était différente, le flow de Rosko était appuyé par des samples plus présents et un instrumental plus énergique, l’intégrant mieux à une composition d’ensemble. Sur Collapside/Collide, on retrouve la chanteuse Maria Q. sur l’écran. Les musiciens sont très effacés, on croirait presque qu’elle est là avec nous. Le court métrage de sa prestation est particulièrement réussi et ajoute de la densité à ce morceau.

Après King of Speed, Archive enchaine sur Lines et Empty Bottle, deux morceaux de la partie IV de l’album, qui doit sortir le 19 octobre prochain. Puis c’est le dernier morceau, Funeral, qui clôt « Controlling Crowds« . L’effet est magistral, chaque membre quitte un à un la scène, sous les applaudissements de la salle. Il flotte dans l’air quelque chose de magique, quand les derniers samples résonnent encore. Archive, peu communicatif à l’oral, a su faire passer par la musique l’ensemble de son propos.

Mais alors qu’on pensait presque à partir, ils reviennent tous pour d’anciens morceaux. Londinium, Numb et System font hurler et bondir un public surexcité. Le son est bon, on resterait bien là plus longtemps. C’est avec un Again fantastique, version longue, qu’Archive quitte définitivement la scène.

En définitive, un concert envoutant, et très prometteur car en janvier, ils reviennent à Grenoble, troquant rappeur contre chanteuse. J’ai un peu regretté que les morceaux du rappel n’aient pas été intégrés à la set list principale, car leur départ sur Funeral était si fort qu’il aurait été une meilleure fin pour l’ensemble du concert.

Je ressors de la salle éblouie et songeuse. La musique et les paroles résonnent encore dans le fond de ma tête. Je n’ose parler d’introspection, un terme trop marqué, mais vous avez saisi l’idée. Am I scared of the controlling crowds ?

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Effectivement, le choix était risqué. Après deux albums très bons, voire excellents, on peut comprendre que le tailleur de cire ait choisi de poursuivre la voie dans laquelle il est le meilleur. On retrouve donc le pur son « Wax Tailor » sur cet album, tant est si bien qu’on a parfois l’impression d’entendre des tracks issus TOTFM ou H&S. C’est le même son, tout craché. Les violons sont là, la flûte de pan également, ainsi que de très bons cuivres. La palette instrumentale est donc très étoffée. Toujours quelques samples cinématographiques émaillés de scratchs. On retrouve également des samples utilisés auparavant par le tailleur de cire sur ses deux premiers albums. Le beat est toujours hip-hop / downtempo. Au niveau des featurings, on retrouve naturellement la fidèle Charlotte Savary et sa voix sucrée sur plusieurs tracks, mais aussi 5-6 nouveaux invités oscillants entre soul et hip-hop.

Car In the mood for life n’est tout de même pas exempt de nouveautés sonores : en premier lieu, quelques 6 intermèdes  musicaux, jolis, inspirés, viennent ponctuer l’album, comme pour lui laisser le temps de respirer, de se décanter et de trouver son rythme et son ambiance. Cela pose le son, mais c’est pas non plus la révolution du siècle…

Par contre, ces nouveaux et nombreux featurings viennent apporter un vent de fraîcheur à cet album. Sur Dry your eyes, la participation de la chanteuse Sara Genn, quoique superbe, est assez anecdotique dans la mesure où on à l’impression d’entendre Que sera ou un truc du genre des précédents albums (superbes mélodies, superbe voix, lenteur, langueur, mélancolieeeee)… mais le reste des invités va proposer une direction assez nouvelle qui s’accorde remarquablement bien avec le travail de Wax Tailor : celle de la soul. Soul-pop-punchy avec Charlie Winston ( oui, oui, celui de Like a Hobo, suprenant), soul carrément old-school (aux relents gospel ?) avec Dionne Charles sur Leave it, ou soul-hip-hop sur This Train avec Voice et Ali Carter. Ces nombreux featurings aux couleurs vocales variées apportent donc une fraîcheur indéniable à cet opus. Mais c’est sur No pity, sans featurings, que se déploie à mon avis tout le talent de Wax Tailor : un magnifique sample de soul travaillé, de petits samples de voix chelous, un bon beat hip-hop et de discrètes instrus symbolisent les envies du Tailor sur cet In the mood for life : entre hip-hop léché et downtempo chaleureux, maîtrisés par un pro des machines qui tente quelques incartades, timides, vers un style soul très frais.

Faut-il encore ajouter que même si cet album est timide au niveau de l’ouverture vers de nouveaux paysages sonores, il comporte un lot incroyable de bombes, comme ses prédécesseurs ? Oui, même au bout de trois fois, la recette Wax Tailor n’a pas perdu sa saveur : le son est toujours putain de BON. Les tracks hip-hops sont toujours des grosses tueries live (essayez donc de résister à B-Boy on Wax, le frêre de Positively Inclined et House of Wax), les instrus et les mélodies sont toujours superbes, les voix des chanteurs soul ou classique sont toujours justes. Le gage de qualité ultime d’un album est lorsque vous avez envie de le réécouter en entier sans cesse pour tenter de le connaître sur le bout des doigts. Tel est le cas ici (j’en suis déjà à 9 en deux jours). En bref, le niveau est toujours aussi haut, Wax Tailor ratatinant n’importe quelle production française de hip-hop actuelle et se posant là lorsqu’il s’agit de proposer des compositions plus touchantes et intimistes…  Simplement, nos sonotones d’auditeurs ingrats habitués à tant d’excellence sont en droit d’attendre quelque chose de novateur.

Jean-Christophe le Saout a suivi le fameux adage « jamais deux sans trois » : Tales of the Forgotten Melodies était l’album de la surprise, Hope & Sorrow celui de la confirmation et In the Mood for life semble être celui de la continuité. Espérons maintenant que le quatrième album sera celui du renouveau, car le discret mais doué Wax Tailor peut, j’en suis sûr, nous emmener vers des rivages musicaux insoupçonnés.

Poil au périnée.

Liens

In the mood for life sur Spotify.